Por 50 anos, o artista William T. Wiley abordou temas sérios com humor e um senso do absurdo. Uma retrospectiva de seu trabalho, intitulada "What's It All Mean", está atualmente em exposição no Smithsonian American Art Museum.
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Não obstante o título da exposição, se você olhar para trás em sua carreira, o que tudo isso significa?
O que tudo isso significa? Isso significa que tem sido maravilhoso, apesar do que eu possa pensar quando estou no estúdio lutando por uma peça em particular. É muito bom vir e ver isso de volta, tanto tempo e essas muitas imagens com as quais eu estive envolvido, ou elas estiveram envolvidas comigo, ou o que seja.
De onde você começou? Qual foi o ponto em que você decidiu se tornar um artista?
Eu decidi desde cedo quando era criança que eu seria uma artista de algum tipo. Um dos meus primeiros heróis foi Fred Harmon, que desenhou uma história em quadrinhos chamada Red Ryder e o Little Beaver . Tema de vaqueiro. [Harmon] era um fazendeiro de verdade e às vezes na parte de trás da história em quadrinhos, havia fotos dele no rancho ou em seu estúdio, mas através da janela você podia ver vacas, cavalos e vaqueiros. Quando eu tinha 10 anos vendemos a pequena fazenda [em Indiana], eu tinha alguns cavalos. Cowboys, isso era um desejo inicial, como estava desenhando. Aos 10 anos, vendemos a fazenda e meu pai comprou um trailer e nos mudamos para o oeste. A mudança e tudo o que aconteceu quando eu estava no ensino médio e conheci James McGrath, um jovem professor, acho que foi sua primeira tarefa de ensino, e ele abriu o mundo da arte para mim.
Não muitos artistas abrem um show em um grande museu com um jogo de pinball?
Sim, provavelmente ninguém. Na verdade, o homem cuja máquina é e cujas máquinas ele doou para o projeto porque não era apenas um; nós fizemos um número deles, basicamente o mesmo. Ele era um colecionador de máquinas de pinball. Richard Lang, da Electric Works Gallery, disse certa vez - ele estava olhando para todas as máquinas de pinball - "Como seria um artista desenhar uma máquina de pinball?" Essa é uma ideia interessante.
Então Richard e eu somos vizinhos; nós moramos em San Geronimo. Ele veio até mim e disse: "Como você gostaria de projetar uma máquina de pinball?" Eu disse: "Claro. Por que não?" E é aí que começou. Este era um tipo particular chamado North Star. Então, tiramos tudo de volta ao essencial, e comecei a pensar em coisas para colocar nele. Eu mesmo não era um jogador de pinball pesado quando criança. Estavam em todos os cafés, e eu ia a um café e meus pais, ainda comendo, diziam: "Bem, aqui vão brincar da máquina de pinball", e eles me davam um quarto ou dez centavos ou algo assim. E então eu toquei algumas vezes, mas eu não estava esperando que de alguma forma uma máquina de pinball entrasse na minha vida, e eu a projetaria.
Quando isso ocorreu, foi apenas uma grande oportunidade. Por que não? Experimente e veja o que acontece. O que me fez ciente foi o vasto mundo de pessoas envolvidas em máquinas de pinball. E há. É como um culto. Existem pessoas que as colecionam. Há um homem em Oakland que tem cem máquinas em um armazém, e eu nunca estive lá, mas aparentemente você pode dar a ele dez dólares e jogar o dia todo. Na verdade, desde que me envolvi no projeto, houve uma exposição no Centro Marítimo [Marin] de San Rafael, que Frank Lloyd Wright projetou, onde era uma exposição de máquinas de pinball. Você entra neste grande edifício e derramou máquinas de pinball de todas as variedades, de todos os tipos, desde o mais antigo até o mais recente. Toneladas de pessoas ali brincando. É como descobrir todo esse outro grupo que coleciona tampas de latas de lixo ou algo assim. É só, meu deus, eu não sabia que esse mundo existia. Então, foi assim que entrou na minha vida.
Andando pelas galerias, pode-se perceber muitas influências, Bosch, Bruegel, Duchamp, NC Wyeth ... Como esses mestres informam seu trabalho?
Para mim, como artista, em diferentes momentos, esses vários artistas se tornaram importantes por um motivo ou outro. Eu tinha um amigo Holbrook Teter que trabalhava para os Quakers e estava fazendo muito trabalho social. Ele foi para a área ao redor de Chernobyl após o acidente e voltou e me trouxe suas anotações sobre as pessoas que moravam naquela zona que haviam sido fortemente irradiadas e quais eram seus problemas, preocupações e preocupações. E foi tão devastador e ao mesmo tempo em movimento. Eu queria fazer algo sobre isso. Eu queria dar essa informação de volta de alguma forma.
Eu tentei algumas coisas e nada que eu fiz em termos de tentar ilustrar alguns exemplos que ele deu lá me satisfez. Eu meio que não sabia o que fazer. Eu tenho um livro sobre a Bosch. Abri a porta e havia um detalhe da Tentação de Santo Antônio. Havia uma pequena aldeia queimando. E isso me fez pensar em Grebeny, uma das cidades que ele frequentou e pensei que seria assim que eu poderia trabalhar as anotações, usando Bosch. E então isso entrou em Bruegel. Parecia que as imagens deles eram mais apropriadas, embora eu as tenha mudado. Como a aldeia em chamas é um detalhe minúsculo na Bosch e eu explodi-lo para um tamanho diferente. Então, essas pessoas, Duchamp, HC Westermann, em momentos diferentes, quase como um fantasma durante a noite, aparecem e você se inspira nelas.
Eu vi o que eu achava que era uma referência à Guernica de Picasso naquela peça lá atrás. Eu pensei que era apenas um paralelo, com a aldeia e o que você estava tentando dizer. Isso é parte do seu pensamento?
É a mesma ideia. Acontece que é Chernobyl não Guernica. Está fora do mesmo tema, o mesmo impulso de representar de alguma forma alguns desses horrores que criamos para nós mesmos. Uma das histórias que eu lembro lá era um homem que disse que sabia que as coisas não eram tão boas, mas ele ainda procurava na floresta por frutas e comida e coisas assim, cogumelos. E eu disse: "Mas você não sabe que todas essas coisas são fortemente irradiadas?" Ele disse, sim, ele sabia disso, e quando disse isso, ele corou. Ele estava envergonhado com o fato de que, embora soubesse que era venenoso, ainda estava em busca de comida. E há uma peça que não está no programa chamada We Eat The Berries and Blush. Algumas delas eram difíceis, eu não estava tentando fazer uma tradução direta, mas eu estava tentando fazer uma associação porque o horror é muito sutil, é muito pouco provável, quanto mais macabro você fica com a imagem, mais você começa a perder o que é realmente a essência do material.
Há muita relevância para as pinturas e outras obras, Chernobyl, a morte de Amadou Diallo. Existe uma chave para entender suas mensagens?
Tenha empatia.
Você ensinou na University of California Davis durante a década de 1960. Qual é a diferença fundamental entre aluno e professor?
O nome.
Você diz que aprendeu mais como professor do que quando era estudante. Seus alunos também estão informando seu trabalho?
Ah, bem, eu não estou mais ensinando, mas os alunos também informaram o meu trabalho. Você nunca sabe quem vai te ensinar alguma coisa. Claro, eu estou aprendendo através de fontes incomuns ou não óbvias o tempo todo. Você nunca sabe onde algo vai te inspirar ou te mover para tentar fazer alguma coisa.
Sua esposa também é artista e seus filhos?
Sim, eles estão. Um trabalha no cinema, o mais antigo, Ethan Wiley. Se você já viu o filme House, ou House II: The Second Story . Esses são os primeiros filmes dele. E meu segundo filho é um artista. Não do jeito que estamos falando. Ele ensina escola primária e também ensina a pescar no verão a crianças e pais que não sabem nada sobre a terra ou o deserto.
Você parece amar o trocadilho brincalhão e transformar palavras. Jesus Salva para Jesus Escravos, Sabedoria para Wizdum, Choque e Estupor para Chocar e Ranger. Você está se divertindo?
Pode apostar. Você está?
Você poderia elaborar?
Alguém perguntou a James Joyce se seus trocadilhos eram triviais. E ele respondeu: "Eles são pelo menos quadriviais". Os trocadilhos são uma maneira de colocar mais de um significado em algo - e quase tudo tem mais de um significado. Você e eu podemos alegar concordar com o que uma obra de arte significa, mas ainda não sabemos realmente se estamos no mesmo comprimento de onda ou se temos o mesmo gosto em nossas bocas.
Alguns críticos não levam seu trabalho a sério por causa de sua brincadeira. O que você tem a dizer para esses críticos?
Eles são muito sérios. Estar preso neste planeta sem humor não seria muito divertido. Esses críticos devem seguir o exemplo de Arthur Schopenhauer, que acreditava que o humor é nosso único traço divino. Eu tive pessoas ocasionalmente, talvez quando o trabalho é na Costa Leste, diga "Eu não tenho tempo para tudo isso".
Eu pensei que era isso que a arte era. Algo que levaria tempo, isso poderia levar tempo. Que você viria de novo e de novo. Você não pode ter tudo assim. Neste mundo de hoje, a instantaneidade eletrônica, é que não temos paciência. Você sabe tudo sobre arte supostamente. Não há tempo para contemplação ou se aprofundar em si mesmo ou reflexão ou qualquer outra coisa. Você tem que saber para que serve, o que vale e se importa ou não. E outra pessoa está lhe dizendo isso ao invés de você decidir por si mesmo. Na verdade, eu acho que o Centro-Oeste tem um senso mais forte de si mesmo, menos fustigado por tendências e modismos e coisas que acontecem nas Costas. As pessoas inventam mais do que pensam sobre o que é de valor, o que atrai mais do que contratar um curador para me trazer as últimas coisas importantes.
Você é descrito principalmente como um artista da Costa Oeste, mas você diria que crescer no meio-oeste influenciou você?
Sim. Todo lugar em que eu fui, passei um inverno na costa leste, em 1967 e 1968, tive um grande impacto em mim. Eu acho que, se você está aberto até certo ponto ou pelo menos acredita que você é que você não pode ajudar, mas ter onde quer que você esteja tem algum tipo de impacto ou te ensinar algo ou mostrar algo que você não sabia antes. Então, sim, a Costa Oeste definitivamente teve um efeito sobre mim, como eu disse que o inverno de volta East também.
Você disse que gosta de puxar a barba de alguém importante.
Bem, sim, um pouco. Assim como eu preciso ser puxado ocasionalmente, acho que todos nós fazemos. Estamos muito bem preenchidos com nossa importância pessoal, e citei Shunryu Suzuki Roshi, que é quem estabeleceu o Zen Center em São Francisco, e ele faz uma série de palestras, que foram colocadas em um livro chamado "Beginner's Mind". " A declaração de abertura do livro diz que você deve manter a mente do principiante, porque na mente do principiante existem muitas possibilidades e, no caso do especialista, poucas. E estamos vivendo com a queda disso ao nosso redor.
Depois de tudo dito e feito, e você vê 50 anos de seu trabalho exibido aqui no Smithsonian, como se sente?
É maravilhoso. Sinto-me humilde e profundamente honrado por o Smithsonian assumir essa tarefa. Então sou muito grato. É maravilhoso ter sido tratado dessa maneira. Um dos meus vizinhos, ele costumava estar na Costa Leste, ele agora tem uma pequena galeria de arte ou algo assim. Eu o vi recentemente e seus olhos eram do tamanho de discos. "O Smithsonian?" ele diz "está fazendo o seu show". "Eu vou voltar." E assim, eu simplesmente não poderia estar mais feliz.
Você se referiu à exposição do Smithsonian como um sítio arqueológico. Por quê?
É como um sítio arqueológico porque tudo não é imediatamente óbvio. Pode haver um osso saindo, mas você cavar um pouco e descobrir mais. Eu acho que se você der tempo, meu trabalho vai falar mais com você - e quanto mais você cavar, mais você poderá descobrir.
Sua arte tem uma mente própria?
Possivelmente. Estou fazendo isso ou está me fazendo.
Meridian Moons Overwhatarewe, 2006. William T. Wiley. (Galeria John Berggruen / SAAM) 
Uma retrospectiva do trabalho do artista William T. Wiley está em exposição no Smithsonian American Art Museum. (SAAM)
