O artista Jeffrey Gibson, um meio-membro Cherokee da banda Mississippi de índios Choctaw, adota uma abordagem multidisciplinar em seu trabalho - ele é pintor, escultor, fotógrafo e intérprete. Sua obra é um mashup astuto que desafia seu público a questionar pressupostos culturais e políticos. Por seu material, ele explora sua herança indígena, sua exploração juvenil da subcultura de boates e sua educação global na Coréia, Alemanha, Inglaterra e outros países onde viveu enquanto crescia. Pode-se dizer que sua ênfase artística é uma adoção colaborativa de identidades marginalizadas, não-conformistas e forasteiros da sociedade.

Gibson ressoa particularmente neste momento no tempo. Sua obra de arte está mergulhada tanto na história de apagamento cultural do país quanto no atual clima de política divisiva.

“À medida que os tempos se tornaram cada vez mais políticos, as pessoas começaram a projetar mais política no trabalho”, observa Gibson, cuja obra de arte mais reconhecida é uma série de bolsas perfuradas Everlast, adornadas com bordados, contas de vidro multicoloridas, franja de náilon fluorescente e jingles de metal. e rotulado com letras de músicas pop. "E então quase respondo", diz ele. "Porque eu estou gostando da conversa."

Sejam as pinturas geométricas de acrílico e grafite em couro cru ou deslumbrante, tapeçarias estampadas, inspiradas em quilting tradicional e uma narrativa de artesanato indígena, a instalação da Gibson através de mídias reflete um profundo entendimento da abstração formal. Entre suas influências estão os modernistas americanos e europeus, como Sol Lewitt, Josef Albers e Bridget Riley. Seu trabalho incorpora materiais como pele de cabra e couro de veado, bem como, mais recentemente, o artesanato de bétula de Algonquian e o espinho de porco-espinho, praticado por tribos muito antes da chegada dos colonos europeus.

Questões de colonização - tanto dentro das paredes do museu quanto além - nunca se afastam muito da mente de Gibson. Em sua American History de 2015 , uma tapeçaria colorida, ele incorporou o texto: “A história americana é mais longa, maior, mais bonita e mais terrível do que qualquer coisa que alguém já disse sobre isso”.

Nascido em Colorado Springs, Gibson, 47 anos, filho de um engenheiro do Departamento de Defesa dos Estados Unidos, conta que se muda a cada dois ou três anos durante a infância, desembarcando na Carolina do Norte, Nova Jersey, Alemanha e Coréia. Educado no Instituto de Arte de Chicago e no programa de pós-graduação do Royal College of Art de Londres, Gibson estudou pintura por toda parte. Mas ele cita a cultura punk e rave da cena do clube que ele tomou enquanto na adolescência e 20 anos era tão influente em sua arte quanto em seu treinamento formal. “Olhando para a música que estava sendo tocada no final dos anos 80 e 90, o que estávamos dançando de forma comemorativa era muitas vezes um pedido de ajuda, falando sobre o HIV explicitamente em algumas dessas letras”, explica Gibson. “Mas percebi que havia uma razão pela qual essa música falava comigo. Falava comigo como um homem jovem, estranho e não branco.

Demian DinéYazhi, nº 3 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Demian DinéYazhi, No. 4 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Emily Johnson, No. 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Emily Johnson, nº 4 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Jackson Polys, número 1 de Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Laura Ortman, No 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Regan de Loggans, número 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Roxy Romero, nº 2 por Jeffrey Gibbons, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Roxy Romero, No. 3 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesia do artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects)

Esta semana, Gibson traz esse discurso para a National Portrait Gallery do Smithsonian em Washington, DC, com sua coreografia multimídia, intitulada “To Name An Other.” A apresentação apresenta tambores e 50 participantes, que se identificam como indígenas, americanos nativos, LGBTQ. ou como pessoas de cor, vestidas com as roupas elaboradas de Gibson.

É a mais recente iteração da série “Identify” do museu. “Estamos abrindo o que um retrato pode ser”, diz Dorothy Moss, do museu, que é curadora de pintura e escultura, além de diretora do Identify.

Gibson está bem adaptado para ser o décimo artista “Identificar”, juntando-se a outros como o renomado James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, Maria Magdalena Campos-Pons e Wilmer Wilson. O objetivo do projeto é esclarecer as lacunas na coleção inicial do museu, reconhecendo as pessoas que estão desaparecidas, diz Moss. À medida que os museus em todo os EUA enfrentam desequilíbrios institucionais de longa data, “Identify” confronta a ausência racial na arte e na história americana através das lentes da performance.

“Estou realmente esperando que o trabalho de Gibson dê a quem sentiu em silêncio durante este momento político uma voz”, explica Moss dos 50 voluntários-intérpretes, assim como o texto que Gibson incorpora na performance. As roupas de cores vivas de Gibson para cada um dos participantes são combinadas com slogans impressos digitalmente, tais como: “Eles lutam por água limpa;” “Poderosos porque são diferentes;” “Seus votos contam;” “Eles falam a língua deles”; Como ela "e" sua pele escura traz luz ".

O uso estratégico do texto é uma marca registrada da estética de Gibson e relembra os trabalhos de Jenny Holzer e do ativista do HIV-AIDS, David McDiarmid.

"Ele está permitindo que as pessoas sejam visíveis, que se sentiram inéditas e vulneráveis ​​em nosso clima atual", diz Moss.

O uso de Gibson de artesanato de contas nativas, inspirado em colchas e slogans de protesto está sendo reconhecido por impulsionar a arte contemporânea e o diálogo social para frente. Mas a criação de seu primeiro saco de pancadas iridescente, o Everlast 2011, foi uma experiência profundamente pessoal. Gibson relembra, um sentimento amorfo de frustração - questionando se ele queria ser artista - durante a terapia recomendada pelo médico. "No final da primeira sessão, havia muitas questões em torno do classicismo, racismo, homofobia, muito específicas para o mundo da arte de uma forma que foi claramente a raiz das minhas frustrações", diz ele. “Trabalhar com o terapeuta levou a um preparador físico e, em seguida, ao boxe, como forma de recuperar minha mente e meu corpo e tentar unificar aquelas coisas que pareciam muito desconexas para mim”.

Para a bienal Whitney deste ano, Gibson pendurou Keep on Moving (2019), um mural de bandeiras acolchoadas proeminentemente no saguão do museu, acima dos balcões, com a declaração: “Obrigado pelo espaço que você ocupa. Saiba que você é amado. Continue em movimento. Não pare.

Os visitantes são confrontados com a colocação proeminente da obra de arte, enquanto esperam os 5 a 20 minutos necessários para comprar seus passes de entrada. "É sobre dizer o que eu acho que precisa ser dito, e qual é a coisa certa a fazer", diz Gibson. "Eu sinto que teria sido irresponsável para mim não expressar algumas coisas com uma plataforma tão grande como esta."

Fiel ao léxico visual de Gibson, o artista aproveita a oportunidade para capacitar os espectadores. A co-curadora da Whitney Biennial e historiadora de arte Jane Panetta diz que o texto de Gibson - uma poderosa fusão de arte e linguagem - é tanto um protesto contra a injustiça contemporânea quanto uma declaração de força contra a desigualdade e o preconceito. “Enquanto está sempre lidando com questões difíceis sobre sua estranheza, sobre ser um artista indígena”, Panetta diz, “ele sempre tentou perguntar, como eu posso lidar com essas questões, mas penso em uma voz positiva, uma voz produtiva”.

Este mês em Nova York, tanto o New Museum, onde Gibson foi artista residente na primavera passada, quanto o Museu Whitney de Arte Americana estão exibindo as obras parecidas com roupas de Gibson. Para sua apresentação de 8 de junho do “To Name An Other”, que acontecerá no New Museum, os performers irão novamente animar seus têxteis através de percussão, procissão e movimento para marcar o encerramento da residência de Gibson. Referindo-se a seu profundo interesse em questões de apropriação e narrativas de conflito, Gibson intitulou o trabalho final de seu programa de residência no New Museum, The Anthropophagic Effect, após o poeta Oswald de Andrade de 1928, "Manifesto Antropofágico", um ensaio sobre como as comunidades deveriam "devorar". Ou canibalizar a cultura de um colonizador para rejeitar a dominação. O trabalho inclui quatro de suas vestes ao lado de vestidos Choctaw e Cherokee, e uma variedade de materiais de contas de plástico, fitas de nylon, guarnições de latão, cabaças de pêra secas e cestas.

Sempre explorando novas histórias de artesanato indígena, durante sua residência no New Museum, Gibson pegou a tecelagem de cestos de cana do rio Sudeste, por exemplo. “Jeffrey é alguém que está realmente interessado em como as diferentes formas culturais estão constantemente, sempre se tocando”, diz a curadora associada do New Museum, Sara O'Keeffe. "Uma grande parte das roupas que Jeffrey tem feito nos últimos anos é pensar nelas ativadas e não simplesmente mostradas como artefatos em museus em todo o país".

"Identifique: Performance Art as Portraiture — Jeffrey Gibson: To Name An Other" acontece em 22 de maio de 2019 às 5 da tarde na National Portrait Gallery do Smithsonian em Washington, DC