Embora o dia 17 de agosto, o National Thrift Shop Day, seja uma celebração despreocupada de um hábito comercial aceitável, o processo de transformar as lojas de artigos de segunda mão em quadrinhos envolve defensores incomuns. Como descrevi em meu recente livro From Goodwill to Grunge, os brechós surgiram no final do século 19 quando organizações administradas por cristãos adotaram novos modelos de filantropia (e ajudaram a reabilitar a imagem de lojas de segunda mão apelidando de "brechós").
Hoje, existem mais de 25.000 lojas de revenda na América. As celebridades costumam se gabar de suas partituras de segunda mão, enquanto os músicos elogiaram os produtos usados em canções como o hit de 1923 de Fanny Brice, "Second-Hand Rose", e "Thrift Shop", de Macklemore e Ryan, de 2013.
No entanto, nos últimos 100 anos, os artistas visuais provavelmente merecem o maior crédito pelo lugar das compras de poupança no meio cultural.
Glória no descartado
Desde o mictório de 1917 do escultor Marcel Duchamp até a popularização da estética do lixo do diretor de cinema papa do lixo John Waters, os artistas visuais há muito buscam produtos de segunda mão para inspiração criativa, ao mesmo tempo em que os usam para criticar idéias capitalistas.
Durante a Primeira Guerra Mundial, artistas de vanguarda começaram a usar objetos descartados - roubados ou adquiridos em mercados de pulgas e brechós - para evitar a crescente comercialização de arte. André Breton, Marcel Duchamp e Max Ernst estavam entre os primeiros a transformar objetos vazados diretamente em obras de arte conhecidas como “readymades” ou “objetos encontrados”, ou a canalizar inspiração de tais bens para suas pinturas e escritos.
Coincidindo com (e emergindo) do movimento de arte anti-arte Dada, que rejeitava ferozmente a lógica e o esteticismo do capitalismo, o movimento em torno dessa elevação de itens usados logo teria um nome: surrealismo.
Em sua obra semi-autobiográfica de 1928 “Nadja”, Breton, o “pai do surrealismo”, descreve as compras de segunda mão como uma experiência transcendente. Objetos descartados, ele escreveu, eram capazes de revelar “flashes de luz que fariam você ver, realmente ver”. Exilado pelo governo francês de Vichy na década de 1940, Breton se estabeleceu em Nova York, onde procurou inspirar outros artistas e escritores. levando-os para as lojas de thrift de Lower Manhattan e mercados de pulgas.
Enquanto a "Fonte" de Duchamp é talvez a peça de arte escultural mais conhecida derivada de um objeto encontrado, sua "Roda de Bicicleta" pronta (1913) aparece ainda mais cedo. O “presente” de Man Ray (1921) apresentava um flatiron cotidiano com uma fileira de tachas de latão presas à sua superfície.
Embora os homens parecessem dominar o surrealismo, fontes recentes destacam a importância da baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven, que os estudiosos sugerem que possa ter presenteado a Duchamp seu famoso mictório, fazendo a colaboração “Fonte”. A excêntrica e talentosa baronesa criou “Deus” (1917), uma armadilha de metal de ferro fundido virada de cabeça para baixo, no mesmo ano em que Duchamp exibiu “Fonte”.
O trabalho de 1917 de Marcel Duchamp, "Fonte" (James Broad, CC BY-NC) A estética do lixo
O surrealismo teve seu maior renome ao longo das décadas de 1920 e 1930, com seus preceitos cobrindo tudo, desde poesia até moda. Então, nas décadas de 1950 e 1960, a cidade de Nova York testemunhou a ascensão de uma estética do lixo vanguardista, que incluiu bens descartados e a ressurreição de temas e personagens antigos da “era de ouro” do cinema de Hollywood. O estilo ficou conhecido como "acampamento".
No início dos anos 1960, o Teatro do Ridículo, um gênero underground e vanguardista de produção teatral, floresceu em Nova York. Em grande parte inspirado pelo Surrealismo, Ridículo rompeu com tendências dominantes de atuação naturalista e cenários realistas. Elementos proeminentes incluíam paródias de temas clássicos e de estilização orgulhosamente espalhafatosa.
O gênero se baseou em materiais de segunda mão para figurinos e cenários. O ator, artista, fotógrafo e cineasta underground Jack Smith é visto como o “pai do estilo”. Seu trabalho criou e tipificou a sensibilidade ridícula, e ele tinha uma confiança quase obsessiva em materiais de segunda mão. Como Smith disse uma vez, "A arte é uma grande loja de artigos de segunda mão".
Ele é provavelmente mais conhecido por seu filme de 1963, “Flaming Creatures”, com imagens sexualmente explícitas. Os censores chocantes com closes de pênis flácidos e seios agitados, o filme tornou-se o marco zero nas batalhas anti-pornografia. Suas exibições surrealistas de estranhas interações sexuais entre homens, mulheres, travestis e um hermafrodita culminaram em uma orgia movida a drogas.
De acordo com Smith, “Flaming Creatures” foi recebido com desaprovação não por causa de seus atos sexuais, mas por causa de sua estética de imperfeição, incluindo o uso de roupas velhas. Para Smith, a escolha de roupas rasgadas e ultrapassadas era uma forma maior de subversão do que a ausência de roupas.
Como Susan Sontag aponta em sua famosa avaliação do campo, o gênero não é meramente uma sensibilidade leve e zombeteira. Pelo contrário, é uma crítica do que é aceito e do que não é. O trabalho de Smith refutou o hábito reflexivo dos artistas de buscar novidade e novidade, e ajudou a popularizar uma estética queer que continuou em bandas como The New York Dolls e Nirvana. Uma longa lista de artistas cita Smith como inspiração, de Andy Warhol e Patti Smith a Lou Reed e David Lynch.
Rebeldia indignada
Em 1969, itens do enorme acervo de artigos de segunda mão de Smith, incluindo vestidos da década de 1920 e pilhas de boas, encontraram o caminho para os guarda-roupas de uma trupe psicodélica de dragões de São Francisco, os Cockettes. O grupo desfrutou de um ano de popularidade desenfreada - até mesmo de uma exibição muito esperada na cidade de Nova York - tanto pelo figurino deles quanto por suas produções satíricas peculiares. O termo "genderfuck" veio a significar a estética do grupo de homens barbudos, beglittered e begowned, um estilo encapsulado pelo líder célebre dos Cockettes, Hibiscus.
Fotos de Hibiscus do documentário de 2002 "The Cockettes" ("The Cockettes") Os Cockettes se separaram no ano seguinte por causa de uma disputa sobre cobrança de ingresso, mas os membros continuaram a influenciar a cultura e o estilo americanos. Sylvester, ex-membro do Cockettes, se tornaria uma estrela de discoteca e um dos primeiros músicos de bilheteria abertamente gays. Um membro posterior do Cockettes, Divine, tornou-se a aclamada musa de John Waters, estrelando uma série de “filmes de lixo” - incluindo “Hairspray”, que arrecadou US $ 8 milhões no mercado interno - que quase levou o mainstream do Ridiculous theatre. Àquela altura, uma estética esquisita que se baseava em produtos de segunda mão tornou-se um símbolo de rebeldia e uma expressão de criatividade para inúmeras crianças de classe média.
Para muitos hoje em dia, as compras em poupança são um hobby. Para alguns, é um veículo para romper idéias opressivas sobre gênero e sexualidade. E para outros, a prospecção é uma maneira de reutilizar e reciclar, uma maneira de subverter sutilmente o capitalismo dominante (embora algumas gigantescas cadeias de poupança com práticas laborais controversas tendam a colher os maiores benefícios monetários). Liderando a acusação, artistas conectaram produtos de segunda mão com criatividade individual e desdém comercial. O que começou com os surrealistas continua hoje com os descolados, amantes do vintage e estudantes de graduação que celebram as opções de outré e o potencial de economia de bens descartados.
Este artigo foi originalmente publicado no The Conversation.
Jennifer Le Zotte, professora assistente de cultura e história material da Universidade da Carolina do Norte Wilmington
