De laços de poder a jóias chamativas, não é nenhum segredo que o desgaste rico tende a sinalizar sua posição elevada na sociedade. Longe de ser um fenômeno exclusivamente moderno ou americano, a prática de fazer declarações de classe com as roupas de alguém se estende ao passado e é uma constante em uma miríade de culturas globais díspares.
Entre as vestes de prestígio mais elegantes e vibrantes da história do mundo estão os casacos ikat da Ásia Central, feitos com um intrincado processo de morrer de fios e notavelmente ostentado pelos povos seminomades da região ao longo do século XIX. Policromáticos e estampados com desenhos geométricos nítidos, esses casacos - juntamente com seus primos pendurados na parede - são o tema da exposição recém-aberta do Smithsonian, "To Dye For", em exibição até 29 de julho na Arthur M. Sackler Gallery em Washington, DC
Todo o ikat do século 19 em exibição vem de uma doação feita pelo colecionador particular Guido Goldman. Este ano, o Goldman concedeu cerca de 70 peças de arte ikat às coleções Freer | Sackler por ocasião de um grande aniversário - há 20 anos, o Goldman exibiu o ikat no mesmo local, apresentando a muitos americanos o esplendor do estilo no que era o primeiro show têxtil do museu.
A técnica do ikat, cujo nome deriva de uma palavra indonésia para “empate”, não é de forma alguma exclusiva da Ásia Central. Massumeh Farhad, curador-chefe das Galerias Freer e Sackler, diz que o método tem profundas raízes na Indonésia, na Índia e no Japão também. Mas a Ásia Central, especialmente o Uzbequistão, é onde a arte foi aperfeiçoada. “O que torna esses ikats da Ásia Central especiais”, diz Farhad, “é a ousadia deles. Eles realmente te prendem em seus passos.
Farhad escolheu este artigo como um exemplar exemplar. A extrema diversidade de cores torna quase certo que o tecido foi passado por oito banhos de tingimento separados. (Freer | Sackler) Fabricar um design ikat exige visão e tempo. Antes que qualquer tecelagem real ocorra, o artesão líder deve imaginar um padrão de cores totalmente polido. Em seguida, os assistentes encharcam os fios de urdidura do futuro têxtil em uma série de cubas de tinta - até oito no total - acumulando matizes ao longo do caminho. Antes de cada fase de morte, todas as extensões de urdidura são estrategicamente ligadas com um fio gorduroso resistente a corantes, deixando expostas apenas as partes destinadas a serem coloridas.
Ao reposicionar o fio resistente à tinta antes de cada imersão, os fabricantes de tecidos cobrem gradualmente a totalidade da dobra em uma variedade de tons diferentes. Os designers mais habilidosos submeterão algumas seções do material a múltiplas imersões, combinando corante vermelho e amarelo para produzir cor laranja do pôr-do-sol ou vermelho e azul para produzir riquíssimo púrpura real.
Finalmente, quando a teia do Technicolor está pronta, os operadores do tear esticam-no e prendem-no com uma trama de algodão ou seda. O resultado é um longo e estreito tecido oblongo com o padrão geométrico repetitivo do designer. Isso pode ser moldado em um revestimento atraente, ou alternativamente mantido bidimensional e feito em uma parede pendurada.
O que Farhad acha especialmente fascinante sobre esse processo envolvido na Ásia Central é que cada passo na sequência tem uma estreita associação histórica com um determinado grupo étnico. "Os tadjiques eram responsáveis pelos corantes amarelos e vermelhos no banho de tintura", diz Farhad. “A comunidade judaica era responsável pela importação de índigo para o banho de corante índigo. E então os uzbeques estariam tecendo os pedaços juntos. Foi definitivamente colaborativo. ”
A exposição "To Dye For" apresenta uma variedade de tapeçarias e casacos. Divisões entre as tiras de tecido ikat são mais prontamente aparentes nos enforcamentos. (Freer | Sackler) A primeira galeria da exposição “To Dye For” se concentra em tapeçarias simples com apenas algumas cores. Os desenhos crescem cada vez mais vibrantes e complexos, sugerindo o uso de banhos de corante adicionais. O destaque do show é uma sala espaçosa em direção ao final contendo uma panóplia de casacos ikat, tingida com estilo singular e com forros ornamentados de algodão russo e chita indiana.
Farhad enfatiza o grau em que o vestuário importava como um símbolo de status entre os povos da Ásia Central do século XIX. "As pessoas eram muito mais móveis do que são agora", diz ela. “Não havia bancos, então basicamente toda a sua riqueza estava com você ou com você. Os casacos Ikat eram uma forma de riqueza. E se você quisesse mostrar a extensão do seu status e importância, você fazia isso usando roupas extravagantes. ”
Mesmo no mundo contemporâneo, a moda ikat tem um fascínio especial. Um ícone da alta-costura que extraiu inspiração do ikat - e ajudou a popularizar o visual nos Estados Unidos - foi o designer dominicano-americano Oscar de la Renta, uma amostra de cujo trabalho com padrões ikat (um trench coat 2005 op-arty e um floral vestido 2013) é representado na sala de exposições ao lado das roupas tradicionais boxier.
Este vestido jacquard de seda e lã de Oscar de la Renta de 2013, embora não seja produzido com a autêntica técnica ikat, presta uma homenagem clara ao tradicional ikat com a sua padronização. (Freer | Sackler) De la Renta aproveitou o olhar do ikat, mas não a técnica real - suas peças foram produzidas usando processos mais modernos e têm uma semelhança com elas que não é característico do ikat histórico (em que as linhas de divisão entre os painéis são muitas vezes bastante evidentes). A atualização de De la Renta para o estilo centenário abriu o caminho para uma proliferação global nos padrões de ikat. A popularidade do Ikat subiu ao ponto de "Tudo o que você precisa fazer é digitar 'ikat' na Web e verá os sofás e produtos da Crate & Barrel da Target", diz Farhad.
À luz deste boom contemporâneo de designs ikat, “To Dye For” serve como um fascinante lembrete histórico do trabalho árduo e da arte visionária associada a dar vida a esses ricos padrões coloridos. A última sala da exposição apresenta uma variedade de ikat dos últimos dias, cimentando a ligação entre o passado e o presente.
“Todos nós provavelmente compramos produtos com designs ikat”, diz Farhad, “mas poucos de nós consumidores realmente conhecem as origens desses padrões atraentes.” Agora é sua chance de aprender.
“To Dye For” está à vista na Galeria Arthur M. Sackler até 29 de julho. Uma exposição ikat complementar no vizinho Museu Têxtil da Universidade George Washington , “Binding the Clouds”, está em exibição até 9 de julho.
