SEGUNDO ATO POLÊMICO DE RENOIR | ARTES E CULTURA | SMITHSONIAN - ARTIGOS, ARTES E CULTURA, ARTE E ARTISTAS

Em outubro de 1881, não muito tempo depois de ter terminado seu alegre Almoço do Partido Náutico, provavelmente seu trabalho mais conhecido e certamente uma das pinturas mais admiradas dos últimos 150 anos, Pierre-Auguste Renoir deixou Paris para a Itália para cumprir um longo período. ambição permanente. Ele tinha 40 anos e já era aclamado como um pioneiro do impressionismo, o movimento que desafiara a pintura acadêmica francesa com suas ousadas tentativas de captar a luz em cenas externas. Representado por uma importante galeria e colecionado por conhecedores, ele preencheu o invejável papel de respeitado iconoclasta, se ainda não bem pago.

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Sua ambição era chegar a Veneza, Roma, Florença e Nápoles e ver as pinturas de Rafael, Ticiano e outros mestres da Renascença. Ele não ficou desapontado. De fato, seu virtuosismo o impressionou, e o célebre artista retornou a Paris em estado de choque. "Eu fui tão longe quanto pude com o impressionismo", lembrou Renoir mais tarde, "e percebi que não conseguia pintar nem desenhar".

A viagem de abrir os olhos foi o começo do fim do Renoir que a maioria de nós conhece e ama. Ele continuou pintando, mas em uma veia completamente diferente - mais em um estúdio do que ao ar livre, menos atraído pelo jogo de luz do que por temas duradouros como a mitologia e a forma feminina - e dentro de uma década, Renoir entrou no que é chamado de período tardio. A opinião crítica foi decididamente indelicada.

Já em 1913, a impressionista americana Mary Cassatt escreveu a um amigo que Renoir estava pintando quadros abomináveis “de mulheres vermelhas muito gordas com cabeças muito pequenas”. Em 2007, a crítica de arte do New York Times, Roberta Smith, lamentou “os hectares da tarde”. nudes ”com sua“ intrincada estupidez ”, acrescentando que“ o aspersion 'kitsch' foi lançado ”. Tanto o Metropolitan Museum of Art quanto o Museu de Arte Moderna de Nova York descarregaram Renoirs no final do período para acomodar presumivelmente mais significantes trabalho. Em 1989, o MOMA vendeu o 1908 Reclining Nude da Renoir porque “simplesmente não pertencia à história da arte moderna que estamos contando”, disse o curador de pinturas, Kirk Varnedoe, na época.

"Na maior parte, o trabalho tardio de Renoir foi escrito fora da história da arte", diz Claudia Einecke, curadora do Museu de Arte do Condado de Los Angeles. “Renoir era visto como um artista interessante e importante quando estava com os impressionistas. Então ele meio que perdeu, tornando-se um reacionário e um mau pintor - essa era a sabedoria convencional ”.

Se o maduro Renoir passou a ser visto como passé, enraizado na nostalgia e eclipsado pelo cubismo e pela arte abstrata, uma nova exposição pretende dar-lhe o devido. Após a abertura no Grand Palais em Paris, “Renoir no século 20” irá para o Museu de Arte do Condado de Los Angeles em 14 de fevereiro e para o Museu de Arte de Filadélfia em 17 de junho. A exposição, a primeira a se concentrar mais tarde anos, reúne cerca de 70 de suas pinturas, desenhos e esculturas de coleções na Europa, Estados Unidos e Japão. Além disso, obras de Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol e Pierre Bonnard demonstram a influência frequentemente negligenciada de Renoir em sua arte.

Em exibição estão odalisques e nus de banho (incluindo Reclining Nude, agora em uma coleção particular), paisagens e cidades mediterrâneas, figuras da sociedade e mulheres jovens penteando seus cabelos, bordando ou tocando violão. Muitos são modelados em peças famosas de Rubens, Ticiano e Velázquez ou homenageiam Ingres, Delacroix, Boucher e a escultura clássica grega. "Renoir acreditava fortemente em ir a museus para aprender com outros artistas", diz Sylvie Patry, curadora da exposição de Paris. Ela parafraseia Renoir: “Desenvolve-se o desejo de se tornar um artista em frente a pinturas, não ao ar livre em frente a belas paisagens”.

Curiosamente, embora a opinião de especialistas se voltasse contra seus trabalhos posteriores, alguns colecionadores, notavelmente o inventor da Filadélfia, Albert Barnes, compraram inúmeras telas, e grandes artistas defenderam os esforços de Renoir. “Na sua velhice, Renoir foi considerado pelos jovens artistas de vanguarda como o maior e mais importante artista moderno, ao lado de Cézanne”, diz Einecke.

Pegue a pintura Eurydice de 1895-1900. Baseado em uma pose clássica, o nu sentado é dotado de quadris e coxas desproporcionalmente grandes contra uma paisagem mediterrânea difusamente pintada de tons pastéis verdes e violetas. "Foi apenas essa interpretação livre de um assunto tradicional, essa sensação de liberdade, que cativou Picasso", diz Patry. Eurydice foi uma das sete pinturas e desenhos de Renoir que Picasso colecionou, e, acrescenta o curador, foi uma provável inspiração para sua tela de 1921, Seated Bather Drying Her Feet . (Apesar das tentativas do apresentador de Picasso, Paul Rosenberg, de apresentá-los, os dois artistas nunca se encontraram.) Einecke se lembra de seus professores de história da arte descartando Eurydice e monumentalmente Renoir nudes como “pneumáticas, garotas Michelin”. Ela espera que os espectadores de hoje os identifiquem. o modo clássico que considerava tais figuras como símbolos da fecundidade - e os via como precursores dos nus modernos feitos por Picasso e outros.

A adoção tardia da tradição de Renoir também deveu-se muito a se estabelecer depois que ele se casou com uma de suas modelos, Aline Charigot, em 1890. Seu primeiro filho, Pierre, nascera em 1885; Jean seguiu em 1894 e Claude em 1901. "Mais importante que teorias foi, na minha opinião, sua mudança de solteiro para homem casado", escreveu Jean, o diretor de cinema, em seu afetuoso livro de memórias de 1962 Renoir, My Father .

Jean e Claude Renoir foram criados como modelos desde a infância. Para uma pintura de 1895, Gabrielle Renard - a empregada da família e uma modelo frequente - tentou entreter Jean, de um ano, enquanto a criança brincalhona brincava com animais de brinquedo. "Pintar Gabrielle e Jean não era exatamente uma sinecura", brincou o artista. Claude - que trabalhava para não menos de 90 trabalhos - teve de ser subornado com promessas de um trem elétrico e uma caixa de tintas a óleo antes de usar um par de meias-calças odiadas para The Clown, a saudação de seu pai aos primeiros anos de Jean-Antoine Watteau. Obra-prima Pierrot do século XVIII. (Anos depois, Picasso pintou seu filho Paulo como Pierrot, embora esse trabalho não esteja na exposição atual.)

Os retratos posteriores de Renoir fazem pouca tentativa de analisar a personalidade do assistente. O que mais lhe interessava era técnica - especificamente a de Rubens, cuja habilidade com pigmentos ele admirava. "Olhe para Rubens em Munique", disse ele ao crítico de arte Walter Pach. “Há uma cor magnífica, de uma riqueza extraordinária, embora a tinta seja muito fina.”

Renoir também estava se tornando menos interessado em representar a realidade. "Como é difícil encontrar exatamente o ponto em que uma pintura deve deixar de ser uma imitação da natureza", disse ele no final de sua vida ao pintor Albert André, a quem ele serviu como mentor. O retrato de Renoir em 1910 da Madame Josse Bernheim-Jeune e seu filho Henry apresentam uma mãe inexpressiva segurando sua criança igualmente inexpressiva. Quando ela apelou a Auguste Rodin para persuadir Renoir a fazer seu braço parecer mais magro, o escultor aconselhou o pintor a não alterar nada. "É o melhor braço" que você já fez, Rodin disse a ele. Ele deixou sozinho.

Renoir, um personagem sociável com um senso de humor aguçado, dirigia uma casa animada com sua esposa no bairro de Montmartre, em Paris. Claude Monet e os poetas Stéphane Mallarmé e Arthur Rimbaud estavam entre os convidados do jantar.

Diagnosticado com artrite reumatóide em 1897, Renoir seguiu a recomendação de seu médico para passar o tempo no clima mais quente do sul da França. Ele comprou a fazenda Les Collettes em Cagnes-sur-Mer em 1907. A doença de Renoir enfraqueceria lentamente suas mãos e, em última análise, suas pernas, mas a "ameaça de paralisia completa só o estimulou a renovar a atividade", lembrou Jean Renoir. "Mesmo com o corpo entrando em declínio", escreveu Matisse, "sua alma parecia se tornar mais forte e se expressar com uma facilidade mais radiante".

Em 1912, quando Renoir estava em uma cadeira de rodas, amigos recrutaram um especialista de Viena para ajudá-lo a andar novamente. Depois de um mês ou mais de uma dieta fortalecida, ele se sentiu robusto o suficiente para tentar alguns passos. O médico levantou-o para uma posição de pé e o artista, com um enorme esforço de vontade, conseguiu cambalear ao redor de seu cavalete. "Eu desisto", disse ele. “É preciso toda a minha força de vontade, e eu não teria mais nada para pintar. Se eu tiver que escolher entre caminhar e pintar, prefiro pintar. ”

E assim ele fez. Em 1913, ele anunciou que estava se aproximando do objetivo que havia estabelecido para si depois de sua viagem à Itália 32 anos antes. "Estou começando a pintar", declarou o artista de 72 anos. "Levou-me mais de 50 anos de trabalho para chegar até aqui, e ainda não está terminado." Um extraordinário filme de três minutos em silêncio na exposição o captura no trabalho em 1915. Renoir agarra seu pincel quase reto em sua mão fechada. Punho enfaixado e golpes na tela. Ele se inclina para trás, ergue os olhos para olhar a pintura e depois a ataca novamente antes de colocar o pincel na paleta.

Não poderia ter sido uma época fácil - seus dois filhos mais velhos foram feridos no começo da Primeira Guerra Mundial, e sua esposa morreu naquele mês de junho. Enquanto milhões pereciam nas trincheiras, em Cagnes, Renoir criou uma Arcádia, refugiando-se em assuntos atemporais. "Seus nus e suas rosas declararam aos homens deste século, já profundamente em sua tarefa de destruição, a estabilidade do equilíbrio eterno da natureza", lembrou Jean Renoir.

Auguste Renoir trabalhou até o dia em que morreu, em 3 de dezembro de 1919. Na época, seus estúdios continham mais de 700 pinturas (seu total de vida era de cerca de 4.000). Para pintar um dos seus últimos esforços, The Bathers, de 1918-19, ele teve a tela colocada em rolos verticais que lhe permitiram ficar sentado enquanto trabalhava em etapas. "É uma pintura perturbadora", diz Patry. As duas ninfas carnudas no primeiro plano são "muito bonitas e graciosas", diz ela, enquanto a paisagem de fundo "se assemelha a uma tapeçaria artificial".

Matisse o ungiu como a obra-prima de Renoir, “uma das mais belas pinturas já pintadas”. Em uma de suas visitas a Cagnes, ele perguntou a seu amigo: Por que se torturar?

"A dor passa, Matisse", respondeu Renoir, "mas a beleza perdura".

O colaborador de longa data, Richard Covington, escreve sobre arte, história e cultura em sua casa perto de Paris.

Pierre-Auguste Renoir (em 1915) tratou os sujeitos clássicos com um "senso de liberdade", diz a curadora Sylvie Patry. (Arquivo Hulton / Getty Images)

Menina com uma cesta de peixe, 1889, Renoir. (Galeria Nacional de Arte, Washington, DC, presente de Robertson Coe, Foto © Galeria Nacional de Arte de 2009, Washington, DC)

Picasso, um admirador, comprou a Eurydice de Renoir (1895-1900), que influenciou seu próprio trabalho. Mas um especialista diz que "o trabalho tardio de Renoir foi escrito fora da história da arte". (Musée Picasso, Paris / Bridgeman Art Library Internacional)

O Pierrot Branco, c. 1901-2, Renoir. (Instituto de Artes de Detroit, Legado de Robert H. Tannahill, Foto © 2009 Instituto de Artes de Detroit, EUA / Batalha de Robert H. Tannahill / Bridgeman Giraudon)

A casa de Renoir em Cagnes-sur-Mer, no sul da França, foi uma fonte de inspiração ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Legado de Charlotte Gina Abrams, em memória de seu marido, Lucien Abrams, 1961 / Museu Metropolitano de Arte, Nova York)

Renoir disse que lutou "para encontrar exatamente o ponto em que uma pintura deve deixar de ser uma imitação da natureza". O palhaço (1909) prestou homenagem a Watteau. (Musée de l'Orangerie, Paris, Foto © 2009 Musée de l'Orangerie, Paris / RMN, por Franck Raux)

Jean como um caçador, 1910, Renoir. (Museu de Arte do Condado de Los Angeles, Presente através da Generosidade do falecido Sr. Jean Renoir e Madame Dido Renoir, Foto © 2009 Museum Associates / LACMA)

Auto-retrato com chapéu branco, 1910, Renoir. (Coleção privada cortesia da Galerie Durand-Ruel, Paris, Foto cedida pela Galerie Durand-Ruel, Paris / akg-images)

O retrato de Madame Josse Bernheim-Jeune e o filho de Renoir (1910) agradou a Renoir, mas não a ela. (Musée d'Orsay, Paris / Giraudon / Bridgeman Art Library Internacional)

"Eu não vou morrer antes de dar o melhor de mim", disse Renoir enquanto pintava The Bathers (1918-1919). Foi seu último grande trabalho. (Musée d'Orsay, Paris / Bridgeman Art Library International)