Filippo Tommaso Marinetti foi o primeiro artista na era moderna a pensar na preparação e consumo de comida como arte. O movimento futurista de vanguarda, formado por Marinetti e outros artistas em Milão em 1909, abraçou a era industrial e todas as coisas mecânicas - de automóveis e aviões a métodos de fabricação e planejamento urbano. Eles achavam que cozinhar e jantar, tão importante para o dia-a-dia de todo mundo, também deveria ser central para seus ideais visionários e distantes.
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Em 1932, Marinetti publicou The Futurist Cookbook . Não foi apenas um conjunto de receitas; foi uma espécie de manifesto. Ele lançou a preparação e o consumo de alimentos como parte de uma nova visão de mundo, na qual o entretenimento se tornou um desempenho de vanguarda. O livro prescreveu os elementos necessários para uma refeição perfeita. Esse jantar tinha que apresentar originalidade, harmonia, forma escultural, aroma, música entre pratos, uma combinação de pratos e pequenos canapés variados e saborosos. O cozinheiro deveria empregar equipamentos de alta tecnologia para preparar a refeição. A política não podia ser discutida, e a comida precisava ser preparada de tal maneira que comê-la não exigisse talheres.
As reflexões de Marinetti não poderiam prever o papel que a comida viria a desempenhar na arte quase um século depois. Artistas contemporâneos usaram comida para fazer declarações: políticas (especialmente feministas), econômicas e sociais. Eles abriram restaurantes como projetos de arte, realizaram performances em que a comida é preparada e servida em galerias, e elaboraram esculturas elaboradas a partir de materiais comestíveis como chocolate e queijo. Por mais horripilante que possa ter parecido a Marinetti, alguns artistas de hoje até adotam a comida como uma rejeição de todos e de tudo que é obcecado pelo futuro.
Olhando para trás, a comida sempre desempenhou um papel na arte: os pintores de cavernas da Idade da Pedra usavam suco de vegetais e gorduras animais como ingredientes de ligação em suas pinturas, e os egípcios esculpavam pictogramas de colheitas e pão em tabletes hieroglíficos. Durante a Renascença, Giuseppe Arcimboldo, pintor da corte dos Habsburgos em Viena e, posteriormente, da corte real de Praga, pintou retratos lunáticos em que os traços faciais eram compostos de frutas, legumes e flores.
Quando penso em comida e arte, intuitivamente me lembro das grandes e belas naturezas-mortas da idade de ouro holandesa que encontrei pela primeira vez em uma aula de história da arte do norte da Renascença. Nessas pinturas gloriosas, cada superfície, das brilhantes e emplumadas camadas de carcaças de pato em bandejas de prata brilhante até a pele orvalhada de frutas e bagas, é cuidadosamente apresentada para criar a ilusão de que a festa está bem diante do espectador. Nos anos de 1600, tais pinturas atestaram a riqueza e o envolvimento intelectual dos proprietários. Os alimentos representados tinham um significado simbólico, muitas vezes relacionado a textos bíblicos, e como os objetos eram arranjados - e que haviam sido consumidos - transmitiam uma mensagem sobre a natureza fugaz do tempo ou a necessidade de temperança.
Como um jovem artista, estudei as representações volumosas de maçãs e laranjas de Cézanne. Para pintores pós-impressionistas como Cézanne, a observação da vida era apenas o começo de um processo amplamente imaginativo. Eles valorizavam cores vivas e pinceladas vivas sobre o hiperrealismo do passado.
Durante a era pop art, a comida tornou-se uma metáfora social. Wayne Thiebaud pintou fileiras de tortas e bolos em cores pastéis brilhantes que trouxeram à mente anúncios e brinquedos infantis. Apresentado como exibições em um restaurante, em vez de características familiares da vida privada, seus arranjos refletiam uma sociedade itinerante na qual sobremesas suntuosas significavam a abundância americana.
Este artigo é uma seleção do nosso atlas trimestral de viagens da Smithsonian Journeys
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ComprarPor volta da mesma época, artistas começaram a usar comida de verdade como material de arte. Em 1970, o sérvio artista suíço-alemão Dieter Roth, também conhecido como Dieter Rot, fez uma peça intitulada “Staple Cheese (A Race)” - um trocadilho com “steeplechase” - que consistia em 37 malas cheias de queijo e outros queijos pressionados. nas paredes com a intenção de que elas escorressem, ou "corressem", em direção ao chão. Poucos dias após a inauguração da exposição em Los Angeles, a exposição deu um fedor insuportável. A galeria foi invadida por vermes e moscas e os inspetores de saúde pública ameaçaram fechá-la. O artista declarou que os insetos eram de fato sua audiência pretendida.
As artistas feministas do final da década de 1960 e início da de 1970 consideravam a relação americana com a comida em termos das restrições impostas às mulheres. As feministas afirmavam que o pessoal - incluindo os aspectos mais mundanos da vida cotidiana - era político. Em 1972, Miriam Schapiro e Judy Chicago alugaram uma casa vaga de 17 quartos em Los Angeles que estava programada para demolição e a transformou em uma enorme instalação de arte. Schapiro e outras artistas femininas criaram uma instalação imersiva na sala de jantar, imitando o processo que as meninas seguem ao decorar casas de bonecas. Seu projeto, tanto de desempenho quanto de instalação, condenou o duplo padrão da sociedade - a disparidade de expectativas e oportunidades para homens e mulheres. Enquanto os meninos foram treinados para ter sucesso no mundo, esperava-se que as garotas mantivessem a casa para seus maridos. Mais tarde, artistas feministas como Elizabeth Murray sugeririam que as mulheres são suficientemente poderosas para lidar tanto com o mundo quanto com o doméstico em obras como “Kitchen Painting” (1985), em que uma colher globby ligada a uma figura presidindo uma cozinha parece fugir o plano da imagem e confrontar o espectador.
Em 1974, Chicago voltou a falar sobre o tema da sala de jantar quando começou o “The Dinner Party”, um tour conceitual de força hoje abrigado no Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler, no Brooklyn Museum. Com uma equipe de artesãos talentosos, ao longo de vários anos, Chicago criou uma mesa de jantar triangular de 48 pés de comprimento, com cenários para 39 mulheres culturalmente notáveis, algumas reais e algumas míticas, da pré-história ao movimento moderno de mulheres. Cada cenário inclui um guardanapo artesanal, uma placa de cerâmica, uma taça e um corredor, todos com uma iconografia personalizada para a mulher específica. À medida que a linha do tempo converge no presente, as placas tornam-se cada vez mais tridimensionais, simbolizando a crescente liberdade e o poder político das mulheres.
Durante a década de 1990, muitos artistas ficaram em sintonia com a alienação pessoal que resultaria da introdução do computador doméstico e de outras atividades baseadas na tela. Para remediar a anomia nascente, alguns inauguraram a disciplina da “estética relacional” - agora conhecida menos opaca como “escultura social” - segundo a qual a interação humana, incluindo comer junto, foi concebida como uma forma de arte em si mesma. Um dos praticantes mais proeminentes foi Rirkrit Tiravanija, que começou a cozinhar e servir comida para os espectadores nas galerias, deixando as panelas, frigideiras e pratos sujos na galeria durante suas exposições.
Hoje, artistas iniciantes ainda aprendem a pintar naturezas-mortas de frutas e legumes. Muitos depois se afastam da pintura para buscar uma mídia mais nova e experimental, mas os artistas centrados na comida continuam a acreditar no poder do pigmento na tela. Os pintores de Nova York Gina Beavers, Walter Robinson e Jennifer Coates são bons exemplos. Beavers vasculha a Internet em busca de fotografias de comida, que ela então combina em colagens de várias imagens e pinturas em telas grandes. Robinson está preocupado com o uísque, cheeseburgers e outros objetos de desejo. Coates se concentra em junk food, fazendo pinturas em que s'mores, mac 'n' cheese e pizza assumem formas abstratas. No geral, há uma tensão saudável entre tradição e iconoclasmo na arte culinária contemporânea. Cerca de 85 anos após a sua publicação, o livro de receitas de Marinetti ainda parece estar à frente da curva, embora talvez não muito à frente.
