Quando o curador do Smithsonian, Abraham Thomas, percebeu que o Renwick Invitational de 2018 abriria logo após as eleições de meio de mandato, ele sabia que queria que a exposição jurada fosse mais do que apenas a exibição de artistas emergentes e em meio de carreira. Ele sentiu que deveria dizer algo sobre os tempos - e os quatro artistas selecionados para “Disrupting Craft”, em exibição até maio de 2019, fazem grandes declarações sobre onde estamos.
Thomas, juntamente com a curadora independente Sarah Archer e Annie Carlano, curadora sênior do Museu Mint, escolheram os artistas em grande parte por causa de seu ativismo político e foco no envolvimento da comunidade. A Galeria Renwick, diz Thomas, é o cenário perfeito para incentivar os visitantes a mergulhar em alguns dos grandes debates do momento.
Os museus do Smithsonian “são espaços cívicos importantes onde devemos ser capazes de criar um ambiente seguro onde possamos ter conversas diferentes”, diz Thomas. Ele espera que o programa se envolva com o público sobre "as questões que ele levanta sobre imigração ou sobre identidade cultural complexa".
Uma massa de cabeças humanas de cerâmica sem corpo empilhadas aleatoriamente no chão na primeira galeria fornece um exemplo chocante. O espectador é confrontado pelas figuras carecas, todas com uma fisionomia ligeiramente diferente e nas diferentes tonalidades da pele humana - castanho e preto e, ocasionalmente, branco. O agenciamento do ceramista Sharif Bey, intitulado Assimilação? Destruição? é principalmente sobre globalização e identidade cultural. É também uma referência à identidade de Bey como oleiro e artista de cor.
Uma assembléia de assimilação? Destruição? pelo ceramista Sharif Bey, é principalmente sobre globalização e identidade cultural. É também uma referência à identidade de Bey como oleiro e artista de cor. (SAAM, fotografia de Libby Weiler) A peça nunca é a mesma em qualquer exposição - as cerca de 1.000 cabeças de maconha são trazidas para uma galeria em latas de lixo e “sem cerimônia”, diz Bey, mostrando um vídeo do processo. As cabeças quebram, racham e são socadas em cacos menores. Com o tempo, ele diz, a peça, que ele criou para seu projeto de tese de MFA em 2000, se tornará areia. Em última análise, assimilação? Destruição? significa que “você é tudo e não é nada ao mesmo tempo”. Com suas formas coletivas e individuais mutáveis, o agenciamento também é “um comentário sobre o que significa ser uma pessoa transitória”, diz ele.
Bey, 44 anos, teve suas próprias migrações - de um bairro de classe trabalhadora de Pittsburgh para incubadoras artísticas daquela cidade, tendo aulas no Carnegie Museum of Art, e sendo selecionado para um prestigioso aprendizado pós-escolar no Manchester Craftsmen's Guild. Isso sinalizou uma nova e talvez inédita carreira para uma criança com 11 irmãos em uma cidade industrial. Atualmente professor na Faculdade de Artes e Escola de Educação da Universidade de Syracuse, ele nunca perdeu contato com seu primeiro amor - fazendo vasos funcionais, alguns dos quais estão incluídos no programa da Renwick.
Jarra Azul Esculpida por Sharif Bey, 2007 (Coleção do artista) "Todos nós temos histórias como fabricantes", diz Bey. "Minha orientação é o vaso", diz ele, acrescentando que, enquanto se lembra, trabalhar com argila tem sido terapêutico. Ele freqüentemente trabalha em sua sala de estar enquanto cuida de seus filhos - isso o ajuda a fugir da culpa que sente quando está no estúdio, o que sua esposa diz ser como suas próprias férias, diz ele com uma risada.
Tanya Aguiñiga, 40 anos, também usou sua arte para examinar sua história. Como uma mexicana-americana, nascida em San Diego, que cresceu no México a pouca distância da fronteira com os EUA, ela é uma ativista sem remorso e vigorosa - uma característica nutrida por sua experiência na Oficina de Arte da Fronteira / Taller de Arte Fronterizo quando ela era uma estudante universitária de 19 anos. Depois de ganhar seu MFA em design de mobiliário da Escola de Design de Rhode Island, Aguiñiga perdeu sua terra natal. Uma bolsa americana de artistas-alvo em 2010 lhe deu a liberdade de voltar e aprender tecelagem e bordado de artesãos indígenas.
Border Quipu / Quipu Fronterizo por Tanya Aguiñiga, 2016 (Coleção do artista) Sua última peça, Quipu Fronterizo / Border Quipu, evoluiu de seu projeto, AMBOS - arte feita entre lados opostos e um jogo de palavras - ambos significa “nós dois” em espanhol - e é uma colaboração artística ao longo da fronteira. Quipu significa um sistema organizacional andino pré-colombiano de registro de história. Aguiñiga começou sua Quipu na travessia de San Ysidro, em Tijuana, em agosto de 2016 - depois das declarações depreciativas do candidato presidencial Donald Trump sobre os mexicanos.
Ela e os membros da equipe da AMBOS circularam entre os mexicanos que esperavam para cruzar para os Estados Unidos, ou que moravam ou trabalhavam nas redondezas e pediam que pegassem dois fios de tecido de rayon colorido para amarrar os nós em uma espécie de reflexão sobre a relação entre os dois países, e para responder a um postal que perguntou: ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera? / Quais são seus pensamentos quando você cruza essa fronteira?
A artista tinha seus próprios sentimentos sobre a fronteira - que ela atravessava todos os dias para ir à escola em San Diego, onde ela nasceu, e onde a avó a observava enquanto seus pais trabalhavam na cidade. Ao criar o Quipu, diz Aguiñiga, “pensei em quantos de nós fazemos esse trajeto todos os dias e como ele é tão estigmatizante”. A espera por travessias é longa e os mexicanos são exaustivamente questionados antes de serem autorizados a entrar nos EUA. essa coisa realmente estranha em que você sente que está fazendo algo errado mesmo que não esteja ”, diz Aguiñiga.
Untitled (Driftless) por Tanya Aguiñiga, 2013 (Coleção do artista) "Eu queria avaliar o que as pessoas estavam sentindo porque havia tanto ódio sendo jogado em nosso caminho", diz Aguiñiga, que publicou os cartões postais em um site. Os fios atados foram coletados dos passageiros e exibidos em um outdoor na passagem da fronteira. O conjunto de nós - amarrados em longos fios - e cartões postais, são meditativos e comoventes. Uma resposta de cartão-postal canalizou os pensamentos de Aguiñiga: “Dois países indivisíveis amarrados para sempre como 1”.
Desde então, Aguiñiga recriou o projeto Quipu em travessias de fronteira ao longo da extensão da fronteira. “Na maior parte, os EUA pensam na fronteira como este lugar realmente separado, preto e branco, e não é. É como uma família indo e voltando ”, diz Aguiniga.
Stephanie Syjuco, de 44 anos, nascida nas Filipinas, também critica percepções sobre cultura e “tipos”, freqüentemente usando tecnologia digital para comentar, um tanto descaradamente, como os espectadores consideram as imagens geradas por computador como “reais”. Universidade da Califórnia, Berkeley O professor assistente de escultura não é um artista artesanal tradicional, mas foi escolhido, diz o curador Thomas, para “a forma como o artista utiliza o conjunto de ferramentas conceituais do artesanato e o utiliza para interrogar essas questões em torno da identidade cultural e da história cultural”.
Cultos de Carga: Head Bundle de Stephanie Syjuco, 2016 (Academia de Belas Artes da Pensilvânia, Filadélfia) Syjuco zomba de como o Ocidente vê e consome etnia em cultos de carga: cultos de cabeça e carga: Java Bunny . Nas duas fotografias em preto e branco, Syjuco, como o sujeito, veste-se com uma variedade de tecidos com padrões "étnicos" e elabora "jóias". Os tecidos étnicos são fictícios - muitas vezes, mimetismo digitalizado. Os tecidos foram comprados nos varejistas do shopping e uma das "pulseiras" em torno dos braços é uma corda comprada em uma loja de eletrônicos. Em Java Bunny, Syjuco é colocado contra vários tecidos estampados em preto e branco, mas uma etiqueta “Gap” é visível. A artista diz que foi inspirada por uma técnica gráfica - deslumbrante camuflagem - usada em navios de guerra na Primeira Guerra Mundial para confundir os artilheiros inimigos.
"Eles são uma projeção do que a cultura estrangeira deve ser", diz ela, assim como imagens etnográficas do século XIX. Essas imagens muitas vezes representavam "verdadeiros" nativos, mas a noção de "nativo" não é direta. A ideia de autenticidade “está sempre em fluxo”, diz Syjuco. As Filipinas, por exemplo, são um híbrido de seus colonizadores: Espanha, Japão e América. “Eu não estou dizendo que toda a cultura é inventada. É só que há uma lente através da qual a cultura é filtrada, então o espectador está narrando muito ”.
Estudos de Calibração Neutros (Ornamento + Crime) por Stephanie Syjuco, 2016 (Coleção do artista e Nion McEvoy. Foto por Libby Weiler) Dustin Farnsworth, 35 anos, também começou recentemente a se concentrar em estereótipos culturais. O artista passou parte de sua carreira inicial examinando o impacto do declínio da indústria e da recessão em sua cidade natal, Michigan.
Ele construiu peças arquitetônicas maciças que oscilavam em cima de cabeças esculpidas de jovens que pareciam manequins. O efeito foi transmitir vividamente as pesadas consequências do declínio industrial e civilizacional nas gerações futuras. Vários são apresentados no show Renwick.
Mas uma residência artística de 2015 em Madison, Wisconsin, mudou seu foco. Ele chegou logo após o tiroteio policial do afro-americano desarmado Tony Robinson, de 19 anos. Então, em 2016, enquanto ele estava em uma residência de artista visitante semelhante em Charlotte, Carolina do Norte, a polícia matou Keith Lamont Scott, também um homem negro. Ambos os tiroteios reverberaram intensamente nas comunidades.
"Parecia que isso era muito mais importante do que as coisas que eu estava inventando e projetando", diz Farnsworth, ostentando um chapéu de caminhão com "Dismantle White Supremacy" estampado na frente.
Promontory por Dustin Farnsworth, 2013 (Coleção do artista) Logo após essas residências, ele criou o WAKE . Com suas listras negras diagonais que fazem referência à bandeira dos EUA, ele apresenta dezenas de máscaras de crânio esculpidas em Aqua-Resin exibidas em linhas repetidas sobre um fundo branco. Foi a poderosa resposta de Farnsworth ao efeito entorpecedor de vários tiroteios em escolas. O WAKE, ele diz, lembra as múltiplas definições e usos da palavra - pode ser uma vigília pelos mortos ou sair do sono; e a frase “acordou” é um termo usado nos círculos de justiça social que significa estar consciente, um uso que surgiu do movimento Black Lives Matter.
Farnsworth colaborou com o pintor de sinais Timothy Maddox para criar o WAKE II, um enorme pedaço de 9, 5 por 26 pés no desfile da Renwick. As máscaras de morte do crânio retornam, com centenas de pessoas colocadas sobre um fundo colorido de bandeiras de sloganeers sobrepostas: "Dismantle White Supremacy", "No Justice No Peace" e "No racist police", entre eles. O tamanho imenso da peça não é por acaso.
"Estou muito interessado em memorial", diz Farnsworth. O WAKE II também foi feito para ser em sua cara - uma maneira de agitar o pote sobre tiroteios policiais e justiça social. "Muitos de nós chutamos debaixo do tapete", diz ele.
Ele está agora se afastando dos mortos e elevando os vivos. A Reconstrução dos Santos é sua primeira tentativa. É seu David, destinado a confrontar os Golias de monumentos confederados, diz Farnsworth. O heróico busto de bronze de um menino afro-americano refletindo em direção ao céu é sua tentativa de santificar os jovens das minorias, diz Farnsworth.
WAKE II por Dustin Farnsworth e Timothy Maddox (Coleção do artista) As reações aos santos quando ele estava em andamento - principalmente nas Carolinas - foram estressantemente intolerantes, diz ele. Essa atitude "é algo que precisa ser confrontado, e eu ainda estou descobrindo a melhor maneira de fazer isso", diz Farnsworth.
Thomas diz que ele e seus colegas curadores escolheram Farnsworth e os outros três artistas em grande parte por causa de sua disposição em confrontar atitudes e convenções estabelecidas.
“O trabalho apresentado aqui nos oferece momentos de contemplação no mundo em rápida transformação ao nosso redor e interrompe o status quo para nos unir, alterar nossas perspectivas e nos levar a um futuro mais empático e compassivo”, diz ele.
"Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018", com curadoria de Abraham Thomas, Sarah Archer e Annie Carlano, está disponível até 5 de maio de 2019 na Galeria Renwick do Smithsonian American Art Museum, localizada na Pennsylvania Avenue na 17th Street NW em Washington, DC
