Quando as pessoas dizem que alguém realmente “vive” sua arte, elas podem significar que ela leva seu trabalho muito a sério. Mas por quase três meses, a vida de Linn Meyers realmente consistiu em sua arte - ela quase não fez mais nada. Ela passou 11 horas por dia no segundo andar circular do Smithsonian's Hirshhorn Museum, desenhando nas paredes. O que pode parecer brincadeira de criança, mas definitivamente não é.
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Meyers usou uma combinação de maior precisão e completa chance de criar Our View From Here, um desenho super grande que hipnotiza seus espectadores. Seu trabalho, que ocupa 400 metros lineares de espaço de parede de museu, está em exposição até 14 de maio de 2017 e é parte de um esforço recente para utilizar novos espaços dentro do Hirshhorn.
O museu ficou aberto durante boa parte do tempo em que ela estava trabalhando na peça, e fascinou os visitantes que estavam embasbacados ao aplicar sua ferramenta escolhida - uma espécie de marcador grosso favorecido por grafiteiros - nas paredes, que eram pintadas em dois tons neutros. tons. Embora ela tenha uma única cor, o efeito é tudo menos monótono. As linhas sinuosas formam ondas e padrões que se desenrolam junto com as paredes do museu, quase parecendo se mover. Como diz o curador da exposição, Stéphane Aquin, “ela apenas dança junto com o prédio. Sua arte combina maravilhosamente com a arquitetura. Ela revela o movimento que é inerente ao edifício. ”
Meyers, uma artista sediada em Washington, DC, cria obras de arte individuais em seu estúdio e instalações específicas para o local, como a do Hirshhorn (outras instalações foram exibidas no Hammer Museum, em Los Angeles, e na Phillips Collection, em Washington, EUA). DC). Meyers explica que quando ela cria uma peça em um ambiente particular, ela naturalmente tem que prestar atenção ao prédio, ao espaço que abrigará seu trabalho: “Uma das primeiras perguntas que eu me pergunto é: 'Como posso me aproximar do peculiaridades da arquitetura? "
O principal “capricho” no Hirshhorn em formato de rosquinha é que os visitantes do museu, espectadores da instalação de Meyers, estarão seguindo a passarela interna circular. “O espaço exigia que eu criasse uma peça que envolvesse o espaço, em torno daquele caminho que os visitantes percorrem pelo museu”, explica ela.
Meyers usou uma combinação de máxima precisão e completa chance de criar Our View From Here . (Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas) “E depois há intervalos em todo o espaço - portas, entradas para galerias. No espaço ou arquitetura preexistente, sempre há algo que se torna um desafio. Não quero dizer isso de maneira negativa. Um desafio pode provocar uma nova abordagem na forma como uma peça evoluiria. Então, neste caso, é a maneira como o círculo da galeria é dividido em oito partes. E essas aberturas nem sempre estão abertas. Às vezes o espaço é modificado para uma exposição e parte do espaço é fechado. Minha peça vai se sobrepor a três shows diferentes, e o espaço mudará para cada show. Eu tive que pensar sobre isso. Essa é nova. Eu nunca tive um espaço de galeria dinâmica antes. ”
O primeiro passo de Meyers foi criar desenhos preparatórios, feitos em escala de um quarto de polegada. Em seguida, os funcionários da Hirshhorn usaram o software CAD (Computer Assisted Design) para traçar uma estrutura - os círculos dos desenhos de Meyers - diretamente nas paredes do museu. Meyers então começou a trabalhar com a caneta grafite da marca Molotow, deixando a mão ir onde iria. É aqui que o acaso e a coincidência entram.
“Todo o movimento que você vê nesses desenhos é apenas um resultado do processo”, explica ela. “Apenas evolui, as linhas não são planejadas. Mas as composições estão planejadas. Essa é uma jogada entre o pretendido e o não intencional. A geometria é mapeada antecipadamente no meu trabalho preparatório. Quando eu começava uma seção, traçava um círculo. Esse é o plano, o pretendido. Seguindo esse ponto, cada linha responde à linha anterior - uma espécie de entropia, além do meu controle. Então: tanto intencional quanto não intencional. Uma boa metáfora para a vida!
Meyers usou um marcador grosso, preferido pelos grafiteiros, para cobrir as paredes em dois tons neutros. (Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas) A cor de escolha de Meyers para este projeto era um cinza-azulado chamado cinza de Payne. Porque o artista diluiu a cor em diferentes graus, ela foi capaz de atingir diferentes densidades de cor ao longo do trabalho.
À medida que os telespectadores caminham pela rotunda, eles podem ver que a linha do marcador às vezes é tão fraca que é apenas um sussurro, enquanto que em outras ocasiões ela se torna um borrão, e ainda em outro lugar, há um efeito manchado. Em certas partes da instalação, há uma grande quantidade de espaço na parede que foi deixado sem ser usado, mas outras seções estão cheias de linhas onduladas aglomeradas.
Meyers percebeu que as primeiras seções que ela fez foram o resultado de toda a energia que ela armazenou enquanto pensava e planejava o projeto: “As primeiras paredes que eu fiz são diferentes das últimas paredes. No começo eu estava ansioso para ir: todos aqueles meses de preparação e antecipação. A marca é mais agressiva. Eu meio que ataquei as paredes! ”Mas no final, quando ela permitiu que mais paredes ficassem vazias, ela percebeu“ uma espécie de leveza ”.
"Sua arte combina maravilhosamente com a arquitetura", diz o curador Stéphane Aquin. (Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas) Por causa das dimensões circulares da rotunda, os espectadores não conseguem ver toda a peça de uma só vez. Isso simplesmente não é possível. E isso afeta como eles percebem o trabalho. Foi o mesmo para Meyers. “Eu tive essa visão de como seria a coisa toda, mas não é como no estúdio onde meus olhos podem passar de um lado para o outro. No estúdio, faço trabalhos discretos e você pode ficar na frente deles. Com isso, você simplesmente não pode fisicamente. Eu pude ver a seção que tinha terminado, por exemplo, mas não a seção em que estava trabalhando. Você não pode ver nem um quarto de uma vez, de pé em um lugar.
Tal empreendimento gigantesco requeria concentração gigantesca. Meyers, que geralmente vai ao seu estúdio diariamente e trabalha em várias peças de uma só vez, não o fez.
"Foi o tempo mais longo que eu fiquei longe do meu estúdio", diz ela. “Eu não fiz mais nada. Foi bom. Aquela forma frenética como existimos no tempo - das mídias sociais a se levantar e fazer compras no telefone - é apenas a maneira como vivemos. Mas com isso, concentrar-se em uma coisa - era uma coisa maravilhosa ver o progresso todos os dias. Durante horas, não levantando a cabeça realmente. ”Enquanto trabalhava no museu em seu estado hiperconcentrado, os funcionários do museu ou curador Stéphane Aquin se aproximavam dela, tentavam conversar com ela e ela nem os notava. “Eu ficaria tão focado. Eu tive que colocar minhas vendas. Isso é algo que simplesmente não conseguimos fazer.
Talvez porque a fotografia de Meyer esteja em exibição na recepção do museu, ou talvez por causa da autoridade silenciosa que ela exala ao passar pela instalação acabada, os espectadores sentem que ela é a artista. Eles querem conversar, cumprimentá-la, fazer perguntas e até posar para fotos de celular. Meyers tenta explicar sua nova mini-celebridade. “Há um elemento de mistério no que acontece no estúdio, de onde vem o trabalho. Não que eu possa destilar todos esses elementos para as pessoas, mas eles podem ver como é simples: apenas desenhar uma linha e depois desenhar outra linha. ”
"Linn Meyers: Nossa visão daqui" está em exibição no Hirshhorn Museum e no Sculpture Garden até 14 de maio de 2017 em Washington, DC Linn Meyers dará uma palestra sobre seu trabalho como parte da série Meet the Artist do Hirshhorn na quarta-feira, maio 25, às 6:30 no auditório do museu. É gratuito e aberto ao público.
ATUALIZAÇÃO 25/05/2016: Uma versão anterior desta história indicava que era o artista que trabalhava com um programa CAD. Ela não. Os funcionários do museu usaram este processo. Nós lamentamos o erro.
