O fotógrafo de paisagens Frank Gohlke, cujas imagens apareceram em mais de dez livros, tem um novo espetáculo, "Acomodando a Natureza", no Smithsonian American Art Museum. Ele falou com a revista Anika Gupta.
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Você uma vez disse que tenta criar imagens que não são sobre natureza. Não é uma declaração estranha de um fotógrafo de paisagens?
Na década de 1970, desenvolvi essa ideia para olhar o mundo que criamos, em vez do mundo em que nascemos. Em essência, a paisagem é o maior artefato que qualquer cultura cria.
Críticos de arte dizem que suas fotografias são destinadas a desafiar o naturalismo romântico de Ansel Adams.
Essa é uma afirmação bastante justa. Quando eu estava amadurecendo como fotógrafo, Adams era a grande figura da fotografia de paisagem. Eu admirava seu trabalho, mas não sentia que sua visão da grandeza da natureza fosse algo em que eu pudesse acreditar. Eu estava mais interessada em olhar para a urbanização e a mistura perfeita entre o mundo humano e o mundo natural.
Você fotografou tornados, deslizamentos de terra e erupções vulcânicas. Por que você está atraído por desastres naturais?
Estamos sempre tentando encontrar segurança e segurança em um mundo que, mesmo em sua forma mais civilizada, não é muito seguro. Tentamos nos proteger contra vulcões e tornados, mas eles nos superam apesar de nossas melhores precauções. Então, o que acontece depois que o pior acontece? Isso é o que eu sou depois. Não o desastre natural, mas a resposta humana.
Como as pessoas devem reagir às suas fotos?
Eu quero que as pessoas tenham prazer com essas imagens e saiam com uma noção maior do que vale a pena prestar atenção. Quero transmitir uma noção de quão rico é o mundo comum.
A relação entre homem e natureza mudou desde os anos 1970, quando você começou a fazer arte. Como suas fotos mudaram em resposta?
Bem, houve algumas mudanças na paisagem. Quando você anda ao redor do Monte St. Helens a primeira coisa que você nota é o dano da erupção vulcânica. Então você percebe que houve uma enorme quantidade de mudanças devido ao setor de registro. Há detritos dos locais de extração de madeira e trechos de árvores de uma idade uniforme, que é o resultado do desmatamento e replantio. De muitas maneiras, a exploração madeireira tem sido mais destrutiva para o meio ambiente do que qualquer coisa que o vulcão possa fazer, e eu tento observar isso no meu trabalho. Mas, principalmente, quero apresentar as imagens e os dados para que as pessoas possam tirar suas próprias conclusões.
Algumas de suas fotos têm pessoas nelas, outras não. Você tenta manter as pessoas fora de uma paisagem?
Eu geralmente não incluo pessoas em uma imagem porque mesmo que as pessoas sejam meu assunto, as imagens das pessoas não são. Estou mais interessado no efeito que as pessoas têm sobre a terra e como a terra afeta nosso senso de nosso lugar no mundo. Quando incluo pessoas, elas são pequenas e estão apenas na foto porque estavam no lugar certo na hora certa.
Você alternou entre o trabalho em cores e preto e branco. Você tem uma preferência?
Quando comecei a fotografar em 1967, preto e branco eram as cores da fotografia séria. A cor era um meio comercial. Mesmo quando isso começou a mudar nos anos setenta, continuei a fazer preto e branco porque eu amava. Eu adorava olhar para impressões em preto e branco e fazer fotos em preto e branco. Tudo o que eu queria abordar no meu trabalho parecia mais direto e organizado em preto e branco.
Então, depois do meu quarto ano de fotografar no Monte. St. Helens Eu senti como se tivesse empurrado preto e branco, tanto quanto eu podia. Eu pensei que a cor seria um desafio interessante. Então trabalhei em cores exclusivamente pelos próximos sete ou oito anos. Hoje em dia eu trabalho em ambos. Eu costumo ter um projeto de cores e um projeto em preto e branco simultaneamente, e planejo meus projetos com o esquema de cores em mente.
