“Robert Indiana nasceu no estado de mesmo nome em 1928”, começou uma curta descrição biográfica manuscrita pelo artista para o catálogo de sua primeira exposição individual na Stable Gallery em 1962: “Ele estudou em Chicago e em Edimburgo e retornou de uma bolsa de viagem para viver (sic) pintura na orla de Nova York. Aqui, em seu primeiro programa one-man, ele recapitula eventos marcantes em uma vida americana. ”
Enquanto o artista se tornaria inextricavelmente ligado ao seu design de O VE e ao movimento Pop art, o corpo de trabalho mais amplo de Indiana - infundido com números, palavras e símbolos - incorpora referências autobiográficas, literárias e históricas para criar elegias duras ao sonho americano. .
Nascido Robert Clark em New Castle, Indiana, em 1928, o pintor, escultor e poeta que adotaria o nome de Indiana - o que ele chamou de seu “nom de brush” - morreu em 19 de maio de 2018 com a idade de 89 anos. como autor e estudioso Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, observou pela primeira vez, "o homem que inventou o amor ".
L O VE em todas as suas iterações - traduzido pelo artista em espanhol e hebraico para esculturas; pintado em uma palavra não-imprimível de quatro letras após uma briga com Ellsworth Kelly; ou reaproveitado em 2008 como H O PE em uma cópia feita como uma arrecadação de fundos para a primeira campanha presidencial de Barack Obama - é muitas vezes uma forma abreviada da produção artística de Indiana. Virginia Mecklenburg, curadora-chefe do Smithsonian American Art Museum, observa que enquanto Indiana estava associada a artistas pop como James Rosenquist, Roy Lichtenstein e Andy Warhol, ele era diferente. “Eles estavam focando nossas percepções nos produtos de nossa sociedade de consumo. L O VE não era sobre a cultura do consumo, mas as emoções através das quais vivemos nossas vidas ”.
Aquele índio nunca protegeu seu projeto de L O VE amplamente imitado foi uma espécie de flagelo para o artista, que acumulou uma grande coleção de cópias falsas. Mas as revelações mais pessoais no trabalho não são tão facilmente plagiadas quanto suas linhas gráficas: Em várias entrevistas, Indiana aponta para L O VE como inspiração de origens espirituais em vez de eróticas, mas, como grande parte de seu trabalho, seu L O VE A pintura de 1966 está saturada de cores e autobiografia.
Robert Indiana e estudante da Escola de Pintura e Escultura Skowhegan, 1969 (Escola Skowhegan de Pintura e Escultura, 1946-2013. Arquivos do American Ar) 
Fotografia de Robert Indiana com Autoportrait da Década de 1969 (72 pol.), Não antes de 1972. (Mary Swift) 
Retrato de Robert Indiana em seu estúdio, c. 1980 (Mary Swift, fotógrafa. Mary Swift papers, circa 1970-2005. Archives of American Art) 
Alan Groh e Robert Indiana (à direita) instalando um show na Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotógrafo. Stable Gallery Records, 1916-1999, volume, 1953-1970. Arquivos da American Art) O projeto L O VE de Robert Indiana é representado em coleções em todo o Smithsonian Institution, juntamente com outras obras de sua arte. Estes exemplificam e oferecem insights sobre o escopo completo da carreira do artista.
Histórias orais nos arquivos do Smithsonian de arte americana incluem muitas entrevistas com artistas que discutem sua amizade com Indiana e seu trabalho, mas entre os mais perspicazes é a entrevista de 1963 com o próprio artista conduzida por Richard Brown Baker, um colecionador de arte contemporânea.
Nele, Indiana fala longamente sobre sua infância inquieta e educação precoce - agravada pela tendência de sua mãe para o desejo de viajar que viu a família se mudar para 21 casas pelo tempo de 17 - seu interesse em poesia e literatura e seu tempo vivendo no Coenties Slip na baixa Manhattan entre uma comunidade de artistas que incluía Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney e Jack Youngerman.
Um cartão de Natal encontrado nos jornais Dorothy Miller, que era curadora do Museu de Arte Moderna, fornece uma prévia da L O VE em seu estágio inicial de conceito. Como a curadora de manuscritos dos Arquivos, Mary Savig, descreve em seu livro Handmade Holiday Cards, da 20th Century Artists:
Uma das primeiras iterações do tema mais adorado por Robert Indiana, o tema LOVE, era um cartão vendido pelo MoMA em 1965. Para o cartão de Natal de 1964, Indiana havia feito anotações a lápis da palavra LOVE, com sua assinatura O inclinada; Um dos destinatários do seu cartão foi a curadora do MoMA, Dorothy Miller. No ano seguinte, o MoMA encomendou a Indiana uma abordagem mais colorida do design original da sua linha de cartões de Natal.
O cartão de felicitações que Robert Indiana enviou a Dorothy C. Miller, 1964 (Documentos de Dorothy C. Miller, 1853-2013, volume 1920-1996. Arquivos da arte americana) Em 1964, no mesmo ano em que Robert Indiana enviou seu cartão de férias, ele colaborou em um filme, Eat, com Andy Warhol, no qual, através da feitiçaria de edição de filmes, Indiana consome continuamente um cogumelo por 35 minutos. Para a Feira Mundial de Nova York, ele foi um dos dez artistas contratados por Phillip Johnson para criar uma obra de arte para a fachada curva do Pavilhão de Nova York. A criação de Indiana, uma placa de 20 pés de altura de cinco círculos negros dispostos como o rosto de um dado de cinco lados com letras que se iluminavam para enunciar EAT, estava entre as obras de Ellsworth Kelly e Robert Rauchenberg. As palavras COMER, MORRER, ABRAÇAR e ERR seriam presunçosas que Indiana retornou várias vezes - Mecklenburg os chama de "comandos icônicos" - com EAT, a última palavra que sua mãe lhe disse antes de morrer, sendo uma das mais profundas palavras autobiográficas. .
Em uma leitura humorística da palavra, os curadores de arte de Filadélfia Joan Kron e Audrey Sabol modificaram o projeto da Feira Mundial de Indiana em um broche fabricado pela Tiffany para sua Genuine Electric Company - uma das várias empresas que as mulheres eram co-proprietárias. Depois de escrever sobre seus projetos no New York Times, eles receberam muitas perguntas sobre o alfinete, algumas das quais são encontradas nos documentos de Kron nos Archives. Entre eles está uma nota da Sra. Daniel D. Krakauer de Great Neck, Long Island, perguntando onde ela pode obter um dos broches EAT para vestir na festa surpresa de 50 anos de seu marido: “Eu não consigo pensar em uma maneira melhor de anunciando que "o jantar está sendo servido" do que "acendendo". . 'A carta assume uma ironia maliciosa; As autoridades da Feira Mundial tiveram que ordenar que o sinal de Indiana fosse desligado depois de apenas um dia, porque multidões estavam correndo para o pavilhão confundindo-o com um local de comida. Como Indiana escreveu: "Muitas pessoas reagiram, naquele primeiro dia, ao imperativo".
Em 1974, depois que o Smithsonian recebeu a coleção de arte do financista e filantropo Joseph Hirshhorn, e abriu o Hirshhorn Museum e Sculpture Garden como um museu nacional de arte contemporânea, a Smithsonian Associates encomendou quatro cartazes para o dia da abertura, incluindo um de Robert Indiana. estrela azul arregalando e um design gráfico corajoso.
Na época da inauguração do museu, havia apenas duas primeiras pinturas de Indiana - The Eateria, 1962 e Beware-Danger American Dream # 4, 1963 - na coleção Hirshhorn. Ambos, diz Evelyn Hankins, curadora sênior do Hirshhorn, "são exemplos icônicos da maneira de Robert Indiana de usar o vernáculo americano, como sinais de trânsito, para criar obras de arte marcantes no centro da arte pop".
O pôster do dia de abertura de Indiana, diz Evelyn Hankins, do Hirshhorn, “é muito representativo do porquê Robert Indiana é fundamental para o mundo da pop art - seu uso de gráficos hard-edge, que às vezes são celebrativos e às vezes fazem perguntas difíceis sobre o lado sombrio. do sonho americano. ”(Hirshhorn) O pôster do dia de abertura de Indiana, diz Hankins "com sua estrela gráfica e paleta de cores limitadas", não apenas se encaixava bem na coleção e na obra do artista, mas era "muito representativo do porquê Robert Indiana é crucial para o mundo da pop art - seu uso de gráficos hard-edge, que às vezes são comemorativos e algumas vezes fazem perguntas difíceis sobre o lado mais sombrio do sonho americano. ”Neste caso, especialmente, comemorativo.
A crítica de arte Lucy Lippard declarou que Indiana é uma “romântica e extravagante”, observando que a “contribuição do artista tem sido o casamento da poesia e clareza geométrica através da inclusão da literatura e da história americanas em uma arte não objetiva”.
Suas tendências românticas são evidentes em suas esculturas colunares feitas de madeira e objetos encontrados, incluindo aqueles abrigados nas coleções do Smithsonian American Art Museum. De acordo com a Virginia Mecklenburg, do museu, que fez a curadoria da exposição solo de artista “Obras de madeira: construções de Robert Indiana”, de 1984, essas peças são indicativas de sua inteligência e processo de trabalho. “Ele queria tornar os conceitos totêmicos. Ele viu suas esculturas como totens, como a estela que serviu como localizadores de caminhos ao longo das estradas romanas nos tempos antigos. As esculturas de Indiana representam presença, poder, individualidade, bem como palavras, sinais, símbolos, formas de marcar emoções, lugares. Havia intencionalidade - essas coisas estavam em sua mente.
Cinco de Robert Indiana. (Smithsonian American Art Museum, presente do artista) Na época da exposição de 1984, o Indiana dotou sua pintura A Figura Cinco e o museu comprou sua escultura Cinco . Ambos são riffs na pintura de Charles Demuth, Eu vi a figura 5 em ouro - feita como uma resposta ao poema de William Carlos Williams, The Great Figure, escrito após um encontro com um caminhão de bombeiros em uma noite chuvosa de Manhattan, e são pedras angulares das propriedades do museu em Indiana.
Entre a chuva e as luzes, vi a figura 5 em ouro em um caminhão de bombeiros vermelho em movimento. . . .
“Bob gostou da idéia de a escultura e a pintura estarem juntas”, conta Mecklenburg. “Demuth foi influenciado pelo poema experiencial de Williams - velocidade, luz, o som do caminhão de bombeiros - e Bob encontrou outro jeito de expressar isso que era do momento.”
Perguntada sobre como foi trabalhar com Indiana na exposição, Mecklenburg diz que Indiana era tímida, mas ainda lhe permitia acessar seus diários pessoais, cujas páginas são reproduzidas no catálogo do programa. “Ele foi incrível. . . ele era um amigo ”, diz ela. “Ele tinha um profundo senso de história americana, nomeando-se para o estado em que ele cresceu - ele não era Robert Massachusetts! Foi uma afirmação da América Central, e isso diz algo sobre o que ele valorizava ”.
Como ele disse a Diamonstein, “quando eu era criança, minha mãe costumava dirigir meu pai para trabalhar em Indianápolis, e eu via, praticamente todos os dias da minha juventude, um enorme cartaz de Phillips 66. Então é o vermelho e o verde desse signo contra o céu azul de Hoosier. O azul no amor é cerúleo. Portanto, meu amor é uma homenagem ao meu pai ”.
No final da entrevista de história oral de Robert Indiana, Richard Brown Baker sugeriu que o artista não tinha sido "inteiramente revelador", mas Mecklenburg argumenta que Indiana concede um grande acesso ao espectador disposto a fazer uma leitura profunda de seu trabalho. Indiana, ela diz, "foi um homem que deixou sua marca no mundo através de sua arte".
De fato, Indiana, que se via como um pintor de signos, certa vez afirmou: "Eu pinto a cena americana".
Como ele expôs claramente na declaração dos artistas para a Stable Gallery: “Minha arte é um mergulho disciplinado alto - alto, simultâneo e policromado, uma exaltação do verbal-visual. . . meu diálogo. ”
