Vestindo sua arte em sua manga

A arte de vestir ocupa um lugar único no universo criativo. Escaldante em moda, artesanato e arte, esta classificação híbrida tem procurado historicamente elevar o vestuário acima do seu papel prático. Desde a década de 1890, desde os pré-rafaelitas até os anos 30, até os ecodesign de hoje, esses artesãos reconhecem que as roupas que vestimos representam idéias e opiniões.

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Muitas vezes ligados aos preceitos do surrealismo ou Dada, esses artistas começaram a experimentar as formas, padrões e materiais de jóias e roupas. De fato, o surrealismo como movimento ganhou a estima popular de suas incursões na moda.

No ápice dessa fusão de arte de vanguarda e alta costura, uma estilista italiana de renome chamada Elsa Schiaparelli colaborou com luminares surrealistas como Jean Cocteau e Salvador Dalí. Com Dali, Schiaparelli criou uma de suas roupas mais marcantes: o vestido Lobster, um vestido de organza de seda creme acentuado com crina sintética criada por Schiarparelli, que Dali então ornamentou com uma lagosta salpicada de salsa grande.

Também chamado de movimento artesanal, incluindo arte em fibra, artesanato em couro, jóias de todos os materiais e qualquer coisa imaginável para se enfeitar, o movimento de arte vestível não se identificou como tal até a década de 1960. No entanto, muitos reconhecem que os artistas modernistas e joalheiros que criaram entre 1920 e 1950 estão entre os primeiros produtores de artesanato.

Esta semana, as obras de 50 artistas que vendem de tudo, de jóias, roupas, cachecóis e bolsas, acontecem no evento anual de arrecadação de fundos Craft2Wear, do Smithsonian Institution, no National Building Museum, em Washington DC Produto do show produzido pelo Smithsonian Women's Committee. subvenções e doações para pesquisa na Instituição.

Três artistas, Starr Hagenbring, Susan Sanders e Kathleen Nowak Tucci, trabalhando em uma variedade de materiais físicos e com décadas de experiência em design, estarão entre os que oferecem itens à venda no evento. Sua arte apareceu em todo o mundo - de uma capa da Vogue Italia à lapela de Margaret Thatcher na televisão aberta.

Unindo estes três artistas e o show Crafts2Wear é um permanente interesse em combinar alta e baixa arte e materiais, em consonância com a missão disruptiva do Movimento de Arte Wearable ambientalmente consciente dos anos 1960 e 70.

Hagenbring transforma insetos amplamente insultados em tapeçarias complexas e iridescentes, transformando “o feio em bonito”. Tucci se deleita em criar “algo de excepcional valor a partir de algo que teria acabado em nossos aterros sanitários.” E Sanders, elaborando a justaposição entre alta e materiais de baixa qualidade, funciona em uma plataforma de ultra-tecnologia - impressão 3D - com materiais industriais baratos, encontrando a arte onde ela pode não ser esperada.

Starr Hagenbring: a beleza dos insetos

A Hagenbring, com sede em Nova York, continua a tradição de fibra de vidro pintada de Dali e Schiaparelli, usando tecido como tela, entrelaçando fios coloridos e aplicando tintas brilhantes e opalescentes para criar quadros marcantes. Seu ofício, que pode ser visto e comprado em sua loja em Nova Orleans, Art & Eyes, aborda vários assuntos: silhuetas clássicas e exóticas, desenhos abstratos e, mais recentemente, insetos realistas e abstratos.

Sua criatividade deriva do desejo de superar as aversões pessoais.

Quando criança, as aranhas a apavoraram até que ela se desafiou a se envolver profundamente no mundo delas. Ela encontrou sua beleza intrincada. E a experiência estimulou uma fascinação vitalícia.

Cerca de 25 anos atrás, enquanto visitava a Birmânia, Hagenbring encontrou uma parede de garagem, coberta quase inteiramente com insetos de vários tipos e tamanhos. Foi como ela se lembra, “uma exibição do Smithsonian Institution de insetos”. Surpresa demais para sentir repugnância, ela examinou a “exibição” e descobriu uma diversidade de tamanho, formas de asas, padrões geométricos, cantilevers ocultos e beleza geral. Agora, a multiplicidade e força dessa criatura infunde muito de sua arte vestível.

Os insetos inspiraram a criação de objetos de arte durante séculos, das tradicionais máscaras africanas às pinturas cubistas de Picasso, uma herança que Hagenbring reconhece. Concentrando-se em sua beleza inesperada e não se esquivando de detalhes grandes e realistas, Hagenbring diz que superou o "fator ew " que muitas pessoas associam aos insetos. Seu objetivo é atrair as pessoas para encontrar a beleza inesperada e informa um desejo mais amplo de incentivar as pessoas a, como ela diz enfaticamente: “Pare, pare, pare. Veja o que temos ao nosso redor.

Kathleen Nowak Tucci: Estética Ecológica

Nos anos 1960 e 1970, o recém-nomeado Movimento de Arte Wearable também abraçou a consciência ambiental como parte de sua missão, enfatizando as texturas e qualidades de materiais naturais e sustentáveis. Os membros da comunidade nascente fundiram a estética com a função, procurando romper os rankings tradicionais ou hierarquias dentro de comunidades artísticas que elevam a arte “fina” acima do artesanato utilizável. Uma ênfase no trabalho têxtil - anteriormente dispensado da legião de altos artistas como “trabalho feminino” - acompanhou o crescente movimento de liberação das mulheres.

Semelhantemente imbuído de moeda política, o recente trabalho de Kathleen Nowak Tucci se conecta com crescentes preocupações globais sobre destruição ecológica, desperdício e poluição, e estende o interesse dos artistas vestíveis tradicionais em materiais “baixos” ou ultrapassados ​​para tubos de bicicleta descartados, cabos de freio de aço descartados e usou cápsulas de café Nespresso. Suas joias recicladas começaram com tubos internos “liberados” das lixeiras de oficinas de bicicletas.

Embora atingida pela quantidade de dejetos humanos que ela encontra, resgatando as lojas de bicicletas e motocicletas Harley-Davidson em Pensacola, Flórida, Tucci foi inicialmente atraído a trabalhar com borracha porque os "materiais são tão fabulosos". As propriedades maleáveis ​​da borracha e as qualidades de proteção do aço criam uma aparência nervosa que lembra a corrente de malha medieval - mas muito mais usável.

Em 2010, a Vogue Italia apresentou as jóias de Tucci na capa de uma reportagem sobre o recente derramamento de óleo da BP no Golfo. Como alguém testemunhando as poças gordurosas sujando a água, Tucci ficou grato por poder materializar uma mensagem de resiliência e a esperança de ressurreição através de seus adornos recuperados. Não muito tempo depois, Tucci viu uma caixa de cápsulas Nespresso cor de doces no escritório de seu designer gráfico e começou a suplementar o preto fosco das câmaras de ar com os tons cintilantes de alumínio anodizado resgatado das lixeiras de escritório. Por fim, ela percebeu que as cápsulas da Nespresso mantinham suas próprias e criavam peças autoconfiantes e brilhantes. Em maio de 2015, Tucci ganhou o Saul Bell Design Award em Materiais Alternativos, uma categoria que inclui qualquer material não um metal precioso. Em seguida para o eco-designer? Tucci adoraria ver uma peça de declaração reciclada percorrer o tapete vermelho de Hollywood em um evento importante (Maggie Gyllenhaal ou Tilda Swinton poderiam fazer isso lindamente).

Susan Sanders: Impressão 3D de sua obra cativante

Nos anos 80, a arte vestível refletia a estética pop e os materiais artificiais populares da época. Os estilos gráficos e o trabalho de apliques planos enfatizavam as imagens de superfície. No século 21, os criadores de arte-para-usar continuaram a experimentar técnicas e materiais, incluindo, mais recentemente, a impressão 3D. A nativa de Washington, Carolina do Sul, Susan Sanders começou sua carreira no meio há alguns anos, depois de passar anos aprimorando sua estética em vários materiais, incluindo prata, ouro, seda, microfibra e pedra. Seu trabalho apareceu em galerias em todo o mundo e foi vendido para um amplo espectro de clientes.

Anos atrás, quando Sanders estava fabricando broches grandes e totalmente articulados de metais preciosos, ela produziu um mosquito particularmente grande e marcante. Não muito depois de a loja do museu no Whitney em Nova York ter vendido a criação, a secretária de Estado dos Estados Unidos, Madeleine Albright, apareceu na televisão usando-a. O pin também aparece no livro de Albright, Read My Pins: Histórias da Caixa de Jóias de um Diplomata , e como parte de uma exposição itinerante, que chegou à Smithsonian Institution em 2010.

Sanders usou tantos materiais diferentes ao longo de sua carreira de 42 anos - durante os quais trabalhou em Alexandria, na Fábrica de Torpedos da Virgínia - porque gosta de refrescar sua percepção artística periodicamente. Então, quando viu pela primeira vez jóias impressas em 3D há alguns anos, seu interesse foi despertado. Após um curso de software para faculdades comunitárias, um workshop de fim de semana, incontáveis ​​vídeos instrutivos do YouTube e ainda mais suposições e experimentos, Sanders começou a produzir sua própria jóia impressa em 3D, inicialmente em preto fosco e depois pintada à mão em tons brilhantes. muitos ângulos entrelaçados de sua obra cativante. Sanders, que é formada em design industrial pela Carnegie-Mellon, diz que “seu gosto se inclina para formas geométricas” e o processo abstrato de formular seus designs parece que ela “voltou para casa”.

Seus desenhos em 3D são todos criados em uma única peça, mas muitas vezes têm muitas partes móveis: articulações invisíveis, dobradiças e bolas curiosamente enjauladas. O plástico de nylon leve usado no processo de impressão permite que a Sanders crie peças maiores que ainda são muito usáveis ​​- e acessíveis. O custo comparativamente baixo do processo permite que ela atinja uma audiência de compra mais ampla, uma boa mudança do trabalho com metais preciosos.

Todas as três mulheres concordam que os clientes que usam seus produtos devem ser autoconfiantes, devem estar dispostos a serem vistos. Vestido, seja calça de moletom ou um casaco coberto de besouro brilhantemente ilustrado, é performativo. O que vestimos é o elo sempre fascinante entre nossos eus privados e a percepção do público. Os artistas deste ano da Craft2Wear oferecem inúmeras maneiras de preencher essa lacuna com humor, elegância e individualidade.

O show Smithsonian Craft2Wear de 2015 acontecerá de 1º a 3 de outubro no National Building Museum em Washington, DC. O show será aberto na quinta-feira, 1º de outubro, com o Advance Chance Party & Fashion Show das 17h30 às 21h. ser comprado com antecedência. A entrada diária para sexta, das 10h às 20h e aos sábados, das 10h às 17h, é de US $ 10 (somente em dinheiro), pagável na porta. No dia 2 de outubro, das 17h30 às 20h00, a Artful Happy Hour (das 17h30 às 20h00) dará aos compradores a oportunidade de brindar à habilidade dos artistas e celebrar o apoio de longa data do Comitê Feminino da Smithsonian à ciência e às artes. . Os ingressos para rifa de um par de brincos de mica pérola pretos doados pelo artista Keith Lewis e uma bolsa de malha pavão doada pelos artesãos Bozenna e Lukasz Bogucki podem ser comprados por US $ 5 cada ou cinco por US $ 20 a cada dia do show.