Há dois anos, a National Gallery of Art, em Washington, DC, comemorou o aniversário de 150 anos de Edvard Munch com uma exposição intitulada “O Grito”, a famosa personificação da luta do mestre norueguês contra a agorafobia. Nele, um protagonista sem gênero confronta um pavoroso pôr-do-sol de vermelhos gritantes, queimando amarelos e azuis tempestuosos.
O show contou a história de como Munch elevou suas experiências pessoais ao universal. Como diz a exposição da exposição: “O poder real de sua arte está menos em sua biografia do que em sua capacidade de extrapolar as experiências humanas universais de sua própria vida”. Ou, em outras palavras, você não precisa exatamente entender contexto de “O Grito” para entender, bem, esse grito.
Agora, a National Gallery está revisitando o mestre pintor e gravurista, desta vez em uma exposição explorando como suas escolhas de cores contam uma história maior de sua idade. Com uma seleção de 21 gravuras, “Edvard Munch: Color in Context”, que está em exibição até 28 de janeiro de 2018, mostra como as paletas febris de Munch e o uso enervante da cor em seu trabalho - especialmente suas impressões - refletem o surgimento bolsa de estudos do final do século 19, quando cientistas, acadêmicos e filósofos procuraram preencher a lacuna entre o mundo real e invisível.
"A Cabeça do Homem no Cabelo da Mulher (Mannerkopf in Frauenharr), " 1896 (Galeria Nacional de Arte, Washington, Coleção Rosenwald) Mollie Berger, assistente de curadoria do departamento de gravuras e desenhos, organizou a pequena exposição depois de reconsiderar as impressões de Munch. "Olhando para as impressões que eu pensei, a cor é fenomenal, e isso é realmente para mim o que se passa", diz ela. "No passado, muitas vezes os estudiosos disseram que essas impressões são sobre sua angústia interna ou o que estava acontecendo com sua vida, mas eu acho que, de certa forma, ele também está tentando se comunicar conosco."
Munch chegou à maturidade numa época em que tudo o que os humanos sabiam sobre o mundo natural estava mudando: o físico George Johnstone Stoney descobriu o elétron; o fotógrafo Eadweard Muybridge capturou a primeira imagem em movimento rápido; Wilhelm Roentgen desbloqueou o poder do raio-x. O olho nu não era mais visto como um contador de verdade, mas sim algo que obscurecia os reinos intangíveis.
"Madonna", Edvard Munch, 1895, imprimiu 1913/1914 (Galeria Nacional de Arte, Washington, Coleção Gift of The Epstein Family) Munch foi particularmente receptivo à ideia de energias e dimensões invisíveis. A morte havia seguido o artista, nascido em 1863 e criado em Oslo; quando criança, ele perdeu sua mãe e irmã Sophie. No início da idade adulta, seu pai morreu, e logo depois, outra irmã, Laura, teve que se comprometer com um asilo.
Depois que Munch abandonou sua educação em engenharia para buscar a arte, ele encontrou sua voz no movimento simbolista, identificando-se com contemporâneos como o autor Fyodor Dostoyevsky, que ele acreditava ter "penetrado ... nos reinos místicos da alma", de certo modo. que nenhum artista teve ainda. No início de sua carreira, Munch descreveu suas próprias escolhas artísticas de maneira semelhante, dizendo: “Eu senti que deveria fazer alguma coisa - achei que seria tão fácil - que tomaria forma sob minhas mãos como mágica. Então as pessoas veriam!
A magia literal não estava tão longe do que Munch estava querendo capturar. Os avanços científicos do dia também inauguraram uma era dourada de crença em forças e energias sobrenaturais, e os simbolistas, por sua vez, foram fortemente influenciados pelo oculto e pelo mundo dos sonhos. Como jovem artista, Munch passou a freqüentar os círculos espiritualistas e teosofistas e questionar a presença da alma.
"Old Man Praying", Edvard Munch, 1902, cor xilogravura (Coleção da Família Epstein) “Ele estava certamente interessado e fascinado por isso”, diz Berger. "Ele não tinha visões malucas como [August] Strindberg teria, mas, de acordo com seu amigo Gustav Schiefler, Munch alegou ver auras em torno das pessoas".
A ideia teosófica de auras psíquicas, ou cores influenciadas por emoções e idéias, era uma teoria popular da época, apresentada por Annie Besant e Charles W. Leadbetter em seu influente livro de 1901, Formas-Pensamento . Embora não haja provas de que Munch tirou diretamente do livro ao criar sua própria paleta, Berger inclui sua chave de cores no programa, e é tentador traçar paralelos entre as escolhas de Munch e seu trabalho, que fixa cores como um amarelo brilhante intelecto ", marrom lamacento como uma posição de" egoísmo "e vermelho escuro para" sensualidade ".
"A Cabeça da Garota Contra a Costa", Edvard Munch, 1899 (Coleção da Família Epstein) As impressões de Munch, em especial, ligam a ideia de cor e auras físicas, argumenta Berger. O meio - menos caro para fazer do que suas pinturas - liberou o artista para a experimentação, explica ela, e as escolhas de cores singulares que ele emprega com efeito poderoso apresentam uma narrativa convincente. Por exemplo, em uma composição de 1895, "The Vampire", o cabelo de uma mulher se debruça sobre um homem, que se inclina para ela em um abraço apaixonado. O visual sedutor, no entanto, assume um novo significado se você considerar a prova retocada feita antes da xilogravura final, à vista na exposição, onde o braço da mulher e o rosto do homem estão cheios de amarelo ou alto intelecto. Sob essa luz, a obra instantaneamente muda para uma história mais contemplativa e romântica, mais condizente com o título original de Munch para o trabalho "Amor e dor".
Berger acredita que Munch é um dos artistas de sua época mais dedicados às idéias teosóficas de escolha de cores. “Para mim, com Munch, a cor é fundamental”, diz Berger. "Eu não vejo realmente mais nada."
Sua seleção e combinação podem ser tão convincentes que é tentador sugerir que Munch tivesse uma forma de sinestesia, onde um sentido causa uma sensação em outro, embora ele nunca tenha sido diagnosticado durante a vida. “Os estudiosos disseram, é claro, que Munch tinha sinestesia. Mas as pessoas dizem isso sobre [Wassily] Kandinsky também ”, diz Berger. “Eu acho que todos os artistas em algum nível têm essa relação com a cor e a percepção, porque eu sinto que você tem que, em algum grau, ser um artista. Você tem que ver a cor de forma diferente de outras pessoas para ser atraído por ela e seguir esse caminho na vida ”.
Na exposição, as influências metafísicas de Munch vêm, sem dúvida, mais em foco no “Encontro no Espaço”. A gravura abstrata de 1902, que se sentiria em casa em “The Twilight Zone”, retrata massas de pessoas vermelho-laranja e azul-verde, que aparecem flutuar através de um vazio que poderia muito bem ser a quarta dimensão. As seleções de cores, que de acordo com as Formas do Pensamento traduzem como puro afeto e devoção ou simpatia, respectivamente, contam uma história esperançosa. Embora a vida de Munch estivesse cheia de dificuldades, essa leitura do trabalho sugere que talvez ele esperasse que o mundo invisível que ele capturava em sua arte fosse mais gentil.
