Todas as tendências se tornam mais claras com o tempo. Olhando para a arte até 15 anos depois, “você pode ver os padrões um pouco melhor”, diz Melissa Ho, curadora assistente do Museu Hirshhorn. "Há tendências maiores e mais profundas que têm a ver com a forma como vivemos no mundo e como estamos vivenciando isso."
Então, o que exatamente é arte moderna? A questão, ela diz, é menos responsável do que infinitamente discutível.
Tecnicamente, diz Ho, a arte moderna é “a expressão cultural do momento histórico da modernidade”. Mas como desfazer essa afirmação é contestada. Uma maneira de definir a arte moderna, ou qualquer coisa realmente, é descrever o que não é. A pintura e escultura acadêmica tradicional dominaram os séculos XVII, XVIII e XIX. “Era uma técnica perfeita e perfeita, usando essa técnica perfeita e perfeita para executar assuntos bem estabelecidos”, diz Ho. Havia uma hierarquia de gêneros, desde pinturas históricas a retratos, naturezas-mortas e paisagens, e noções muito rigorosas de beleza. "Parte do triunfo do modernismo está derrubando os valores acadêmicos", diz ela.
Em um pouco de uma reação à arte acadêmica tradicional, a arte moderna é sobre a expressão pessoal. Embora não fosse sempre o caso historicamente, explica Ho, “agora, parece quase natural que a maneira como você pensa em obras de arte seja uma expressão de uma visão individual”. O modernismo abrange uma enorme variedade de artistas e tipos de arte. Mas os valores por trás das peças são os mesmos. "Com a arte moderna, há essa nova ênfase no valor de ser original e fazer algo inovador", diz Ho.
Edouard Manet e os impressionistas eram considerados modernos, em parte porque representavam cenas da vida moderna. A Revolução Industrial trouxe multidões de pessoas para as cidades e novas formas de lazer surgiram na vida urbana. Dentro das galerias do Hirshhorn, Ho aponta o People of Chilmark de Thomas Hart Benton, uma pintura de uma massa de homens e mulheres emaranhados, lembrando um pouco Michelangelo clássico ou a famosa Jangada da Medusa de Théodore Géricault, exceto que é uma cena de praia contemporânea. inspirado pela cidade de Massachusetts, onde Benton passou o verão. Ringside Seats, uma pintura de uma luta de boxe de George Bellows, está nas proximidades, assim como três pinturas de Edward Hopper, uma intitulada First Row Orchestra, de espectadores, esperando que as cortinas fossem fechadas.
Na arte renascentista, um prêmio alto foi colocado em imitar a natureza. "Então, uma vez que isso foi eliminado, a abstração pode florescer", diz Ho. Obras como as de Benton e Hopper são uma combinação de observação e invenção. Os cubistas, no início dos anos 1900, começaram a brincar com o espaço e a forma de uma maneira que distorcia a visão pictórica tradicional.
Os historiadores da arte costumam usar a palavra “autônomo” para descrever a arte moderna. "O vernáculo seria 'arte pela arte'", explica Ho. “Não precisa existir para qualquer tipo de valor de utilidade que não seja sua própria razão existencial.” Assim, avaliar a arte moderna é uma fera diferente. Em vez de perguntar, como se faz com uma pintura de história, sobre a narrativa - quem é o personagem principal? E qual é a ação? - avaliar uma pintura, digamos, de Piet Mondrian, torna-se mais sobre composição. “É sobre a tensão de composição”, diz Ho, “o equilíbrio formal entre cor e linha e volume, por um lado, mas também apenas a extrema pureza e rigor do mesmo”.
Segundo Ho, alguns dizem que o modernismo atinge o seu auge com o Expressionismo Abstrato na América durante a Segunda Guerra Mundial. Cada artista do movimento tentou expressar seu gênio e estilo individuais, particularmente através do toque. "Então você pega Jackson Pollock com sua tinta pingando e jogando", diz Ho. "Você ganha Mark Rothko com seus campos de cores muito luminosos e finamente pintados." E, ao contrário da pincelada invisível em pinturas acadêmicas fortemente envidraçadas, os traços nas pinturas de Willem de Kooning são soltos e às vezes grossos. "Você realmente pode sentir como foi feito", diz Ho.
Logo após a Segunda Guerra Mundial, no entanto, as idéias que impulsionaram a arte voltaram a mudar. O pós-modernismo se afasta do foco moderno na originalidade, e o trabalho é deliberadamente impessoal. "Você vê um monte de trabalho que usa meios mecânicos ou quase-mecânicos ou meios de mesa", diz Ho. Andy Warhol, por exemplo, usa silk screen, em essência, removendo seu toque direto, e escolhe temas que se baseiam na idéia de produção em massa. Enquanto artistas modernos como Mark Rothko e Barnett Newman fizeram escolhas de cores que deveriam se conectar emocionalmente com o espectador, artistas pós-modernos como Robert Rauschenberg introduzem uma chance ao processo. Rauschenburg, diz Ho, era conhecido por comprar tinta em latas sem marca na loja de ferragens.
“O pós-modernismo está associado à desconstrução da ideia, 'eu sou o gênio artístico e você precisa de mim'”, diz Ho. Artistas como Sol LeWitt e Lawrence Weiner, com obras no Hirshhorn, evitam ainda mais a autoria. O artigo de Weiner intitulado “A BOLA DE BORRACHA DO MAR, CAT. Nº 146 ”, por exemplo, é exibido no museu em letras grandes, azuis e sem serifa. Mas Weiner estava aberto às sete palavras sendo reproduzidas em qualquer cor, tamanho ou fonte. "Poderíamos ter pegado um marcador e escrito na parede", diz Ho. Em outras palavras, Weiner considerou seu papel como artista mais sobre concepção do que produção. Da mesma forma, alguns dos desenhos de LeWitt do final da década de 1960 são basicamente desenhos por instrução. Ele fornece instruções, mas qualquer um, em teoria, pode executá-las. “Nesta geração do pós-guerra, existe essa tendência, de certo modo, em direção à democratização da arte”, diz Ho. “Como o desenho de Sol LeWitt, é essa opinião que qualquer um pode fazer arte.”
Rótulos como “moderno” e “pós-moderno”, e tentando identificar as datas de início e fim de cada período, às vezes irritaram historiadores de arte e curadores. "Eu ouvi todos os tipos de teorias", diz Ho. “Eu acho que a verdade é que a modernidade não aconteceu em uma data específica. Foi essa transformação gradual que aconteceu ao longo de algumas centenas de anos ”. É claro que as duas vezes que, por razões práticas, as datas precisam ser estabelecidas são no ensino de cursos de história da arte e na organização de museus. Na experiência de Ho, a arte moderna começa tipicamente por volta de 1860, enquanto o período pós-moderno se enraíza no final dos anos 50.
O termo "contemporâneo" não está ligado a um período histórico, como são modernos e pós-modernos, mas simplesmente descreve a arte "do nosso momento". Entretanto, neste ponto, o trabalho que remonta a 1970 é considerado contemporâneo. O problema inevitável disso é que ele cria um corpo de trabalho contemporâneo em contínua expansão, pelo qual professores e curadores são responsáveis. "Você só precisa ficar de olho em como essas coisas estão indo", aconselha Ho. "Eu acho que eles vão ser redefinidos."
