Cem anos depois, o tenso realismo de Edgar Degas ainda cativa

No espaço sem adornos de um estúdio de dança de pé-direito alto, são montadas várias jovens bailarinas em treinamento. Vestidas com tutus brancos em cascata e faixas coloridas, as garotas estão ocupadas de várias formas. Em primeiro plano, uma bailarina que estica a perna ou que se diverte com o vestido olha para um colega sentado, cujos pés estão espalhados de uma maneira que parece natural no palco, mas que parece estranhamente grotesca em seu aparente estado de lazer. Descansando ao lado dela no banco de madeira escura há meia dúzia de sapatos de balé não usados.

Atrás da garota sentada, no centro da imagem, a parte traseira de uma dançarina se projeta no ar enquanto ela se inclina para ajustar seu próprio calçado. Mais atrás, dois alunos da janela estão praticando a quinta posição dos braços; no momento, pelo menos, eles estão fora de sincronia. Na parede dos fundos, uma fila de quatro garotas está se concentrando no trabalho de pés. De cima, mais dois descem ao local através de uma escada estreita, com as pernas visíveis apenas na parte visível. É um momento de caos e dinamismo, capturando toda a inevitável imperfeição de uma aula de dança infantil que pretende, em última análise, produzir bailarinos perfeitos.

Este quadro, pintado c. 1873, é a criação do artista francês Edgar Degas, que morreu há 100 anos nesta semana. Abrigado na National Gallery of Art em Washington, DC, "The Dance Class" serve como uma lembrança despretensiosa do gênio dos parisienses.

"Estas são mulheres reais", diz Kimberley Jones, curador da pintura francesa do século XIX na National Gallery. “Eles não são apenas a linda fantasia do palco. Degas está sempre lembrando você da realidade sob o verniz do glamour. ”

Embora criado em uma casa conservadora de classe média alta e extremamente bem versado nos estilos idealistas dos velhos mestres - um jovem Degas passava horas duplicando à mão obras de arte famosas do Louvre -, o francês sempre se sentia atraído pela aspereza da realidade. "Ele é realista, em primeiro lugar", diz Jones.

A atração de Degas pelo balé era apenas natural; sua mãe nascida nos Estados Unidos era uma cantora de ópera apaixonada e incutiu em seu jovem o amor pela ópera antes de sua morte prematura. “No século 19, o balé fazia parte da ópera”, observa Jones. “Toda ópera tinha esse tipo de interlúdio de dança. E acho que ele ficou intrigado ao ver esses dançarinos.

Especificamente, Jones aponta para o fascínio de Degas com a tensão causada pelos físicos dos dançarinos, os rigores de seu treinamento e condicionamento, a luta para preparar seus corpos para a hora do show. “Ele mostra performances [em suas pinturas]”, diz Jones, “e elas são muito bonitas. Mas ele também tira muito do romance. Ele mostra os bastidores. ”Degas está muito menos preocupada com as noções de feminilidade clássica, afirma, do que com a capacidade atlética de artistas treinados.

Este tema leva ao trabalho eqüino de Degas. Com uma pista regular, ele estava fascinado pelos corpos vigorosos de cavalos de corrida puro-sangue, prontos para entrar em ação a qualquer momento. "Ver como esses potros desengonçados se tornariam esses atletas incríveis e essas criaturas de velocidade e elegância" nunca deixou de impressionar, diz Jones.

Repudiada desde cedo pelos árbitros de arte do famoso salão francês, Degas decidiu juntar-se aos membros da florescente escola impressionista, colegas de tradição que precisavam de contatos e espaço para exposições. Mesmo entre os impressionistas, no entanto, Degas logo se viu em um outlier controverso.

"Há uma certa ironia de que sempre pensamos nele como um impressionista", observa Jones. “Ele odiava esse termo. Ele foi muito vocal sobre isso. ”Degas - que foi meticuloso em sua atenção aos detalhes realistas, e que passou incontáveis ​​horas revisando e reavaliando cada uma de suas telas - não apreciou a falta de esforço ociosa implicada pelo termo“ impressionismo ”. arte não era "algo espontâneo, descuidado, jogado junto", diz Jones. “Ele foi muito meticuloso, atencioso. E a grande citação que ele disse é: "Nenhuma arte é menos espontânea que a minha".

Já uma ovelha negra aos olhos de alguns impressionistas na época de seu show inaugural em 1874, Degas só cortejou mais controvérsia nos anos seguintes. Fervoroso em seu desejo de trazer talentos de grande alcance para o rebanho, Degas recrutou um número de pessoas de fora cujo trabalho ele admirava, independentemente de estar ou não aderido ao ideal impressionista. A adesão de Degas a outros realistas como Jean-Louis Forain e Jean-François Raffaelli causou desconfiança na camarilha impressionista - muitos temiam que a identidade artística do movimento estivesse sendo diluída além do reconhecimento.

A americana Mary Cassatt foi uma das convidadas que Jones disse que era na verdade “um ajuste muito bom para o grupo em geral”. Degas encontrou Cassatt em seu estúdio em Monmartre e descobriu que ele foi instantaneamente levado com seu trabalho. "A primeira vez que ele viu a arte dela", diz Jones, ele observou que "há alguém que se sente como eu." Esse encontro inicial, em 1877, provocou uma amizade de décadas. Foi Degas quem apresentou Cassatt (assim como outros impressionistas como Camille Pissarro) ao ofício da gravura, que ela continuaria a dominar de uma maneira que nunca fez.

Degas também foi responsável por trazer a pintura de Paul Gaugin para a atenção do mundo da arte. “Você não pensaria nesses dois juntos”, diz Jones, “mas Degas reconheceu que Gaugin tinha esse tremendo talento, o trouxe e o apoiou.” Ela cita como evidência de suas alusões carinhosas de Gaugin ao trabalho de Degas em suas próprias cenas. Em Gaugin "Still Life with Peonies", por exemplo, uma composição pastel de Degas aparece visivelmente em segundo plano.

Embora a personalidade de Degas pudesse ser abrasiva e conflituosa - particularmente em seus últimos anos, à medida que sua visão estava em evidência -, não há como negar que ele possuía um talento especial para reunir indivíduos notáveis ​​e um compromisso inabalável com a criação e a celebração do original., arte inovadora em várias mídias.

Por causa de sua obsessão com o refinamento contínuo de seu próprio trabalho, Degas relutou em se desfazer dele durante sua vida. "Ele vendeu o que precisava", diz Jones, "e não exibiu muita coisa". Degas não chegou à fama internacional até depois de sua morte, quando as telas, esculturas e outras criações espalhadas em seu estúdio foram finalmente acessíveis. colecionadores.

A obsessão de Degas com a busca de um produto perfeito e indescritível era trágica, diz Jones, mas também parte integrante de sua arte. Nas representações de Degas de cavalos vagabundeando na grama e bailarinas ensaiando para seu momento sob os holofotes, Jones discerne uma fixação no potencial - o que poderia ser, o que está prestes a acontecer. Como seus súditos, Jones diz, Degas estava constantemente imaginando-se no limbo, sempre com um pêlo de grandeza, sempre a um momento de distância do milagroso. "Eu acho que ele estava sempre olhando para sua arte e pensando: 'Eu poderia fazer isso melhor'", diz ela.

Torturado na vida por sua ambição insaciável, na morte, Degas se tornou um herói para artistas de todo o mundo. Um de seus principais admiradores foi Pablo Picasso, que ficou chocado com as monotipias de vanguarda e outros materiais revelados na venda post-mortem do estúdio Degas, e que posteriormente se tornou um ávido colecionador do trabalho de Degas.

"Se eu pudesse escolher um artista que é o verdadeiro herdeiro de Degas", diz Jones, "seria Picasso". Em sua opinião, embora estilisticamente divergentes, os dois inovadores estão ligados pelo grau em que viviam e respiravam sua arte. . Para eles, Jones diz: “Tudo é sobre criação. Todo material é uma oportunidade de produzir algo novo, desafiar as fronteiras, testar a si mesmo também. E para criar algo extraordinário.

Ao longo do século 20, a visão singular de Degas veio para assombrar a imaginação de artistas de todo o mundo. "Ele se torna uma dessas figuras como Paul Cézanne e Van Gogh, que está ali ", diz Jones, "e é uma pedra angular. Ele é fundamental para tantos artistas que nem pensam nisso. Ele está no seu cérebro e os influencia.

Hoje, caminhando pelos corredores do centenário Museu do Prado em Madri, na Espanha, Jones encontra sua perspectiva inevitavelmente colorida pelo trabalho enigmático do francês. Contemplando um dos nus neoclássicos resplandecentes de Alexandre Cabanel, ela não pode deixar de sentir que algo crucial está faltando.

“É tudo fingimento”, diz ela, “é tudo cuidadosamente orquestrado - não é real. E parece falso, de uma forma que não teria sem Degas como ponto de referência. ”

Degas, ela diz, nunca se contentou em criar uma cena simples e agradável e seguir em frente. Ele "queria ter certeza de que você foi desafiado", assim como ele estava durante o processo de composição. Jones tem intrigado o artista há décadas, mas ainda sente como se ela tivesse apenas "arranhado a superfície".

Artistas de seu calibre "não desista de seus segredos", diz ela. “Quanto mais tempo passo olhando para ele, menos eu acho que realmente o conheço. E isso é excitante.