Nos anos que antecederam a Primeira Guerra Mundial, a Europa parecia estar perdendo sua influência sobre a realidade. O universo de Einstein parecia ficção científica, as teorias de Freud colocavam a razão nas garras do inconsciente e o comunismo de Marx pretendia virar a sociedade de cabeça para baixo, com o proletariado no topo. As artes também estavam descoladas. A música de Schoenberg era atonal, os poemas de Mal-larmé misturaram a sintaxe e espalharam palavras pela página, e o cubismo de Picasso criou um punhado de anatomia humana.
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E ideias ainda mais radicais estavam em andamento. Anarquistas e niilistas habitavam a periferia política, e uma nova espécie de artista começava a atacar o próprio conceito de arte. Em Paris, depois de tentar sua mão no impressionismo e cubismo, Marcel Duchamp rejeitou toda a pintura porque foi feita para o olho, não a mente.
"Em 1913, tive a feliz idéia de prender uma roda de bicicleta em um banco da cozinha e vê-la girar", escreveu ele mais tarde, descrevendo a construção que ele chamou de Wheel Wheel, um precursor da arte cinética e conceitual. Em 1916, o escritor alemão Hugo Ball, que se refugiou da guerra na Suíça neutra, refletiu sobre o estado da arte contemporânea: “A imagem da forma humana está gradualmente desaparecendo da pintura desses tempos e todos os objetos aparecem apenas em fragmentos. .... O próximo passo é a poesia decidir acabar com a linguagem. ”
Naquele mesmo ano, Ball recitou um poema como esse no palco do Cabaret Voltaire em Zurique, um local noturno (em homenagem ao filósofo e satírico francês do século XVIII) que ele, Emmy Hennings (cantor e poeta que mais tarde se casaria) e alguns amigos expatriados abriram espaço para artistas e escritores. O poema começou: “gadji beri bimba / glandridi lauli lonni cadori ...” Era absolutamente um disparate, claro, dirigido a um público que parecia complacente demais com uma guerra sem sentido. Políticos de todos os tipos tinham proclamado a guerra como uma causa nobre - se era para defender a alta cultura da Alemanha, o Iluminismo da França ou o império britânico. Ball queria chocar qualquer um, ele escreveu, que considerava "toda essa carnificina civilizada um triunfo da inteligência européia". Um performer Cabaret Voltaire, o artista romeno Tristan Tzara, descreveu seus programas noturnos como "explosões de imbecilidade eletiva".
Esse novo e irracional movimento artístico seria chamado Dada. Recebeu esse nome, segundo Richard Huelsenbeck, um artista alemão que vive em Zurique, quando ele e Ball descobriram a palavra em um dicionário francês-alemão. Para Ball, cabe. "Dada é 'sim, sim' em romeno, 'cavalo de pau' e 'cavalinho de pau' em francês", observou ele em seu diário. "Para os alemães, é um sinal de ingenuidade tola, alegria na procriação e preocupação com o carrinho de bebê." Tzara, que mais tarde alegou ter cunhado o termo, rapidamente usou em cartazes, publicou o primeiro jornal Dada e escreveu um do primeiro de muitos manifestos Dada, poucos dos quais, apropriadamente, faziam muito sentido.
Mas a perspectiva absurda se espalhou como uma pandemia - Tzara chamou Dada de "um micróbio virgem" - e houve surtos de Berlim a Paris, Nova York e até Tóquio. E, apesar de todo o seu desdém, o movimento se mostraria um dos mais influentes na arte moderna, prenunciando arte abstrata e conceitual, arte performática, op, pop e arte de instalação. Mas Dada morreria em menos de uma década e não teve o tipo de grande retrospectiva de museu que merece, até agora.
A exposição Dada na National Gallery of Art em Washington, DC (em exibição até 14 de maio) apresenta cerca de 400 pinturas, esculturas, fotografias, colagens, gravuras e gravações de filmes e sons de mais de 40 artistas. O show, que vai para o Museu de Arte Moderna de Nova York (de 18 de junho a 11 de setembro), é uma variação de uma exposição ainda maior que abriu no Centro Pompidou, em Paris, no outono de 2005. Em um esforço para tornar Dada mais fácil Os curadores americanos, Leah Dickerman, da National Gallery, e Anne Umland, do MoMA, organizaram-no em torno das cidades onde o movimento floresceu - Zurique, Berlim, Hanôver, Colônia, Nova York e Paris.
Dickerman traça as origens do Dada para a Grande Guerra (1914-18), que deixou 10 milhões de mortos e cerca de 20 milhões de feridos. “Para muitos intelectuais”, escreve ela no catálogo da National Gallery, “a Primeira Guerra Mundial produziu um colapso de confiança na retórica - se não nos princípios - da cultura da racionalidade que prevaleceu na Europa desde o Iluminismo”. Ela continua para citar Freud, que escreveu que nenhum evento “confundiu tantas das inteligências mais claras, ou tão completamente degradou o que é mais elevado”. Dada abraçou e parodiou essa confusão. “Dada queria substituir o absurdo lógico dos homens de hoje com um absurdo ilógico”, escreveu Gabrielle Buffet-Picabia, cujo marido artista, Francis Picabia, certa vez pregou um macaco de pelúcia a um quadro e chamou de retrato de Cézanne.
“Pandemônio total”, escreveu Hans Arp, um jovem escultor da Alsácia em Zurique, sobre os acontecimentos no “espalhafatoso, heterogêneo e superlotado” Cabaret Voltaire. “Tzara está balançando as costas como a barriga de um dançarino oriental. Janco está tocando um violino invisível e se curvando e raspando. Madame Hennings, com um rosto de Madonna, está fazendo as divisões. Huelsenbeck está batendo sem parar no grande tambor, com Ball acompanhando-o no piano, pálido como um fantasma calcário.
Essas artimanhas não pareciam mais absurdas do que a guerra em si. Uma rápida ofensiva alemã em abril de 1917 deixou 120.000 franceses mortos a apenas 150 quilômetros de Paris, e uma aldeia testemunhou um bando de soldados de infantaria franceses enviados como reforços, como cordeiros levados à matança, em protestos fúteis, quando foram levados para a França. frente. "Sem a I Guerra Mundial não há Dada", diz Laurent Le Bon, curador do programa do Centro Pompidou. “Mas há um ditado francês: 'Dada explica a guerra mais do que a guerra explica Dada'”.
Dois dos líderes militares alemães apelidaram a guerra de "Materialschlacht", ou "a batalha do equipamento". Mas os novos, como se diziam, imploravam para divergir. "A guerra é baseada em um erro crasso", escreveu Hugo Ball em seu diário em 26 de junho de 1915. "Os homens foram confundidos com máquinas."
Não foi apenas a guerra, mas o impacto da mídia moderna e da era industrial emergente da ciência e tecnologia que provocou os artistas Dada. Como Arp uma vez reclamou: "O representante de hoje do homem é apenas um pequeno botão em uma gigantesca máquina sem sentido." Os anões zombaram daquela desumanização com elaborados pseudodograms - chockablock com engrenagens, polias, discos, rodas, alavancas, pistões e mecanismos de relógio - que não explicaram nada. . O símbolo do tipógrafo de uma mão apontada apareceu com frequência na arte Dada e se tornou um emblema do movimento - fazendo um gesto sem sentido. Arp criou composições abstratas a partir de formas de papel recortadas, que ele colocou aleatoriamente em um plano de fundo e colou o local onde elas caíram. Ele argumentou sobre esse tipo de abstração casual como uma maneira de livrar a arte de qualquer subjetividade. Duchamp encontrou uma maneira diferente de tornar sua arte impessoal - desenho como engenheiro mecânico em vez de artista. Ele preferia o desenho mecânico, ele disse, porque "está fora de toda convenção pictórica".
Quando os dadaístas escolheram representar a forma humana, ela foi muitas vezes mutilada ou feita para parecer manufaturada ou mecânica. A multidão de veteranos severamente mutilados e o crescimento de uma indústria de próteses, diz a curadora Leah Dickerman, “surpreenderam os contemporâneos criando uma raça de homens semicolíngües”. O artista de Berlim, Raoul Hausmann, inventou um ícone de dadá de um manequim de peruca. oddments - uma carteira de pele de crocodilo, uma régua, o mecanismo de um relógio de bolso - e intitulado Cabeça Mecânica (O Espírito de Nossa Era). Dois outros artistas de Berlim, George Grosz e John Heartfield, transformaram um boneco de alfaiataria em tamanho real em uma escultura, acrescentando um revólver, uma campainha, um garfo e uma faca e uma Cruz de Ferro do Exército Alemão; deram-lhe uma lâmpada de trabalho para uma cabeça, um par de dentaduras na virilha e um candelabro como uma perna artificial.
Duchamp traçou as raízes do espírito farsesco de Dada até o dramaturgo satírico grego do século V aC Aristófanes, diz Le Bon, do Centro Pompidou. Uma fonte mais imediata, no entanto, foi o absurdo dramaturgo francês Alfred Jarry, cuja farsa de 1895 Ubu Roi (Rei Ubu) introduziu “'Pataphysics' -“ a ciência das soluções imaginárias ”. Foi o tipo de ciência que Dada aplaudiu. Erik Satie, um compositor de vanguarda que colaborou com Picasso em produções teatrais e participou de saraus de Dada, alegou que suas colagens sonoras - uma suíte orquestral com passagens para piano e sirene, por exemplo - eram “dominadas pelo pensamento científico”.
Duchamp provavelmente teve mais sucesso ao transformar as ferramentas da ciência em arte. Nascido perto de Rouen em 1887, ele havia crescido em uma família burguesa que incentivava a arte - dois irmãos mais velhos e sua irmã mais nova também se tornaram artistas. Suas primeiras pinturas foram influenciadas por Manet, Matisse e Picasso, mas seu nu descendo uma escada não. 2 (1912) - inspirado pelos primeiros estudos fotográficos de ação em stop-action - era inteiramente dele. Na pintura, a figura feminina nua parece assumir a anatomia de uma máquina.
Rejeitada pelo júri do Salon des Independants de 1912 em Paris, a pintura criou uma sensação na América quando foi exibida na cidade de Nova York no Armory Show de 1913 (a primeira exposição internacional de arte moderna em larga escala do país). Paródias de desenhos animados da obra apareceram nos jornais locais, e um crítico zombou dela como "uma explosão em uma fábrica de cascalho". O Nude foi arrematado (por US $ 240) por um colecionador, assim como três outros Duchamps. Dois anos após o show, Duchamp e Picabia, cujas pinturas também haviam sido vendidas no Armory Show, trocaram Paris por Manhattan. Duchamp encheu seu estúdio na West 67th Street com objetos comprados em lojas que ele chamou de “readymades” - uma pá de neve, um hatrack, um pente de metal para cães. Explicando suas seleções alguns anos depois, ele disse: “Você tem que abordar algo com uma indiferença, como se você não tivesse nenhuma emoção estética. A escolha dos readymades é sempre baseada na indiferença visual e, ao mesmo tempo, na ausência total de bom ou mau gosto. ”Duchamp não exibiu seus readymades no início, mas viu neles uma outra maneira de minar as ideias convencionais. sobre arte.
Em 1917, ele comprou um mictório de porcelana em uma loja de suprimentos para encanadores da Fifth Avenue, intitulou Fountain, assinou com R. Mutt e o submeteu a uma exposição da Society of Independent Artists em Nova York. Alguns dos organizadores da exposição ficaram horrorizados (“os pobres coitados não puderam dormir por três dias”, lembrou mais tarde Duchamp), e a peça foi rejeitada. Duchamp renunciou ao cargo de presidente do comitê de exposições em apoio a Mutt e publicou uma defesa do trabalho. A publicidade que se seguiu ajudou a fazer de Fountain um dos símbolos mais notórios de Dada, junto com a cópia da Mona Lisa de Leonardo da Vinci no ano seguinte, à qual Duchamp acrescentara um bigode e um cavanhaque amassados.
Parodiando o método científico, Duchamp fez anotações volumosas, diagramas e estudos para o seu trabalho mais enigmático, The Bride Stripped Bare por seu Bachelors, Even (ou The Large Glass) - um conjunto de folha de metal, fios, óleo, verniz e poeira, entre painéis de vidro. O historiador de arte Michael Taylor descreve o trabalho como "uma alegoria complexa de desejo frustrado, em que os nove solteiros uniformizados no painel inferior são perpetuamente impedidos de copular com a noiva bi-mecânica, que parece uma isca."
A irreverência de Duchamp em relação à ciência foi compartilhada por dois de seus companheiros de Nova York, Picabia e um jovem fotógrafo americano, Man Ray. Picabia poderia desenhar com a precisão de um artista comercial, fazendo seus diagramas absurdos parecerem particularmente convincentes. Enquanto Duchamp construía máquinas com discos giratórios que criavam surpreendentes padrões em espiral, Picabia cobria telas com listras desorientadoras e círculos concêntricos - uma forma inicial de experimentação óptica na pintura moderna. Man Ray, cujas fotografias documentaram as máquinas ópticas de Duchamp, colocou sua própria marca na fotografia manipulando imagens na câmara escura para criar ilusões no filme.
Depois que a guerra terminou em 1918, Dada perturbou a paz em Berlim, Colônia, Hanover e Paris. Em Berlim, a artista Hannah Höch deu um toque doméstico irônico a Dada, com colagens que incorporavam padrões de costura, fotografias tiradas de revistas de moda e imagens de uma sociedade militar e industrial alemã em ruínas.
Em Colônia, em 1920, o artista alemão Max Ernst e um grupo de jovens locais, excluídos de uma exposição de museu, organizaram o seu próprio “Dada Early Spring” - no pátio de um pub. Passando pelo banheiro masculino, uma garota usando um vestido de comunhão recitou poesia lasciva, atacando assim a santidade da alta arte e da religião ”, observa a historiadora de arte Sabine Kriebel no catálogo da exposição atual. No pátio, "os espectadores foram encorajados a destruir uma escultura de Ernst, à qual ele havia anexado um machado". A polícia de Colônia encerrou o show, acusando os artistas de obscenidade por uma exibição de nudez. Mas a acusação foi abandonada quando a obscenidade acabou sendo uma cópia de uma gravura de 1504 de Albrecht Dürer, intitulada Adão e Eva, que Ernst incorporara em uma de suas esculturas.
Em Hanover, o artista Kurt Schwitters começou a fazer arte a partir dos detritos da Alemanha do pós-guerra. "Fora da parcimônia, peguei tudo o que encontrei para fazer isso", escreveu ele sobre o lixo que pegou das ruas e transformou-se em colagens e montagens esculturais. "Pode-se até gritar com lixo, e foi isso que eu fiz, pregando e colando-o." Nascido no mesmo ano de Duchamp - 1887 - Schwitters havia treinado como pintor tradicional e passou os anos de guerra como desenhista mecânico em um local. siderurgia. No final da guerra, no entanto, ele descobriu o movimento dadaísta, embora tenha rejeitado o nome Dada e inventado o seu próprio Merz, uma palavra que ele recortou de um cartaz de propaganda do Kommerz-und Privatbank (banco comercial) de Hanover e colado em uma colagem. Como aponta Dickerman, da National Gallery, a palavra invocava não apenas dinheiro, mas também a palavra alemã para dor, Schmerz, e a palavra francesa para excremento, merde. “Um pouco de dinheiro, um pouco de dor, um pouco de merda”, ela diz, “são a essência da arte de Schwitters.” A construção de forma livre construída de objetos encontrados e formas geométricas que o artista chamou de Merzbau começou como um par de colagens tridimensionais, ou montagens, e cresceu até que sua casa se tornou um canteiro de obras de colunas, nichos e grutas. Com o tempo, a escultura realmente rompeu o telhado e as paredes externas do prédio; ele ainda estava trabalhando nisso quando foi forçado a fugir da Alemanha pela ascensão dos nazistas ao poder. No final, o trabalho foi destruído pelos bombardeiros aliados durante a Segunda Guerra Mundial.
O último hurra de Dada foi tocado em Paris no início da década de 1920, quando Tzara, Ernst, Duchamp e outros pioneiros Dada participaram de uma série de exibições de arte provocativa, performances nuas, produções teatrais turbulentas e manifestos incompreensíveis. Mas o movimento estava desmoronando. O crítico e poeta francês André Breton lançou seus próprios manifestos Dada, mas caiu em rivalidade com Tzara, pois Picabia, cansado de todas as lutas internas, fugiu do local. No início da década de 1920, Breton já estava planejando a próxima grande ideia de vanguarda, o surrealismo. “Dada”, ele se regozijou, “muito felizmente, não é mais um problema e seu funeral, em maio de 1921, não causou distúrbios”.
Mas Dada, que ainda não estava morto, logo saltaria do túmulo. As abstrações de Arp, as construções de Schwitters, os alvos e as listras de Picabia e os readymades de Duchamp logo apareceram na obra de grandes artistas e movimentos artísticos do século XX. Das abstrações de Stuart Davis à Pop Art de Andy Warhol, dos alvos e bandeiras de Jasper Johns às colagens e combinações de Robert Rauschenberg - em quase todos os lugares em que você olha a arte moderna e contemporânea, Dada fez isso primeiro. Até mesmo Breton, que morreu em 1966, retratou seu desdém pelo dadá. “Fundamentalmente, desde Dada”, escreveu ele, não muito antes de sua morte, “não fizemos nada”.
