Esqueça as espetaculares cores das folhas e as temperaturas mais baixas: é o início da “Fashion Week” em setembro que anuncia a temporada de outono. Como as novas temporadas de música, teatro, dança e arte, o Fashion Week sinaliza um novo começo. O que é novo e maravilhoso? Como nos vamos inventar desta vez? Recatada e discreta? Chamativo mas chique? Indeciso?
Além de ser um esporte favorito para cães de roupas, a moda é um tema quente no mundo da cultura nos dias de hoje. O Project Runway tem legiões de fãs. No entanto , a moda também está emergindo como um tema de ressonância no mundo dos museus. Exposições de alta visibilidade como “Consciente: Identidade de Arte de Moda” na Royal Academy of Arts de Londres em 2010, e a mostra de 2010 do Costume Institute, “Mulheres Americanas: Criando uma Identidade Nacional”, bem como seu 2011, “Alexander McQueen: Savage Beauty ”colocou a moda no centro das atenções em explorações contemporâneas de identidade.
A Fashion Week estreou pela primeira vez em 1943, a ideia do publicitário Eleanor Lambert. O especialista em mídia Lambert, cujos clientes incluíam Jackson Pollock e Isamu Noguchi, ajudou a fundar o Museu de Arte Moderna. Mas sua maior paixão era moda. Em 1940, ela criou a "International Best Dressed List" (que ela iria curar por décadas), e no meio da Segunda Guerra Mundial, ela decidiu que era hora de destronar Paris e declarar a preeminência da moda americana ao lançar a Fashion Week. Em Nova Iórque.
Diana Vreeland por Richard Ely Crayon, tinta e guache sobre papel 1989 (National Portrait Gallery, Instituto Smithsoniano © Richard Ely) Ao mesmo tempo, Diana Vreeland estava emergindo como uma força da natureza no Harper's Bazaar. O editor Carmel Snow a contratou em 1936, e ela rapidamente fez um nome para si mesma com sua coluna “Why Don't You?” Esses passeios foram excentricamente excêntricos, com Vreeland fazendo alegremente perguntas como: “Por que você não ... enxaguar seu cabelo de criança loira em champagne morto, como eles fazem na França ?. . (e) torça suas tranças ao redor de suas orelhas como macaroons?
Durante a guerra, Vreeland tornou-se um grande promotor de designers americanos. Escrevendo sobre o lançamento do Fashion Week em 1943, ela enalteceu a “integridade e o talento dos designers americanos”. Em vez de alta costura parisiense, ela argumentou que o estilo dominante tornou - se americano, com novos estilistas empolgantes representando “o estilo americano e o americano”. modo de vida."
O olho sem piscar de Vreeland prestou atenção a tudo o que a cercava - indumentária, literária, artística. Para ela, atitude e gesto eram fundamentais: “Você tem que ter estilo. . . .É um modo de vida. Sem ela, você não é ninguém. ”Ela colocou sua marca em todas as partes da revista, escolhendo as roupas, supervisionando a fotografia e trabalhando com as modelos. "Eu sei o que eles vão usar antes de usá-lo, o que eles vão comer antes de comer, (e) eu sei onde eles estão indo antes mesmo de lá!"
O fotógrafo Richard Avedon, que colaborou com ela por quase 40 anos, disse: “Diana viveu para a imaginação governada pela disciplina e criou uma profissão totalmente nova. Ela inventou o editor de moda. Antes dela, eram as mulheres da sociedade que colocavam chapéus em outras senhoras da sociedade. ”Com Vreeland, o foco mudou da classe social para a personalidade:“ personalidades arrebatadoras ”, ela disse entusiasmada, “ são as coisas mais fascinantes do mundo - conversas, interesses das pessoas., a atmosfera que eles criam em volta deles. ”
Em seus 26 anos no Harper's Bazaar (1936-62) e sua quase década na Vogue (1962-71), Vreeland transmitiu seu senso visionário de estilo através de fotografias notáveis. No Bazaar, ela colaborou notavelmente com Louise Dahl-Wolfe em cenas históricas como a história de moda do resort de janeiro de 1942 filmada na casa do arquiteto Frank Lloyd Wright, “Ship Rock” - na qual a própria Vreeland apareceu como modelo - e na capa de março de 1943 introduziu uma então desconhecida Lauren Bacall, que foi consequentemente levada para Hollywood para co-estrelar com Humphrey Bogart em To Have and Have Not.
Vreeland - que sempre falou em superlativos - estabeleceu um olhar distinto que exortava seus leitores a serem corajosos, corajosos e imaginativos: “a moda deve ser a versão mais intoxicante da banalidade do mundo”, declarou certa vez. “Se não está na moda, fantasie !”
Quando ela deixou a Vogue em 1971, ela pensou: "Eu tinha apenas 70 anos. O que eu deveria fazer, aposentar-se?" O diretor do Metropolitan Museum of Art, Tom Hoving, convidou-a para se tornar Consultora Especial do Met's Costume Institute, e ela embarcou rapidamente em criando um mundo de fantasia 3-D que não foi confinado por uma propagação de revista. Luzes, adereços, música e cenários foram lançados para criar exposições que celebravam temas que iam desde os Ballets Russes até Balenciaga. Seus shows foram fontes de inspiração extremamente populares para o público contemporâneo e revitalizaram o Costume Institute. Antes de sua morte em 1989, Vreeland fez curadoria de 14 exposições e fez campanha com sucesso para a aceitação da “moda como alta arte” - a ideia de que as roupas eram tão magistrais quanto obras tradicionais como pintura e escultura.
Em seu livro de 1980 Allure, Vreeland desafiava as pessoas a viver com paixão e imaginação. A criatividade de uma pessoa tinha que estar em constante movimento, ela argumentou, porque “o olho tem que viajar”. Perguntei a Ricki Peltzman, dono da Upstairs on Washington e da renomada curadora de moda, para avaliar o impacto duradouro de Vreeland na moda. “Moda é sobre estilo. É pessoal. Todos os dias mostramos ao mundo como nos sentimos sem ter que dizer uma palavra. E ninguém disse melhor que Diana Vreeland.
A historiadora cultural da National Portrait Gallery, Amy Henderson, escreveu recentemente sobre Walter Cronkite e os atletas olímpicos.
