É uma tarde fria e chuvosa de novembro, e o artista abstrato Mark Bradford está falando sobre levitação. Dois anos atrás, trabalhando em uma comissão para o Smithsonian's Hirshhorn Museum e o Sculpture Garden, ele teve uma visão de si mesmo flutuando no centro do pátio do prédio. Ele se lembra de pensar: "Estou no meio de uma pergunta", encarando o trabalho como "um problema que eu precisava resolver".
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O pintor de Los Angeles estava no Hirshhorn para a abertura de sua nova exposição individual. A instalação Pickett's Charge abrange quase 400 pés e consiste em oito telas medindo 12 metros de altura e mais de 45 metros de comprimento. Riffs sobre o ciclorama ainda maior de 1883 pelas pinturas do artista Paul Philippoteaux de um ataque pivotal da Guerra Civil. Foi em 3 de julho de 1863, o terceiro e último dia da Batalha de Gettysburg, que o general George Pickett e suas tropas confederadas não conseguiram romper a linha da União. Essa derrota histórica virou a maré para as forças da União.
Para retratar o evento com precisão, Philippoteaux - um especialista em ciclorama de Paris - entrevistou sobreviventes e pesquisou a estratégia militar. Enquanto trabalhava nas pinturas e nos dioramas acompanhantes, “ele não se posicionou”, diz Evelyn Hankins, curadora sênior do Hirshhorn. "Ele retratou a bravura dos soldados - a honra de lutar e a paixão - em vez de tomar partido."
Um efeito 3D de brincar com profundidade e perspectiva, combinado com representações impressionantes de cenas literárias, religiosas e militares, tornou os cicloramas muito populares na Europa e América do final do século XIX. O Gettysburg Cyclorama, meticulosamente restaurado, continua a ser uma das poucas obras em exibição nos EUA.
Para Bradford, o ciclorama e outras pinturas americanas antigas levantam questões sobre a política dos memoriais militares. "Quantas vezes andamos por monumentos antigos e empoeirados", diz ele, e pensa profundamente sobre o que eles significam? Ele está falando não apenas das estátuas confederadas e dos debates sobre se devem ficar ou partir, mas também dos helicópteros da época da Guerra do Vietnã, que ele notou em razão dos Arquivos Nacionais adjacentes ao Hirshhorn. Os helicópteros foram instalados temporariamente para a abertura do show sobre o Vietnã. Essas exibições desafiam a objetividade - os americanos não podem concordar em quais eventos honrar, esquecer, ignorar ou criticar, então ele pergunta: “Como escrevemos história? Quem tem o poder de escrever. . . e história do concurso?
O 1883 Gettysburg Cyclorama pelo artista francês Paul Philippoteaux retrata a Carga de Pickett. (Ron Cogswell / Wikimedia) Ele indiretamente sugere que todos nós temos esse direito e responsabilidade, argumentando que “questionar o poder é a pedra angular da democracia”. A chave, diz ele, está nas conversas abertas alimentadas pela curiosidade. Perguntas convidam diálogo, ele diz. "Respostas apenas fecham as pessoas."
Para manter o diálogo aberto, às vezes levando-o a um território desconfortável ou inesperado, Bradford usa diferentes mídias para refletir a história da América de volta a si mesma. Sua primeira exposição no museu solo em Los Angeles incluiu o Homem Aranha, um vídeo que parodia as rotinas de comédias eróticas sexistas e homofóbicas dos anos 80, e Finding Barry, um mapa esculpido que destaca as taxas de infecção por HIV nos EUA.
Depois do furacão Katrina, ele construiu Mithra, uma arca de 20 metros de altura com placas FEMA que os sobreviventes tentavam localizar animais perdidos após a tempestade. Atualmente em exibição no Museu de Arte do Condado de Los Angeles, encontra-se o 150 Portrait Tone, uma pintura mural que responde ao tiroteio policial em St. Paul, Minnesota, de Philando Castile.
Recebedor de uma doação de “gênio” da MacArthur Foundation de 2009, Bradford cresceu em uma pensão em South Central Los Angeles, na década de 1960. O mais velho dos dois filhos, ele nunca conheceu seu pai; sua mãe trabalhava como cabeleireira. No início dos anos 70, ela decidiu levar sua família para uma parte mais segura de LA - ele a chama de “a Santa Mônica de São Paulo”. . . Birkenstocks e lojas de alimentos naturais socialistas. ”Sua mãe eventualmente abriu seu próprio salão em Leimert Park, perto de seu bairro anterior. Depois do colegial, ele conseguiu sua licença de cabeleireiro e foi trabalhar com sua mãe.
A instalação Pickett's Charge abrange quase 400 pés e consiste em oito telas medindo 12 metros de altura e mais de 45 metros de comprimento. (Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Cathy Carver) Como gay, negro na década de 1980, ele viu pessoas que conhecia da cena do clube de Los Angeles e seus colegas em outros lugares que morreram de doenças relacionadas à AIDS. Esperando fugir do destino, ele fugiu intermitentemente para a Europa durante a maior parte dos seus 20 anos. Ele iria estocar sua renda e viajar até que o dinheiro acabasse, então trabalhasse um pouco mais, economizasse e vagasse de novo.
Aos 30 e poucos anos, ele havia se estabelecido em Los Angeles e se matriculou na escola de arte. Ele experimentou com diferentes meios de comunicação e devorou os escritos de filósofos e teóricos da arte, obtendo bacharelado e mestrado em belas artes pelo California Institute of the Arts. Ele continuou trabalhando no salão de sua mãe, enquanto também fazia arte, descobrindo como usar o Abstractionism para investigar raça, gênero e socioeconomia. Um grupo de 2001 no Studio Museum, no Harlem, colocou-o nas listas de desejos de colecionadores de todo o mundo.
As pinturas de Bradford costumam ser vendidas por um milhão de dólares. Para criar essas obras, ele elimina material das ruas de Los Angeles, uma prática que remonta a seus dias depois da escola de arte, quando ele não podia pagar por suprimentos caros e acrílicos. Ele prefere usar objetos encontrados, “puxando coisas que não pertencem ao mundo da arte e querendo que elas entrem nele”.
Ele também pode adicionar tinta de casa, ou endpapers usados para tratamentos químicos de cabelo, ou os anúncios coloridos para os credores do dia de pagamento e outras empresas voltadas para residentes de baixa renda. Ele coloca esses elementos em grandes colagens, depois raspa, canta e descolora as pinturas usando ferramentas elétricas, alvejantes e outros métodos.
Carga de Pickett (Dois Homens) (detalhe) por Mark Bradford, 2016-2017 (Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Joshua White) Para Pickett's Charge, ele tinha imagens digitais do Gettysburg Cyclorama impressas em papel de parede azul-back, o que evita que imagens e letras nas camadas subjacentes fiquem transparentes. Para criar um tipo de andaime, ele prendeu cordas finas em dezenas de fileiras horizontais, com quatro centímetros de distância, em telas enormes.
"Fiquei tão assustado quando percebi o tamanho de 400 pés lineares", diz ele, que precisava das cordas para criar um "mecanismo de aterramento [para mim] para não entrar em pânico". Ele os compara à explosão controlada de um arqueólogo que permite metódica cavando para a história por baixo. As cordas se tornaram a arquitetura subjacente. "Eu não desenho muito", explica ele. "Eu trabalho fora tudo trabalhando."
Ele aplicou folhas de papel em cores como as da pintura de Philippoteaux e colocou as imagens de Gettysburg por último. Depois arrancou o material do outdoor, puxando as cordas de orientação e as camadas de papel. Os "ecos" das cordas arrancadas criavam círculos concêntricos correndo pelas telas. Como ele fez em trabalhos anteriores, ele arranhou e rasgou essas pinturas por tentativa e erro até sentir que estavam completas.
A localização do museu ao longo do National Mall inspirou as pinturas tanto quanto a galeria circular de Hirshhorn na qual elas se encontram. "Eu sempre fui obcecado com o que aconteceu no shopping", diz ele. "É um local para rituais de democracia e dissensão", como a Marcha em Washington para Empregos e Liberdade em agosto de 1963 e a Marcha das Mulheres em janeiro de 2017. A pesquisa histórica de Bradford para a Carga de Pickett enfocou as contribuições negligenciadas das mulheres durante o movimento dos Direitos Civis .
Na galeria Hirshhorn, Bradford está em frente a Dead Horse, a última das pinturas de Pickett's Charge que ele criou, e descreve como seu processo mudou ao longo dos anos. “Há uma qualidade tridimensional que nunca deixo acontecer tanto [antes]”, diz ele. “A fisicalidade da superfície está saltando um pouco mais. As fissuras que estou permitindo que estejam lá - não são tão "bonitas". Ele agita os dedos sobre a tela e diz, despreocupadamente: "Eu posso ver os ecos de Veneza aqui."
Carga de Pickett (Homem com a bandeira) (detalhe) por Mark Bradford, 2016-17 (Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Joshua White) “Veneza” é a Bienal de Veneza, a prestigiada e extravagante arte de arte realizada a cada dois anos na Itália. Através de uma colaboração entre o Museu de Arte de Baltimore e o Rose Art Museum da Brandeis University, Bradford criou o Tomorrow Is Another Day, uma imersiva instalação de esculturas e pinturas, para o pavilhão da Bienal nos EUA. A exposição leva o nome da última linha de Vivien Leigh no filme Gone with the Wind ( 1939) e explora a negritude na América, da escravidão aos recentes tiroteios e absolvições da polícia.
O impacto sociopolítico de sua obra, diz Bradford, “nem sempre é proveniente das pinturas”. Ele também não separou sua arte de seu ativismo. "Eu nunca vi a diferença", explica ele. “Tudo está ligado a mim.” Ele usou o show de Veneza para anunciar uma parceria de seis anos com a Rio Terà dei Pensieri, uma cooperativa local que fornece treinamento aos presos e os ajuda a se adaptar à vida depois de serem libertados.
A sustentabilidade econômica tem sido uma paixão de longa data, desde os dias em que “eu e minha mãe trabalhamos no salão de beleza”, diz ele. “Mantendo as empresas familiares indo e vindo. Estou interessado em acessar e preencher uma necessidade "na comunidade".
Antes da colaboração com Veneza, ele teve mais prática na fusão de arte e advocacia: três anos atrás, Bradford, Allan DiCastro (seu parceiro de 20 anos) e a filantropa Eileen Harris Norton foram cofundadores da Art + Practice, uma fundação de artes e educação que oferece serviços de apoio para fomentar a juventude e eventos culturais. A sede da organização inclui o edifício que já abrigou o salão de sua mãe em Leimert Park, um bairro distante da antiga pensão de sua infância.
"Mark Bradford: Pickett's Charge" está à vista no Hirshhorn Museum e no Sculpture Garden, em Washington, DC, até 14 de novembro de 2021.
