"Estou começando a listar o céu como um dos meus materiais", diz a escultora Janet Echelman, que produz esculturas aéreas que estão suspensas em espaços aéreos urbanos.
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ComprarSuas peças, criadas a partir de fibras de alta tecnologia desenvolvidas originalmente para os trajes espaciais da NASA, são descritas como “vivas e respirantes”, porque ondulam e mudam de forma ao vento. Durante o dia, eles lançam sombras e, à noite, são transformados por luzes controladas por computador em “faróis luminosos e brilhantes”.
Echelman é um dos nove principais artistas contemporâneos contratados para criar instalações para a exposição inaugural intitulada "Wonder" na Renwick Gallery do Smithsonian American Art Museum.
Para o histórico Grand Salon de Renwick, Echelman criou uma peça imersiva, chamada 1.8, que incorpora seu primeiro tapete têxtil feito de fibras de náilon regeneradas de velhas redes de pesca, bem como uma corda e cordel esculpida à mão no teto.
"A peça tem como objetivo mostrar como o nosso mundo está interconectado, quando um elemento se move, todos os outros elementos são afetados", diz Echelman. (Todd Erickson) "Eu queria que o visitante estivesse dentro do trabalho", diz ela com uma leve cadência sulista que sugere suas raízes na Flórida. O assento é polvilhado em toda a galeria para permitir que os visitantes observem o inchaço e o surgimento da rede, que será causada por rajadas de vento artificiais fabricadas pela equipe criativa da Echelman.
“Do lado de fora, trata-se muito de responder ao meio ambiente, mas para essa exposição conseguimos esculpir as correntes de ar para coreografar o movimento”, explica ela.
De acordo com Echelman, sua escultura é inspirada em dados fornecidos pela NASA e NOAA, a Administração Nacional Oceânica e Atmosférica, medindo os efeitos do terremoto e do tsunami que devastaram Tohoku, no Japão em 2011. A forma da rede é baseada em uma imagem 3D da força do tsunami criada pela equipe de Echelman.
“A peça visa mostrar como o nosso mundo está interconectado, quando um elemento se move, todos os outros elementos são afetados”, diz ela.
Echelman tem sido amplamente reconhecida por sua forma de arte inovadora. Ela ganhou uma bolsa Guggenheim por sua excepcional habilidade criativa, recebeu o prêmio Smithsonian American Ingenuity e deu uma palestra no TED em 2011 que já rendeu quase 1, 5 milhão de visualizações.
A arte visual, no entanto, não foi a primeira paixão de Echelman. Ela cresceu tocando piano e frequentando o acampamento de verão no Instituto Tanglewood, um programa pré-profissional associado à Orquestra Sinfônica de Boston. Ela também ganhou uma prestigiada competição regional que lhe valeu um cobiçado lugar solista com a Florida Orchestra.
“A música me ensinou a paciência para desmontar coisas e melhorar cada componente, mas para o meu trabalho profissional diário, eu gosto de uma tela em branco em vez de reinterpretar o trabalho de outra pessoa”, explica ela.
Enquanto estudava em Harvard, ela fez suas primeiras aulas de artes visuais; e uma tarefa - escrever sobre todo o corpo de trabalho de um artista - inadvertidamente a colocou em seu caminho atual. Ela escreveu sobre Henri Matisse e traçou sua trajetória de pintura para os recortes de papel que ele desenvolveu no final de sua vida quando ele estava em cadeira de rodas.
“É assim que quero viver. Eu quero ser responsável por definir o meu meio ”, lembrou Echelman pensando.
Após a faculdade, ela foi aplicada a sete escolas de arte e foi rejeitada por todos eles, então ela decidiu se mudar para Bali para se tornar uma pintora sozinha. Echelman viveu na Indonésia por um curto período durante um programa de juniores no exterior, e ela queria colaborar com os artesãos locais para combinar os métodos têxteis tradicionais do Batik com a pintura contemporânea.
Para o Grand Salon histórico de Renwick, Echelman criou uma peça imersiva que incorpora seu primeiro tapete têxtil, feito de fibras de nylon regeneradas de velhas redes de pesca, bem como a escultura em cima. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) Echelman diz que seus pais tinham opiniões diferentes de seu plano não ortodoxo. “Meu pai, um endocrinologista, perguntou se algum dos meus professores de faculdade havia me dito que eu tinha talento e deveria me dedicar à arte. A resposta foi não ”, ela admite. “Mas minha mãe, uma ferreira de metal e designer de jóias, achou que era uma boa coisa querer fazer e me deu US $ 200 para comprar suprimentos”, lembra ela.
"Não era que eu tivesse o objetivo de me tornar um artista, mas eu queria estar envolvido na criação de arte todos os dias", diz Echelman.
Nos dez anos seguintes, Echehlman pintou e estudou várias formas de artesanato de alta arte e artesanal por meio de uma mescla de bolsas, bolsas e trabalhos de ensino. Ao longo do caminho, ela conseguiu um Mestrado em Artes Visuais pela Bard College e um mestrado em Psicologia pela Lesley University.
“Meu sistema era ir e aprender métodos artesanais passados de geração em geração”, explica ela. Ela buscou oportunidades para estudar caligrafia chinesa e pincel em Hong Kong, fabricação de rendas na Lituânia e projeto de jardins budistas no Japão.
Imortalizada em sua palestra no TED é a história de como ela teve a ideia de criar uma escultura volumétrica a partir de redes de pesca. Echelman estava em uma Palestra Fulbright na Índia em 1997, onde ela planejava ensinar pintura e exibir seu trabalho. As tintas que ela enviou da América não chegaram e, enquanto procuravam outra coisa para trabalhar, ela notou os pescadores empacotando suas redes na beira da água.
Beanbags e bancos são polvilhados por toda a galeria para permitir que os visitantes observem o inchaço e o surgimento da rede. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) Quase duas décadas depois dessas primeiras esculturas de redes de pesca, conhecidas como a Série Bellbottom, Echelman criou dezenas de obras de arte que voaram sobre espaços urbanos em quatro continentes. Sua primeira escultura permanente ao ar livre foi instalada sobre uma rotatória no Porto, Portugal, em 2005. O trabalho, chamado Ela muda, consiste em uma rede de uma tonelada suspensa de um anel de aço de 20 toneladas. Apenas cinco anos depois, os materiais de alta tecnologia se desenvolveram tão rapidamente que ela agora podia anexar suas esculturas às fachadas dos edifícios sem a necessidade do suporte pesado do anel de aço.
Manter suas esculturas permanentes é um assunto sério. Essas peças, que flutuam sobre cidades como Seattle, Washington, Phoenix, Arizona e Richmond, na Colúmbia Britânica, passam por protocolos de manutenção regulares para garantir que estejam seguras no ar. Proteger a vida selvagem também é uma prioridade para a Echelman. O site do artista sustenta que suas esculturas não prejudicam as aves porque suas redes são feitas de cordas mais grossas com aberturas mais largas do que as usadas para prender pássaros.
Para cada novo trabalho, Echelman consulta com um quadro de arquitetos, engenheiros aeronáuticos, designers de iluminação e programadores de computador em todo o mundo.
“Eu não tenho um conhecimento profundo de todas essas disciplinas. Mas eu me considero um colaborador ”, diz ela. "Eu tenho uma ideia, uma visão e trabalhamos juntos para perceber isso", continua ela.
Echelman também reconhece com gratidão que percebeu os objetivos gêmeos que estabeleceu para si mesma como uma recém-formada em um século anterior. Ela conseguiu definir seu próprio meio e está felizmente envolvida na produção de arte todos os dias.
Janet Echelman é um dos nove artistas contemporâneos apresentados na exposição “Wonder”, em exibição de 13 de novembro de 2015 a 10 de julho de 2016, na Renwick Gallery do Smithsonian American Art Museum em Washington, DC A instalação de Echelman encerra em 8 de maio de 2016 .
