Desde tempos imemoriais, a correspondência manuscrita está entre os modos mais íntimos e vibrantes de comunicação humana. Para o escritor de cartas, um fólio não preenchido é um receptáculo vazio, uma embarcação esperando para ser infundida com observações ociosas, fofocas sarcásticas, confissões de amor, especulações políticas, reflexões de busca da alma, agradecimentos calorosos ou qualquer outra coisa que possa vir à mente.
Através do simples ato de preencher uma página com palavras, pontuação e imagens, o autor de uma carta, ciente disso ou não, manifesta no mundo uma expressão verdadeiramente original e idiossincrática do self - uma obra de arte. Em nenhum lugar isso é mais aparente do que nos Arquivos de Arte Americana da Smithsonian Institution, cujo inventário é composto principalmente de mensagens manuscritas de artistas e outras coisas efêmeras de suas vidas.
Essas missivas, que abordam tópicos tão variados quanto as personalidades de seus autores, serviram de inspiração para o recém-lançado livro Pen to Paper: Cartas manuscritas de artistas, editado pela curadora de manuscritos Mary Savig.
Com o objetivo de vincular páginas espalhadas pela palavra com telas pintadas com manchas de tinta e personagens maiúsculos esculpidos com esculturas de metal esculpidas, Savig também revela um lado distintamente humano dos gigantes do mundo artístico americano. Vê-se como a arte latente dentro deles permeava até mesmo as facetas mais aparentemente banais de suas vidas.
Caneta para Papel: Cartas manuscritas dos artistas do Smithsonian's Archives of American Art
Pen to Paper, uma coleção de cartas de artistas do Smithsonian Archives of American Art, revela como a escrita de cartas pode ser um ato artístico, assim como um artista coloca a caneta no papel para criar uma linha em um desenho.
ComprarO livro deve sua existência à caligrafia inconfundível do pintor minimalista Ad Reinhardt, cujas frases fluidas e caligráficas mesclam linhas enfáticas e arcos ventosos.
Savig relembra o momento em que ela e seus colegas, reunidos para uma reunião de equipe, perceberam que “quase todos puderam identificar as palavras escritas à mão por Reinhardt”. Uma lâmpada acendeu, que queimaria pelos muitos meses de profunda exploração e engajamento. .
Karen Weiss, chefe de operações digitais dos Archives, foi a primeira a sugerir que explorar adequadamente o significado da caligrafia individualizada dos artistas exigiria um esforço conjunto de pesquisa. Savig começou a aprofundar as profundezas da comunidade de arte deste país, buscando estudantes e acadêmicos, curadores e historiadores, professores e praticantes, até pessoas que chegam até os velhos tempos, para pesar sobre os escritos de artistas nos quais eles tinham interesse pessoal.
Carta de Llyn Foulkes para Darthea Speyer, ca. 1975 (Arquivos de Arte Americana) Llyn Foulkes escreveu para Darthea Speyer, que organizou duas das exposições do artista, c. 1975. (Arquivos da arte americana) Um dos objetivos de Savig ao criar o Pen to Paper era lembrar aos leitores que “a história da arte é um campo ativo, um campo interdisciplinar, e há muitas maneiras diferentes de abordar a arte americana”.
Permitir que a miríade de colaboradores do livro mantivesse margem de manobra em seus comentários sobre as cartas reunidas era, do ponto de vista de Savig, essencial: “Eu queria deixar isso para eles”, ela lembra, “para mostrar o que sabem sobre o assunto, em vez de tentando pedir a eles que escrevam especificamente sobre algo que eles podem não se sentir tão interessados em falar. ”
Os resultados desse esforço são impressionantes. A cada poucas páginas do Pen to Paper, os leitores recebem imagens de alta qualidade das letras manuscritas de um novo artista e são tratados com uma análise concisa de um novo autor, impressa ao lado.
Essas desconstruções vão do tecnicamente exigente ao holístico biográfico.
Rascunho da carta de condolências Joseph Cornell enviado à viúva de Marcel Duchamp, Teeny, 8 e 9 de outubro de 1968 (Arquivos da Arte Americana) “A grande assinatura curvilínea 'Eero' [Saarinen] assemelha-se às formas curvas do Ingalls Rink em Yale, terminal da TWA no aeroporto JFK e aeroporto de Dulles”, escreveu a historiadora de arquitetura Jayne Merkel.
E para Leslie Umberger, a curadora de arte popular e autodidata do Smithsonian, a legibilidade “cai cada vez mais no esquecimento quando [vovó] Moisés tenta negociar um cronograma exigente, um grande volume de notícias familiares e uma quantidade limitada de espaço no qual escrever."
Muitas das cartas incluídas no compêndio fornecem instantâneos de momentos especialmente pungentes na vida de seus escritores, destacando para os leitores como uma simples mensagem manuscrita pode, nas palavras de Savig, “tornar-se esse vestígio de pessoa e lugar”.
Cartão-postal de Claes Oldenburg para a historiadora de arte Ellen H. Johnson, 17 de agosto de 1974 (Arquivos da American Art) Tomemos, por exemplo, o Aerograma transatlântico de Lee Krasner para o amigo de longa data e amante Jackson Pollock, cuja vida seria perdida em um acidente de automóvel logo após receber sua mensagem. Sabendo que Pollock estava lutando com problemas emocionais e álcool, Krasner imprimiu sua carta com humor e alegria, a certa altura, confidenciando-lhe que a pintura em Paris "é inacreditavelmente ruim". Confinada por seu médium, Krasner sentiu-se comovida para terminar sua nota com uma consulta simples e sincera, encravada no canto inferior direito e emoldurada por um par de parênteses descomunais: "Como você está Jackson?"
Ela nunca receberia uma resposta.
O visionário artista Howard Finster escreveu a um curador sobre sua próxima exposição em Washington, DC (Arquivos de Arte Americana) De maneira semelhante, os rascunhos da carta de condolências do artista multimídia Joseph Cornell, de 1968, à viúva de seu mentor e herói, Marcel Duchamp. Repleto de feios rivais e repetidas tentativas de reformulação, o texto na página indica a gravidade da perda de Cornell, a derradeira e talvez a mais danosa de uma série de mortes devastadoras. "Receber a notícia na quinta-feira, 3 de outubro", diz a curadora Lynda Roscoe Hartigan, "criou uma 'turbulência' que impediu [Cornell] de deixar sua casa até a quarta-feira seguinte, quando postou a carta de condolências".
Enquanto alguns textos lançam luz sobre as tribulações de artistas individuais que navegam em suas vidas, outras missivas chamam a atenção do leitor para lutas globais mais amplas. Por exemplo, em uma nota de 1922 para um conhecido do Instituto Carnegie, a super-impressionista Mary Cassatt tenta aceitar a afirmação de Edgar Degas de que “nenhuma mulher tem o direito de desenhar assim”, um gibe induzido pelo agora instantaneamente reconhecível óleo de Cassatt., Mulheres novas que escolhem a fruta .
Com os cotovelos, Cassatt sucintamente rejeitou o francês, empregando um roteiro cursivo descrito pela curadora do Williams College, Nancy Mowll Mathews, como “contundente” - apesar da visão de marca do artista.
Lenore Tawney, uma inovadora artista de colagem e fibra, criou um cartão postal em 1970. (Archives of American Art) “Se [as mulheres jovens colhendo frutas ] resistiram ao teste do tempo e estão bem desenhadas”, escreveu Cassatt, “seu lugar em um museu pode mostrar à geração atual que trabalhamos e aprendemos nossa profissão, o que não é uma coisa ruim. Até hoje, o pintor americano pioneiro continua sendo um modelo para artistas aspirantes em todo o mundo - tanto mulheres quanto homens.
Em termos igualmente pessoais, o artista afro-americano Jacob Lawrence usou o meio epistolário para lidar com o espectro do ódio racista em sua terra natal. Servindo na Guarda Costeira dos Estados Unidos e estacionado em St. Augustine, Flórida, Lawrence estava profundamente sintonizado com o animus dos que o rodeavam. “No norte”, escreveu ele em 1944, “ouve-se muito da Democracia e das Quatro Liberdades, mas aqui você percebe que há uma porcentagem muito pequena de pessoas que tentam praticar a democracia”.
Em um interrogatório incisivo sobre a caligrafia de Lawrence, a professora de história da arte da Universidade de Boston, Patricia Hills, chama atenção para sua florescente capital I, que “parece se transformar em suas iniciais, JL”. Escultura de identidade pessoal em meio à atmosfera alucinante do Jim Crow Era era um poderoso desafio para Lawrence e seus contemporâneos afro-americanos; sua resolutividade diante da incrível adversidade se reflete nas pinceladas seguras, mas às vezes vacilantes, de Lawrence, bem como em suas palavras eloqüentes.
Um exuberante Grant Wood escreve em 1930 sobre como um júri aceitou não uma, mas duas, de suas pinturas, incluindo o gótico americano . (Arquivos da arte americana) Incluir perspectivas diversas como as de Cassatt e Lawrence era, aos olhos de Savig, vital para a integridade do projeto Pen to Paper . Se as questões de raça, gênero e sexualidade fossem consequentes o suficiente para os artistas perfilados lutarem em sua correspondência privada, então, de acordo com Savig, era “importante para muitos dos autores também tocar neles”.
Em muitos aspectos, então, Pen to Paper é um testemunho da resiliência do espírito criativo do artista em um mundo duro e sufocante. Em alguns lugares, porém, o leitor é tratado com expressões de exultação desenfreada - sugestões de uma luz no fim do túnel.
Pegue a última letra da coleção, rabiscada com alegria pelo criador gótico americano Grant Wood, um despretensioso Iowan que em 1930 se viu subitamente e irrevogavelmente colocado no centro das atenções nacionais. Ao saber que duas de suas telas, até então vistas por ninguém fora de seu estado de origem, teriam espaço na parede de uma prestigiada exposição do Chicago Art Institute, Wood dificilmente poderia conter seu entusiasmo. Como diz a especialista em arte de Stanford, Wanda M. Corn, “Wood é tão exuberante que renuncia a uma saudação. "Viva!" Ele exclama em grandes letras vermelhas, rodeadas por uma moldura desenhada à mão. ”A alegria infecciosa de Wood complementa perfeitamente o tom mais sombrio de alguns dos escritos de suas co-seleções, fornecendo um yin ao seu yang.
Em suma, Pen to Paper, apresentado em ordem alfabética, é um volume AZ em todos os sentidos da frase. O livro é um pastiche vibrante, uma sacola com tudo incluído que nos lembra que os artistas em discussão também são seres humanos - “como a revista People!”, Diz Savig. No final das contas, esses grandes inovadores são fundamentalmente iguais a nós, e nós, como iguais, podemos nos sentir à vontade para usar seus exemplos em nossos próprios momentos de necessidade.
