Ouça com atenção um rumor distante: há 100 anos, em 29 de maio de 1913, o choque do novo explodiu em um teatro de Paris quando os Ballets Russes de Diaghilev apresentaram o Rite of Spring de Stravinsky. A platéia enfeitada e cheia de joias no Theatre des Champs-Elysees explodiu com a dança folclórica e a música dissonante que os confrontava. Em vez da graça e da tradição de tais balés como o Lago dos Cisnes de Tchaikovsky , a coreografia desarticulada de Spring e o cenário pagão russo lançaram um coro de vaias que se transformaram em brigas: O que era todo aquele pé pisando? Onde estavam os tutus da tradição? Para surpresa e consternação do público, o “modernismo” acabara de chegar com um gigantesco choque de pratos.
Serge Diaghilev e Igor Stravinsky pretendiam usar essa performance como uma proclamação do modernismo - um espetáculo destinado a romper as fronteiras tradicionais da arte, da música e da dança para apresentar algo totalmente novo e inovador. A idéia de dança-espetáculo é algo que me intrigou, já que organizei uma exposição da Galeria de Retratos sobre dança na América, inaugurando o dia 4 de outubro. Sem fomentar tumultos, o espetáculo desempenhou um papel determinante na dança de Follies de Ziegfeld a Beyoncé. espetáculos de palco; o público é sempre fascinado por plumas, lantejoulas e belos movimentos. Como compositores-letristas Kander e Ebb escreveram em “Razzle Dazzle”, tema de Chicago , “Dê a eles um ato com muito flash e a reação será apaixonante”.
Igor Stravinsky por Alvin Langdon Coburn. Impressão em prata de gelatina, 1921 (Foto cedida pela National Portrait Gallery) Eu gosto de ficar deslumbrado. E como um explorador cultural inveterado, estou sempre à espreita do fator “uau” - aquela coisa mágica que faz seus olhos estourarem. Nas artes cênicas, pode ser um momento de show no palco ou na tela, um magnífico salto do dançarino no ozônio ou uma voz emocionante que deixa você sem fôlego. Estes são momentos cristalinos que marcam sua psique para sempre.
Ultimamente, fiquei impressionado com algumas performances extraordinárias - um concerto da Orquestra da Filadélfia sob o novo maestro eletrizante, Yannick Nézet-Séguin, e uma apresentação do Kennedy Center Gala de My Fair Lady, na qual Jonathan Pryce e Laura Michelle Kelly fizeram você acho que eles estavam criando os papéis do professor Higgins e Eliza pela primeira vez.
Mas também me encantei com uma mega-exposição que acaba de ser aberta na National Gallery of Art: “Diaghilev e os Ballets Russes, 1909-1929: Quando Art Danced with Music”. Baz Luhrmann pode ter usado muito glamour e brilho em sua nova versão 3-D de O Grande Gatsby, mas a Galeria criou o mundo cintilante de Diaghilev em uma exibição suntuosa da coisa real - a arte, a música, a dança e o figurino que expressavam a "busca pelo novo" há um século . Como explica a co-curadora da exposição, Sarah Kennel, Diaghilev “nunca quis descansar sobre seus louros. Ele estava sempre inovando e redesenhando ”.
Michel Fokine por Clara Sipprell. Impressão de prata de gelatina, 1923, legado de Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Uma colaboração entre a National Gallery of Art e o Victoria and Albert Museum, a exposição abriu pela primeira vez em Londres em 2010. A exposição da Gallery é um híbrido desse show, incorporando 80 trabalhos da coleção V & A e adicionando cerca de 50 novos objetos. “Diaghilev” mostra as surpreendentes parcerias artísticas forjadas pelo empresário russo, e destaca alguns compositores como Stravinsky, Prokofiev e Satie, e artistas como Bakst, Picasso e Matisse. Dois grandes coreógrafos de Diaghilev - Michel Fokine, que trabalhou com ele nos primeiros anos, e George Balanchine, que trabalhava com os Ballets Russes no final da vida de Diaghilev, iria imigrar para os EUA; Fokine fundou uma escola de balé em Nova York, e Balanchine teria um impacto icônico na dança americana, tanto na Broadway quanto no balé.
Pablo Picasso Traje para o Conjurador Chinês de Parade, c. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londres) Organizadas cronologicamente, as cinco seções principais da exposição contam a história da carreira de Diaghilev: “As Primeiras Estações”, “Vaslav Nijinsky - Bailarino e Coreógrafo”, “A Vanguarda Russa”, “A Avant-Garde Internacional” e “Modernismo, Neoclassicismo e surrealismo. ”Há também um fascinante componente audiovisual que inclui imagens raras dos Ballets Russes e Nijinsky, Rudolf Nureyev tocando em Tarde de um Fauno e Mikhail Baryshnikov dançando The Prodigal Son.
Trinta anos atrás, essa fabulosa exposição teria sido chamada de blockbuster. No jargão dos museus contemporâneos, essa palavra está em desuso: os blockbusters caíram na mira das críticas em algum momento, e o mundo dos museus de hoje em geral favorece uma dependência reducionista paredes cinzentas e carpetes cinza, em vez de abordagens mais extravagantes. Como alguém que começou na era blockbuster, acho que hoje a falta de deslumbramento é um comentário perturbador sobre até que ponto os museus se distanciaram de uma fome pública de inspiração.
Traje de Henri Matisse para um enlutado de The Song of the Nightingale, lã de feltro 1920 e veludo em geral (V & A, Londres) Mas a exposição Diaghilev fez com que eu sorrisse no momento em que entrei em seu abraço: do traje de Boris Godunov que Chaliapin usava em 1908 até a cortina gigante do The Blue Train (1924) , o desfile Diaghilev é um lembrete de quais exposições podem ser.
Mark Leithauser é o chefe de design e curador sênior da National Gallery of Art, e aqui, ele criou um enorme mundo de wow. Responsável por projetar muitos dos marcos desse museu, ele falou comigo sobre como a noção de “blockbuster” não é realmente sobre tamanho: é sobre um fenômeno. O primeiro blockbuster, "King Tut", tinha apenas 52 objetos. Quando abriu na Galeria em 1976, as pessoas ficaram na fila por horas. Diretor J. Carter Brown disse que o show era popular por causa da "qualidade visual pura" e "idade de tirar o fôlego" dos objetos, junto com a sensação de estar em uma caça ao tesouro. Por outro lado, "Treasure Houses of Britain" em 1985 tinha mais de mil objetos e ajudou a conectar "grandeza" à idéia popular de sucesso de bilheteria.
Leithauser acredita firmemente que uma exposição deve estar enraizada na narrativa. Em "Treasure Houses", a história foi de cerca de 500 anos de coleta na Grã-Bretanha, mas também foram cerca de 500 anos de transformação arquitetônica na casa de campo britânica - uma transformação evocada nas cenas arquitetônicas e no ambiente criado na exposição.
Serge Diaghilev (© Victoria e Albert Museum, Londres) Para o desfile Diaghilev, Leithauser disse que o design tinha que ser tão teatral quanto a história - a instalação tinha que criar uma experiência teatral que abrangesse o mundo de Diaghilev. A verdade, segundo Leithauser, é que as exposições “precisam ser o que são”.
A capacidade do designer de montar o palco permite que os visitantes entendam as colaborações artísticas de Diaghilev tanto intelectualmente quanto visceralmente. Leithauser é um showman que aprecia o espetáculo: polegares para cima para deslumbrar!
