“The Jazz Age” traz à mente flappers, Gatsby, festas épicas e, claro, jazz. Mas se a alta energia definia a era, sua tensão também aumentava - a vida selvagem noturna se deparava com a Proibição; um rápido aumento da inovação americana conflitou com um anseio pela tradição européia; grande prosperidade deu lugar à Grande Depressão. O atrito de todas essas contradições moldou o século que se seguiu - no design popular, talvez mais do que em qualquer outra área da vida americana.
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Essas influências contrastantes e o importante papel que desempenharam na década de 1920 são o tema de um novo espetáculo expansivo, “A Era do Jazz: Estilo Americano na década de 1920”, a primeira grande exposição do museu a olhar diretamente para o estilo americano durante essa era criativa.
O espetáculo, que acontece no dia 20 de agosto no Cooper Hewitt, no Smithsonian Design Museum em Nova York e é co-organizado com o Museu de Arte de Cleveland, destaca essa era significante quando o gosto e o estilo de vida dos americanos passaram por uma transformação. Refletida nos móveis, jóias e design do período, essa era uma época em que os limites estavam sendo testados e, em alguns casos, violados.
"É a fonte de tanto que acontece nos anos 30 e além", diz Sarah Coffin, curadora da Cooper Hewitt e chefe de design de produtos e artes decorativas.
As mais de 400 obras de joalheria, moda, arquitetura, mobília, têxteis e muito mais pintam a imagem de uma era de design descontroladamente enérgica, encorajada por cores vivas e inovação. Para navegar por um assunto tão grande, o show é organizado em dois andares em temas amplos que ajudam a ilustrar as principais tendências e tensões de design que moldam a era.
"Você primeiro reúne o universo de objetos, que é muito mais do que você pode mostrar", diz Stephen Harrison, curador de arte decorativa e design do Museu de Arte de Cleveland, descrevendo o processo de seleção que os organizadores do programa enfrentaram pela primeira vez. “Então você começa a se perguntar: que perguntas eles colocam? Quais adjacências? Quais relacionamentos se desenvolvem? E quando começamos a refinar nossas ideias, refinamos nossos objetos ”.
O primeiro tema que os visitantes encontram talvez seja o que eles menos esperariam: “Persistência do bom gosto tradicional”.
A Era do Jazz não era toda sobre o novo e o diferente: essa era uma época em que os americanos adotavam projetos franceses e ingleses dos séculos XVII e XVIII, buscando antiguidades feitas à mão para elevar sua condição social.
“Havia muita gente nesse país que continuava colecionando antiguidades, comprando reproduções e fazendo coisas de bom gosto tradicional ao longo da década”, diz Coffin.
Mesmo quando o mundo estava mudando rapidamente, os trabalhos originais nos projetos coloniais americanos, assim como os da França e da Inglaterra dos séculos XVII e XVIII, ainda transmitiam status social. A maestria tradicional magistral de uma tela de incêndio de Samuel Yellin, um baú coberto com elementos do manuscrito persa pintado por Max Kuehne e uma secretária feita para uma reprodução da casa de John Hancock com base em um modelo no Metropolitan Museum of Art são exemplos de obras do período. que museus, colecionadores e famílias abastadas coletaram.
Mas os novos estilos europeus também estavam afetando os estilos americanos. Eventos como a Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas de 1925, realizada em Paris, ajudaram a expor e educar os americanos sobre os novos projetos que estreavam no Atlântico. Os museus de todo os EUA (Cooper Hewitt e Cleveland Museum, bem como o Chicago Art Institute , o Newark Museum, o Metropolitan Museum of Art, o Brooklyn Museum) exibiram as obras, adquirindo muitas das peças e disponibilizando algumas para compra ao poço de salto alto.
A Era do Jazz: Estilo Americano na década de 1920
Capturando o pulso dinâmico da música de jazz da era, esta publicação ricamente ilustrada explora o gosto e estilo americano durante a idade de ouro dos anos 1920. Após os anos destrutivos da Primeira Guerra Mundial, esta florescente década marcou um renascimento da inovação estética que foi cultivada em grande parte pelo talento e patronato americano.
Comprar“Todos esses museus ou criaram fundos para a aquisição de artes decorativas européias modernas durante este período ou abrigaram shows de design europeu moderno que poderiam ser vendidos no varejo”, diz Emily Orr, curadora assistente do projeto americano moderno e contemporâneo da Cooper Hewitt.
Para aqueles com renda menos disponível, as réplicas logo se tornaram difundidas e facilmente adquiridas - um tema abordado na seção da exposição “Um mundo menor”. Um dos grandes veículos para essa mistura de influências era a loja de departamentos. Lugares como Lord & Taylor e Macy's iniciaram suas próprias oficinas onde artesãos criaram peças no estilo europeu e as tornaram acessíveis ao consumidor médio.
“É muito difícil para as pessoas pensarem hoje, mas o presidente do Metropolitan Museum escreveu a introdução de um catálogo de uma exposição que aconteceu na Macy's”, diz Coffin. “O museu percebeu que seu trabalho era obter os valores de bom design e assim por diante para o público americano e conscientizar o consumidor americano de que o apoiariam - não poderia estar apenas em um museu.”
Isso criou uma interação peculiar entre o exclusivo e o mainstream, bem como o privado e o público. Coffin aponta para um impressionante par de portas duplas do escultor Séraphin Soundbinine e do designer Jean Dunand que ancora a exposição.
Solomon Guggenheim encomendou as portas - cada uma com um anjo no topo de um arranha-céu tocando uma corneta. Depois de visitar a Feira de Paris de 1925 e ver o trabalho de verniz de Dunand, Guggenheim se convenceu de que a sala de música em sua casa em Port Washington precisava de tal peça.
"Você não poderia imaginar que as pessoas que tinham esse tipo de mobília em estilo baronial nesta casa poderiam ter o gosto de fazer isso", diz Coffin. "Mas aparentemente eles decidiram que queriam fazer isso."
Depois que as portas foram concluídas, os Guggenheim os colocaram em público numa galeria antes mesmo de trazê-los para casa. Foi uma incursão antecipada na compra de arte e na curadoria que logo cresceria (a primeira aquisição de arte moderna aconteceria um ano depois).
É claro que não podemos pensar nos anos 20 sem considerar a cultura estridente e que empurra os limites. A seção “Dobrando as Regras - Pisando”, transmite essa noção de possibilidade e muda as normas e mostra como a música jazz e o mundo social em torno dela moldaram o design. Vasos com dançarinos de jazz e um tecido chamado Rhapsody, bem como clipes de Duke Ellington e outros artistas do Cotton Club reverberam com a energia da época. Joias que complementam as novas modas - colares compridos que os flappers usariam, um colar de rubi esculpido da Van Cleef & Arpels, uma fivela de 1926 com um escaravelho (a tumba do rei Tut foi escavada em 1922, então um visual egípcio pegou jóias ), e um par de peças Cartier pertencentes a Linda Porter, esposa do compositor Cole, bem como outros acessórios para maquiagem e tabagismo, refletem a liberação de espírito livre da época e a mudança de costumes sociais.
Esse estilo de vida despreocupado também era algo de importância européia. Uma pintura do artista de Nova Orleans, Archibald Motley, "resume tudo", como diz Coffin - o artista passou um ano em Paris com uma bolsa Guggenheim, e a cena captura a energia da época - um clube mestiço, pessoas dançando, música jogando, uma mulher fumando um cigarro e vinho fluindo livremente.
A influência européia veio não apenas de uma maior facilidade e interesse em viajar, como mais americanos visitaram e estudaram no exterior, mas também dos efeitos em cascata da Primeira Guerra Mundial. Muitos designers tinham fugido para os EUA antes e durante a guerra, trazendo suas próprias influências e interesses - emigrados como Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen e Richard Neutra trouxeram consigo experiência na abstração européia, bem como uma admiração por Arranha-céus americanos e energia cosmopolita. Isto é talvez melhor ilustrado no show por Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . A influência se estendeu aos materiais que esses europeus usaram também.
"Os europeus foram os primeiros a dobrar o cromo para seus móveis, e foi esse sinal imediato do novo, mas também tem a ver com acessibilidade e um desejo de limpeza em comparação com formas vitorianas ornamentadas e detalhadas", diz Orr. "Também foi usado em carros e rádios e simbolizou o futuro".
A cadeira cantilever é um dos principais ícones desta época. A adaptação da forma em uma variedade de materiais mostra como a industrialização moldou a era. Ele foi originalmente projetado para ser flat-packed e produzido em massa, mas foi transformado em madeira e couro e adotado pelos estúdios da Walt Disney para suas salas de projeção.
"O designer industrial é uma figura neste período provocada por muitos fabricantes em toda a mídia que querem atualizar suas linhas tradicionais para o consumidor moderno", diz Orr.
Como Harrison coloca, "Queríamos definir o gosto ao olhar para aquelas coisas de aparência moderna versus aquelas que eram modernas em forma e inovação e tecnologia".
"A Era do Jazz: Estilo Americano nos anos 1920", está em exibição no dia 20 de agosto no Cooper Hewitt, Museu Smithsonian de Design, em Nova York.
