Não muito tempo depois que o Japão decidiu formalmente começar a negociar com o Ocidente na década de 1850, a fotografia também chegou à nação insular. Ambos sinalizaram uma nova era da modernidade.
A busca para entender e descrever a alma do Japão, como evoluiu de imperialista, agrária e isolacionista, para mais populista, global e urbana é o tema de duas exposições agora em exibição nas Galerias Freer e Sackler do Smithsonian em Washington, DC Os dois shows “Japão Moderno: Fotografia da Coleção Gloria Katz e Willard Huyck” e “Japão Moderno: Impressões na Era da Fotografia” compartilham muito, diz Frank Feltens, curador do programa de impressão.
Nenhum deles está em ordem cronológica, mas ambos agrupam imagens em temas comuns - com a cidade e o país dominando. O show de fotografia é altamente documentário; muitos estão em preto e branco. As estampas, feitas com blocos de madeira esculpida, são ousadas, visuais e coloridas. Mas, diz Feltens, “entre os dois shows, você começa a encontrar mais e mais pontos em comum” - interesse em superfícies, ângulos, fragmentos.
Os artistas estão "olhando para o mundo lá fora, mas reimaginando-o através de uma vez, a lente e depois através dos blocos de madeira", diz Feltens.
Como aconteceu no mundo ocidental, a fotografia lançou uma grande sombra. Estampas de blocos de madeira existiam há pelo menos um milênio, principalmente como meio de comunicar algo sobre a cultura - contando histórias. No final do século 19, a gravura estava morta - uma vítima da fotografia mais fácil e barata.
A primeira fotografia conhecida tirada no Japão data de 1848, diz Feltens. Daguerrótipos eram populares no Japão - como na Europa e na América - mas a fotografia realmente decolou na década de 1920, com a ascensão de mais equipamentos portáteis como a câmera de bolso Kodak, diz Carol Huh, curadora do programa de fotografia. O bolso do colete, que é aproximadamente do tamanho de uma câmera moderna, com uma lente que se encaixa, foi feito entre 1912 e 1926, e se tornou extremamente popular no Japão, dando origem a câmeras fotográficas e a escola fotográfica de Besu-Tan. estilo.
O show fotográfico foi possível graças ao presente parcial em maio de 2018 de uma coleção de cerca de 400 fotografias coletadas por Gloria Katz e Willard Huyck, aficionados e roteiristas do Japão, mais conhecidos por American Graffiti e Indiana Jones e Temple of Doom . A coleção tinha sido largamente exibida nas paredes de sua casa em Brentwood, Califórnia. Huh selecionou para o show 80 gravuras de duas dúzias de artistas, com foco naquelas que influenciaram a trajetória da fotografia japonesa.
Simmon: A Private Landscape (# 1), de Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Compra e presente parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Balsa Seikan, da série Karasu (Ravens) por Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, presente de compra e parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, por Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, presente de compra e parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, da série Karasu (Ravens), por Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, presente de compra e parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Picos do Vulcão Takachiho, Prefeituras de Kagoshima e Miyazaki, por Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Compra e presente parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, por Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, presente de compra e compra parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Homem em uma Capa de Chuva Tradicional de Minobashi, Prefeitura de Niigata, por Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, presente de compra e parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Minha esposa nas dunas, por Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Compra e presente parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Boku To Neko (O Gato e Eu), de Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Compra e presente parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) 
Evening View, por Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, presente de compra e parcial de Gloria Katz e Willard Huyck) A galeria inicial - com gravuras dos anos 1920 e 1930 - mostra como os fotógrafos japoneses foram tão intensamente influenciados pelos contemporâneos europeus, especialmente os pictorialistas de foco suave. "Estamos atingindo uma espécie de pico de afirmação da fotografia como um meio de expressão - um meio de arte e também uma transição para uma estética mais modernista", diz Huh. As primeiras fotos documentavam a cidade e o país - um canal; trigo acenando na brisa. A transição é vista no estudo de luz e sombra da era dos anos 30 de Ishikawa Noboru, Barn Roof, que se destaca em um fragmento de uma cúpula com um fundo nebuloso.
Uma tarde na montanha, uma estampa de prata de gelatina de 1931 de Shiotani Teiko, poderia ser uma pintura abstrata. Um esquiador solitário parece estar lutando na subida íngreme do declive cinzento que corta o quarto inferior da fotografia, dividindo-a do céu igualmente cinzento. Teiko atirou em grande parte na prefeitura de Tottori, na costa oeste do Japão, criando a partir de suas enormes dunas e montanhas. “A paisagem se torna uma oportunidade para esses estudos de forma”, diz Huh.
Teiko também gravou estampas extravagantes de objetos artificialmente tortos - um precursor do surrealismo que se tornou tão evidente no trabalho de seu aluno Ueda Shoji. Shoji's 1950 Minha esposa nas dunas apresenta sua esposa vestida de quimono, cortada nos joelhos, olhando do primeiro plano direito; à sua direita, três homens de terno, de frente para diferentes direções, com imensas sombras aparecendo atrás de cada um. De forma surrealista, também retrata um Japão coexistindo com sua herança antiga e suas imagens modernas.
Muitas das fotos examinam essa interação, especialmente quando o Japão olhou para dentro e enfrentou a realidade da devastação da Segunda Guerra Mundial e como o país iria se reconstruir e se refazer.
O Japão é a única nação que já experimentou a ira de uma bomba atômica. O show toca em Nagasaki, onde os americanos lançaram uma bomba na cidade de 200.000 às 11h02 em 9 de agosto de 1945. O Japão barrou a fotografia após Nagasaki e Hiroshima, mas cerca de 16 anos depois - em 1961 - O Conselho do Japão Contra as Bombas Atômicas e de Hidrogênio encarregou a Tomatsu Shomei de documentar a recuperação da cidade. “Não era incomum na época que muitos japoneses não tivessem visto realmente o que aconteceu lá”, diz Huh. Isso incluía Shomei. Ele mergulhou no tecido de Nagasaki, fotografando a vida atual, sobreviventes de bombas e objetos no que hoje é o Museu da Bomba Atômica.
Um deles, filmado em um fundo simples: um relógio de pulso parou às 11:02. Uma garrafa que foi distorcida pela explosão assume uma forma perturbadoramente humana. "Parece uma carcaça", diz Huh. O livro de Shomei, 11:02 Nagasaki, é uma avaliação pessoal e um documento chave desse horrível evento.
Ele também era obcecado com - e fotografou sua opinião - a ocupação pós-guerra do Japão pelos americanos, que terminou oficialmente em 1952. Os efeitos, no entanto, foram duradouros. Muitas das imagens mostram a curiosidade e desânimo dos fotógrafos com esses estrangeiros que se inseriram em sua nação. O show inclui algumas impressões da série de 1959-62 de Yamamura Gasho em Washington Heights, uma área residencial militar americana em Tóquio. Em uma delas, um grupo de crianças negras e brancas de aparência travessa pressiona uma cerca de arame. Gasho está literalmente “do lado de fora da cerca olhando para esse estranho transplante no meio de Tóquio”, diz Huh.
O show termina com o 2009 Diorama Map of Tokyo, uma colagem modernista de Nishino Sohei, um artista de 36 anos. Ele andou em Tóquio, tirando fotos de rua, ecoando um projeto similar do final do século 19 que criou os primeiros mapas medidos do Japão. Sohei recortou pequenas impressões das folhas de contato, colocou-as uma ao lado da outra e depois as fotografou novamente para a impressão final. "O ato de colocá-los juntos é lembrar dessa jornada", diz Huh.
Pré-fotografia, esse tipo de mapeamento de Tóquio teria sido feito em menor escala através da impressão de blocos de madeira. Mas as gráficas se esforçaram para provar sua relevância diante da crescente popularidade da fotografia. Já em 1870, eles começaram a mudar a forma como trabalhavam. A Estação Ferroviária de Shinbashi, uma impressão brilhante e multicolorida feita em 1873, foi um exemplo do novo estilo, exibindo prédios de tijolos e um trem em marcha lenta fora da estação de Yokohama.
As proporções entre os números e edifícios foram precisos, e tem um senso de perspectiva fotográfica, diz Feltens. Mas as cores berrantes eram "enfaticamente não fotográficas" - uma tentativa de competir com o meio que era então limitado ao preto e branco.
O esforço, no entanto, fracassou miseravelmente - e a gravura fracassou. Na década de 1920, dois novos movimentos tentaram trazer as impressões de volta à vida. Na escola de “nova impressão”, um editor achava que poderia atrair ocidentais - que estavam abocanhando visões fotográficas idealizadas que apresentavam um Japão que era perfeitamente moderno e antigo simultaneamente - com estampas de blocos de madeira que ofereciam retratos sentimentais semelhantes.
Shin-Ohashi, de 1926, tenta isso. É uma cena noturna com o lampejo de uma luz de gás refletida no cavalete de aço de uma ponte ferroviária; enquanto isso, um homem com um chapéu de palha tradicional puxa um riquixá, enquanto uma mulher vestida de quimono segurando um grande guarda-sol fica atrás dele. Foi uma tentativa nua de superar a fotografia (fotos não podiam ser tiradas à noite) e satisfazer os estrangeiros. "Esses tipos de impressões não foram vendidos para o Japão, mesmo hoje", diz Feltens. Eles também foram criados como peças de arte a serem coletadas - uma nova direção para impressões.
Nos anos 1930, o movimento “criativo” começou a decolar. Os impressores japoneses haviam absorvido da arte ocidental a ideia de que o gênio do criador deveria ser visível. Assim, os impressores começaram a adicionar assinaturas - geralmente em inglês - e números de edição às suas obras. Não eram mais a produção de um exército de escultores que entregavam seus trabalhos a uma operação de impressão.
As impressoras ainda usavam blocos de madeira, mas de maneira cada vez mais sofisticada. A cor foi uma característica significativa. E a perspectiva ainda era muito fotográfica.
Mt. 1938 de Ito Shinsui Fuji do Observatório de Hakone é uma obra-prima da perspectiva e sensação fotográfica. A única coisa a dizer é a gama de azuis, brancos e marrons.
Muitas das 38 gravuras do show são impressionantes na profundidade de sua arte - um ponto que Feltens esperava fazer. "Queríamos mostrar a amplitude de cores e sombras, e essa explosão de criatividade acontecendo", especialmente a partir da década de 1930, diz ele. “Essas pessoas, em termos de criatividade, não conheciam limites”, diz Feltens.
Como o show de fotografia, as gravuras demonstram que os artistas tinham “um olhar analítico sobre o Japão”, diz Feltens. Mas, ao contrário dos fotógrafos, os impressores não se envolveram em comentários políticos diretos ou indiretos ou observações sobre a Segunda Guerra Mundial.
Mas há uma conexão com essa guerra, diz Feltens. Muitos colecionadores de estampas - incluindo Ken Hitch, que emprestou ao Freer | Sackler boa parte das impressões do show - moraram no Japão durante a ocupação americana.
Tanto os impressores quanto os fotógrafos lutaram para serem aceitos como belas artes no Japão, diz Feltens. Ironicamente, as impressões, quase extintas pela fotografia, foram as primeiras a serem reconhecidas como uma verdadeira forma de arte, diz ele.
“Japan Modern: Fotografia da Coleção Gloria Katz e Willard Huyck”, com curadoria de Carol Huh, e “Japão Moderno: Impressões na Era da Fotografia”, com curadoria de Frank Feltens, estão à vista nas Galerias Freer e Sackler do Smithsonian em Washington, DC até 24 de janeiro de 2019.
