Antes do fim de semana do Memorial Day, o consultor de mídia Frank Chi nunca havia mostrado seu trabalho digital em uma exposição. E quando ele visitava museus, parecia mais como estar em uma palestra na escola do que ter uma conversa interativa. "CrossLines: um laboratório de cultura de interseccionalidade", organizado pelo Smithsonian Asian Pacific American Center no histórico Arts & Industries Building, era totalmente novo; e Chi e seu vídeo "Letters From Camp" faziam parte dele.
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“Eu nunca me vi como artista”, diz Chi. No vídeo, jovens muçulmanos americanos de 7 a 13 anos leram cartas que jovens japonesas americanos escreveram nos campos de encarceramento da Segunda Guerra Mundial para Clara Breed, bibliotecária em San Diego. Os jovens estão lendo as cartas históricas para os sobreviventes, agora idosos, dos campos nipo-americanos.
“Como primeira experiência, isso é incrível”, diz Chi. “Os museus não são interativos da maneira que muitos desses projetos são.” Ele testemunhou os visitantes do evento reagindo emocionalmente ao seu trabalho, como pais segurando seus filhos. A experiência paralela entre os jovens muçulmanos americanos e os autores das cartas foi difícil de perder. "Você pode dizer que eles sabiam que havia pessoas neste país que não queriam que estivessem aqui", diz Chi.
Esse tipo de encontro entre o artista e o público, no qual o local funciona como facilitador, em vez de gatekeeper tradicional, faz parte do ponto de "CrossLines", diz Lawrence-Minh Búi Davis, curador do Centro Smithsonian para o Pacífico Asiático.
“Estamos elaborando e enquadrando esse evento como um novo tipo de experiência em museus. As pessoas têm respondido muito bem a isso e dizendo que gostam da interatividade, da natureza participativa e transcultural dela, e a natureza interseccional fala com elas ”, diz ele. "É o tipo de coisa que eles querem ver nos museus."
"Cartas do acampamento" mostra jovens muçulmanos americanos lendo cartas dos campos de encarceramento da Segunda Guerra Mundial da América do Norte. Crédito: cineasta da DC Frank ChiApesar do timing do evento, que coincidiu com a grande reunião anual da American Alliance of Museums, com o fim de semana do Memorial Day, e com o Rolling Thunder Run de 2016, 11.606 estiveram presentes, de acordo com Búi Davis. Ter uma conversa entre o público e os artistas era primordial.
“Nós não temos um espaço de museu. Em vez de procurar criar exposições para viajar e, em vez de tentar agendar um horário em outro museu, pensamos em que tipo de museu queremos ser ”, diz Búi Davis. "Criamos experiências que são móveis e ágeis".
O tempo do evento em torno da conferência da AAM apresentou a oportunidade de permitir que os funcionários do museu e membros da equipe vissem “a arte da DC que fala sobre questões da DC”, ele diz. “A maioria dos artistas da DC que estamos mostrando nunca exibiu no Smithsonian e está mostrando em espaços menores de festivais. Alguns deles são artistas de rua que trabalham. ”
Os visitantes apreciaram os encontros próximos com esses artistas.
Malachi Williams, de 10 anos, era um desses cognoscentes. Segurando uma tela recém-pintada desenhada pelo artista Matt Corrado, retratando um crânio, usando um capacete quebrado do exército com as palavras “Love Life”, Williams selecionou esse design para sua lembrança de quatro outras opções. Uma bala fica na frente do rosto logo abaixo de algumas folhagens. Perguntado por um repórter por que, Williams diz: “Eu gosto da cabeça do crânio, das penas, da letra cursiva do capacete do exército, e de que o esqueleto não tem nariz, mas tem olhos, isso é confuso”.
O trabalho estava destinado a ficar pendurado em sua porta em casa, e ele gostou de conversar com a equipe da Soul & Ink, um coletivo sediado em Silver Spring, Maryland, enquanto eles viviam imprimindo sua lembrança. “Primeiro eles conseguiram. Então eles imprimiram isto. E então eles colocam sob este aquecimento, coisa elétrica para aquecê-lo, para que ele possa secar ”, diz Williams.
A Soul & Ink estava entre os 40 artistas e acadêmicos presentes no evento Crosslines “fazendo suas coisas”, de acordo com uma brochura do evento.
Anida Yoeu, uma artista nascida no Camboja e criada em Chicago, usava roupas vermelhas e brilhantes, vestidas como trajes femininos islâmicos tradicionais, e estava em uma plataforma cercada por bandeiras americanas e pequenas bandeiras brancas com a palavra árabe "paz". em que ela ficou em silêncio, questionou o grau em que as mulheres muçulmanas podem ser aceitas como patriotas americanas.
Annu Palakunnathu A instalação multimídia de Matthew “The Virtual Immigrant” examinou as pessoas por trás das vozes desencarnadas nos call centers. “Quando você liga para um número 1-800, muitas vezes você está falando com um indiano, que finge ser um americano para o dia de trabalho”, diz o artista. "Quando eles voltam para casa, eles se tornam indianos novamente e, assim, praticamente imigram para o dia de trabalho".
Ela concebeu o projeto depois de se tornar cidadã americana, quando soube que um homem indiano, cujos maneirismos americanos ela admirava, desenvolvera esse conforto com o inglês em um call center na Índia.
O trabalho de Gregg Deal intitulado “A Lei de Remoção de Voz da Índia de 1879-2016” coloca a questão: “Em quem você confia para contar sua história?”
Deal, um membro da tribo Pyramid Lake Paiute, criou uma tipi no espaço da exposição e convidou os visitantes a entrar, onde encontraram o artista em trajes tradicionais. Quando perguntado sobre uma questão, porém, Deal se voltou para um colega, que atuou como intérprete. Este último intencionalmente fez um péssimo trabalho de tradução, e um jogo de telefone quebrado se seguiu. Se um visitante perguntasse a Deal por que ele pintou as marcas vermelhas sobre os retratos que adornam a tipi, o artista poderia dizer ao seu “tradutor” que era sobre vozes indígenas desprivilegiadas. Este último iria improvisar e dizer ao questionador que a cor favorita de Deal era vermelha.
"Nós não conseguimos contar nossa própria história", diz Deal de sua peça de performance, onde sua voz indígena é distorcida por uma voz branca. "Estamos deliberadamente mexendo com as pessoas e mexendo com essa comunicação, mas porque ele está dizendo isso, elas pegam o que ele diz com valor e não questionam se há um problema".
É "desumanizante" ser tratado como um objeto por causa de como ele está vestido, acrescenta Deal, observando que algumas pessoas estavam tirando fotos dele sem permissão.
David Skorton, o secretário do Smithsonian, acabara de sair da tipi de Deal, onde achou as pinturas “convincentes”. Também gostava de “Kitchen Remedies”, criado pelo People's Kitchen Collective, que convidava os visitantes a compartilhar memórias de alimentos que eles cultivavam. com, o que ajudou a fazê-los se sentir melhor. Os visitantes provaram receitas de remédio em uma "farmácia pop-up".
"Como médico, e alguém que tem interesse em medicina alternativa, acho fascinante duas coisas", diz Skorton, que é cardiologista certificado. “O primeiro é que eles têm essa mesa comunitária. E em segundo lugar, que está lotado. ”O Skorton chamou o evento como um“ experimento muito importante ”em conversas entre o público e o Smithsonian.
“Eu não estou chamando isso de um experimento para não ser decepcionante. Eu realmente acho que é isso que é até agora ”, diz ele. “Acho que as chances de o público interagir conosco são necessárias. Vou levar tudo e ver o que posso descobrir.
Esse encontro entre o público e os artistas está no centro da People's Kitchen, disse o co-fundador e chef Saqib Keval, que estava servindo três “remédios” da infância dos co-fundadores: erva-doce crua (para acalmar o estômago e limpar a paleta ), o concentrado de tangawizi (mel, gengibre e prato picante do Quênia) que o grupo chamava de “Cozinha Popular para Todos”, e um prato japonês, envelhecido há mais de um ano. Outro remédio na mão foi uma cura para o desgosto.
Sentada em uma das mesas em uma das entradas para “Crosslines”, o pintor Jawara Blake, de Maryland, desenhava com lápis de cor em papel milimetrado para adicionar ao mural da casa “Imagine Your Community” da Wooden Wave. O meio não era "meu típico", diz ele, mas notou seu design: "Todo mundo precisa de arte abstrata".
“Adoro a ideia de pessoas que se sentem atraídas por empreendimentos artísticos que são ou não são elas mesmas artísticas. Isso me lembra de casa ”, diz ele. "Arte e comunidade são a mesma coisa."
