Este post é parte de nossa série em andamento, na qual ATM convida postagens ocasionais de inúmeros bloggers convidados da Smithsonian Institution: os historiadores, pesquisadores e cientistas que curam as coleções e arquivos nos museus e centros de pesquisa. Hoje, Amy Henderson, da National Portrait Gallery, avalia o cinema como arte. Ela nos escreveu pela última vez sobre David McCullough visitando o Smithsonian.
O que é sobre a “imagem em movimento” que nos impede em nossas trilhas? Se alguém postar um vídeo em seu mural do Facebook, você não está mais propenso a clicar do que em outros links? Por que assistimos filmes em nossos celulares? Por que há um calçadão para pedestres na Times Square, onde zilhões de pessoas sentam-se em cadeiras de praia e olham para imagens transmitidas em som surround? Nos museus, os visitantes sempre lotam as galerias de imagens em movimento. Por que o vídeo estimula a mente?
No início do século 20, quando o filme era silencioso e os atores anônimos, as pessoas entravam nos cinemas para assistir as projeções tremeluzirem pela tela prateada. Após o advento dos “talkies”, os estúdios de Hollywood criaram um universo paralelo de estrelas “maiores que a vida”. As mulheres branqueavam o cabelo de platina loira em homenagem a Jean Harlow em Red Dust, e homens tomavam martinis como se fossem William Powell em The Thin Man. Queríamos usar o que as estrelas usavam na tela: no meio da Depressão, a empresa de costura Butterick vendeu 500 mil modelos do vestido de manga inflável que Joan Crawford usava em 1932, Letty Lynton, mesmo sugerindo materiais menos caros para os esgotos domésticos substituírem a seda da estrela de cinema. O arrebatamento parece ilimitado.
Eu sou fascinado por como os filmes definem a cultura. O pré-filme América é narrado em várias mídias, mas nada se move - tudo o que temos de examinar a partir dessa era é estático, como delicadas borboletas presas em uma vitrine. E, na verdade, temos dificuldade em imaginar os indivíduos emoldurados em movimento, respirando, conversando, andando, cantando, mesmo seguindo suas rotinas diárias. Quando levo visitantes através da exposição “Presidentes da América”, da Portrait Gallery, lembro a eles que realmente não sabemos como seriam nossos fundadores, a não ser como retratados por diferentes artistas; e só podemos adivinhar como soaram.
O The Maltese Falcon, do romancista-detetive Dashiell Hammett, foi adaptado para filmar em 1931. (Imagem cortesia da National Portrait Gallery (c) 1937 Edward Biberman) Eu pensei sobre o poder do filme para revelar recentemente enquanto me preparava para apresentar uma exibição do The Maltese Falcon na Portrait Gallery. Este filme de 1941 marcou a estréia de John Huston como diretor e a transição de Humphrey Bogart de um gangster estilizado para um astro. É inconfundivelmente a era da Depressão em suas sombras noirish; como a novela de mesmo nome de Dashiell Hammett, de 1930, a narrativa do filme acompanha clipes como um noticiário; olho privado Sam Spade (Bogart), o Homem Gordo (Sydney Greenstreet) e Joel Cairo (Peter Lorre) são atraídos com ousadia e falam em diálogo rápido que reforça a batida staccato do filme. O momento capturado da história deixa pouco tempo para nuances ou sutilezas; a narrativa implacavelmente e implacavelmente se move.
Essa batida em staccato é um tema que eu enfatizo quando levo pessoas através da exposição da Galeria dos Retratos dos anos 20 até a década de 1940 - anos que testemunharam a ascensão da América moderna. Entre 1890 e 1920, 23 milhões de imigrantes chegaram às costas da América; a maioria era do sul ou do leste da Europa. Poucos falavam inglês. Nesse período, a face do país mudou. Ao mesmo tempo, a paisagem pastoral de Emerson e Thoreau se transformou em paisagens urbanas: o censo de 1920 mostrou que, pela primeira vez, a América era mais urbana do que rural. Nova York emergiu como um vasto centro de cultura de consumo, um forno de outdoor e néon - em uma das minhas frases favoritas - "uma máquina impressionante de desejo". Foi uma cidade que deu o pulso aos ritmos de Gershwin, a coreografia de Martha Graham. e a dura ficção de Dashiell Hammett.
“Imagens em movimento” eram uma metáfora perfeita para a cultura staccato em rápida mudança da América. Emergindo no dinamismo da vida nas ruas de Nova York, os filmes ganharam sucesso instantâneo como entretenimento pop-up, quando empreendedores como Adolph Zukor, Louis B. Mayer e William Fox montaram teatros de fachada nos cortiços de imigrantes do Lower East Side. A linguagem não era obstáculo, de modo que os filmes mudos tinham um público pronto.
A capacidade do cinema de nos transportar permaneceu como uma das principais atrações desse meio. A ironia é que, enquanto o filme é um documento cultural notável que congela o tempo, ele também nos remove do mundano.
Allison Jessing, coordenadora do programa que organiza séries de filmes aqui na Portrait Gallery e no Smithsonian American Art Museum, me disse que “o filme pode ser tão subversivo, poderoso e emocionalmente ressonante quanto a pintura, a escultura ou qualquer outra forma de arte tradicional”. Ela acredita que os teatros do Smithsonian devem ser considerados galerias por si só, “apresentando obras-primas da mesma maneira que exibimos obras de arte que ficam em um pedestal ou penduradas em uma parede.” Uma das maneiras que Jessing está fazendo isso é pegar emprestado o “pop “entretenimento de entretenimento” dos primeiros empresários do cinema. Para esse fim, os museus compraram uma tela pop-up inflável de 6 metros para projetar filmes no Pátio Kogod, e Allison usará a tela grande para uma série maior do que a vida que ela está chamando de “Courtyard Cinema Classics”.
Uma tela pop-up de 16 pés em breve exibirá filmes no Pátio Kogod. (Foto de Allison Jessing) Em 15 de novembro, será apresentado o primeiro da série - o A Connecticut Yankee, de 1949, no King Arthur's Court, um musical de viagem no tempo estrelado por Bing Crosby e Rhonda Fleming. Tenho o prazer de apresentar este filme, que se baseia (muito grosso modo) no romance homônimo de Mark Twain, de 1889; Eu posso usar minha boa.
Mostrar filmes em museus prova mais uma vez que Sam Spade estava certo: eles são o material de que os sonhos são feitos.
