Conectar o presente ao passado é a missão central dos historiadores e, especialmente, dos historiadores que trabalham em museus. Uma nova exposição, “Campos Escuros da República”, que fiz para a National Portrait Gallery, analisa a fotografia de Alexander Gardner, aluno de Mathew Brady, um dos primeiros a documentar os horrores dos campos de batalha da Guerra Civil. Durante o heróico e trágico período intermediário do século XIX americano, foram as imagens chocantes de Gardner dos mortos que ajudaram a inaugurar o mundo moderno.
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Martha McDonald, uma artista performática com sede na Filadélfia, foi atraída pela questão dos rituais de luto vitorianos em seus trabalhos anteriores The Lost Garden (2014) e The Weeping Dress (2012) e quando pedimos a ela para criar uma peça para acompanhar e amplificar temas do show de Gardner, ela prontamente concordou.
Gardner foi uma das principais figuras da revolução fotográfica na arte e cultura que ocorreu nos Estados Unidos e na Europa em meados do século XIX. Nascido na Escócia e com formação em classe trabalhadora, Gardner ficou fascinado pela tecnologia emergente da fotografia e encontrou emprego no estúdio de Brady, para quem fez tanto retratos como, mais crucialmente, começou a fotografar as paisagens de batalha da Guerra Civil. O sucesso de suas fotografias em sua exposição de 1862, "The Dead at Antietam", permitiu a Gardner atacar por conta própria, montar sua própria galeria em Washington e continuar tirando fotos da Guerra e depois do oeste americano.
Para sugerir as dimensões completas dessa experiência passada, programas artísticos e culturais em poesia, dança e arte performática apoiarão a exposição. McDonald, que estava no processo de criar seu trabalho Hospital Hymn: Elegy for Lost Solders, sentou-se comigo para discutir suas intenções e propósitos artísticos, bem como sua carreira como artista performática. A peça vai estrear em 17 de outubro no museu.
David Ward: O prédio da Portrait Gallery foi usado como um depósito de tropas, como um hospital e Walt Whitman trabalhou como enfermeira no prédio. Quanto a história do edifício influenciou a maneira como você concebeu seu trabalho?
Na minha primeira visita ao local, fiquei imediatamente impressionado com a idéia de que este edifício magnífico e imponente já foi preenchido com doentes e moribundos. Comecei a pensar em todos os espíritos que ainda estavam presentes no prédio e pensei, este é um território realmente rico para o meu. Fui para casa daquela visita e li o Specimen Days de Whitman, que é em grande parte sobre seu tempo como enfermeira durante a Guerra Civil. Whitman escreve especificamente sobre a visita de soldados no hospital de patentes e como era estranho ver todas as camas alinhadas ao lado dos casos de modelos de patentes, especialmente à noite, quando eram iluminados. Fiquei impressionado com a forma como Whitman ficou obcecado e com o coração partido pelo “soldado desconhecido” - os milhares de soldados da União e dos Confederados que morreram longe de casa, sem família ou amigos por perto, e como muitos deles foram enterrados em massa, sem identificação. sepulturas, ou não enterrado, apenas deixado para decair na floresta ou no campo de batalha.
A segunda coisa que me impressionou foi o fascínio de Whitman em como a natureza serviu como uma espécie de testemunha do sofrimento e da perda da guerra. Ele imagina um soldado ferido em batalha rastejando na floresta para morrer, seu corpo perdido pelos esquadrões que vieram várias semanas depois durante uma trégua. Whitman escreve que o soldado "desmorona na terra mãe, insepulto e desconhecido". Agora eu sei da leitura da República do Sofrimento de Drew Gilpin Faust que este não foi apenas um incidente imaginado, mas um que aconteceu a milhares de soldados na guerra. Ambos os Dias de espécime e os posteriores poemas da Guerra Civil de Whitman sugerem que os corpos desses soldados desconhecidos se tornaram o composto da nação - seus espíritos agora presentes em cada folha de grama, cada roldana de trigo e cada flor. Ele escreve: “… os mortos infinitos - a terra inteira saturada, perfumada com a inalação de suas cinzas impalpáveis na química da Natureza destilada, e será para sempre, em todo grão futuro de trigo e espiga de milho, e toda flor que cresce e cada respiração que atraímos ...
A artista performática Martha McDonald estreia seu novo trabalho Hospital Hymnal: Elegia para Soldados Perdidos na National Portrait Gallery em 17 de outubro de 2015, às 13h (Fotografia de Kelly Cobb) DW: O portfólio de Gardner, "The Dead at Antietam" causou sensação quando foi exibido em Nova York em outubro de 1862. O New York Times comentou que as fotografias tinham uma "terrível distinção" que trouxe a realidade da guerra para os civis. Você falaria um pouco sobre como os temas da exposição tocaram em como você conceituou a peça?
Eu estava pensando em como eu poderia expressar essa idéia em uma performance no Salão Principal e tive essa visão de encher o salão inteiro com flores de feltro vermelhas - o tipo de flor que uma viúva, mãe ou irmã de luto poderia ter feito nela. Sala de estar do século 19 de seda ou papel ou cera para comemorar seu ente querido perdido. Eu imaginei isso como um empilhamento do trabalho de toda essa tristeza, a dor de uma nação de luto.
Então tive a idéia de sugerir o hospital provisório alinhando o salão com berços militares cobertos de lençóis brancos e que eu colocaria as flores vermelhas em fronhas e soltaria as flores na apresentação cortando cada travesseiro para sugerir as feridas atendidas. o hospital de patentes e o sangue que foi derramado. Eu queria sugerir a perda de vidas, mas também o trabalho de luto que foi feito por todos aqueles que ficaram para trás, que lutaram para lamentar seus entes queridos sem um corpo para enterrar.
Este é um problema semelhante que os enlutados enfrentaram depois do 11 de setembro. Essa questão de como você sofre sem um corpo é importante para mim. Assim, as milhares de flores que vou liberar sugerem a enormidade da perda, mas também são símbolos de renovação e renascimento, como sugerido nas imagens compostas de flores de Whitman que brotam dos campos escuros da batalha.
DW: Fomos atraídos para você por causa do seu trabalho de personificação do luto. E tivemos conversas sobre o título da exposição “Dark Fields”, que sugere o peso e aspectos trágicos de um período crucial na história americana.
Há uma fotografia de Alexander Gardner na exposição que mostra os corpos de soldados mortos alinhados no campo de batalha antes de serem enterrados. Quando vi a fotografia pela primeira vez, fiquei impressionado com o grande número de mortos, mas também achei estranhamente bonita a forma como seus corpos formavam um longo arco no campo. É quase escultural.
Quando eu olho para a cópia da foto que eu pendurei na parede do meu estúdio e então eu olho para a pilha de flores vermelhas no catre que eu coloquei lá dentro, parece que minhas flores vermelhas também podem ser vistas como -ins para os soldados perdidos, o enorme volume de flores insinuando a imensidão da perda humana. As fotos de Gardner informarão a audiência da minha abordagem mais lírica do assunto.
Também estarei fazendo um pequeno livreto para o público semelhante em tamanho aos caderninhos que Whitman mantinha enquanto visitava os soldados. O livreto terá algumas informações básicas sobre o uso do Escritório de Patentes como hospital e o papel de Whitman ali, bem como as letras das músicas que estou cantando. Então, as pessoas receberão um pouco de educação disso também.
Para uma peça que ela fez em rituais de vestidos de luto vitorianos, a artista Martha McDonald aprendeu que as matrizes nos tecidos às vezes manchavam a pele. ( Crying Portrait (tear tears), 2010, fotografia de Matthew Stanton) DW: Acho que esquecemos como a vida cotidiana era barulhenta, por volta de 1850-80 - para não falar do volume de ruído em uma batalha como a de Gettysburg - e da mesma forma o cheiro e os odores daquele período. As pessoas de hoje não percebem o quão desagradável era - merda de cavalo por todas as ruas, fábricas de bronzeamento, corpos sem camisinha, roupas que nunca foram limpas. Quanto disso você vai trazer para você trabalhar?
Oh, os cheiros do século 19! Eu só posso imaginar o horror de tudo isso! Ler os Dias de Espécimes de Whitman e a República do Sofrimento de Fausto certamente me deu uma sensação dos odores pútridos que teriam girado em torno dos acampamentos da Guerra Civil, hospitais e campos de batalha, mas as cidades também eram lugares cheirosos de aves.
Eu ponderei muito quando estava pesquisando vestidos de luto vitorianos e como os instáveis corantes à base de plantas manchavam os corpos das mulheres. As pessoas banhavam-se tão raramente, as manchas permaneciam por muito tempo, às vezes muito depois de terem passado do luto. As receitas que encontrei em revistas femininas para remover as manchas pareciam horríveis - a principal coisa que usavam era o ácido oxálico, que é o que você usa para limpar os talheres. Eu não estou me referindo aos odores do século XIX, mas estou interessado em sugerir outras experiências sensoriais do período - o som dos meus pés ecoando pelo corredor enquanto eu ando de berço em cama, a textura áspera das flores de feltro. contra a frescura dos lençóis brancos.
DW: Nós conceitualizamos o passado através de documentos escritos ou retratos - antes do século 20 havia poucas gravações - nós tendemos a pensar no passado como silencioso, o que eu acho que toca na nossa romantização - congelado em silêncio como uma exibição de exposição por trás do vidro. Como você vai resolver isso?
Eu estarei cantando vários hinos antigos que foram populares durante a era da Guerra Civil, alguns tirados da tradição da harpa sagrada do Sul e outros que são hinos folclóricos do Norte, como “A Costa Brilhante”. Eu li recentemente que [o hino ] foi muito popular entre os soldados durante a guerra, mas caiu fora de moda porque lembrou muito os veteranos da guerra. Não é de admirar com o seu coro: "Por enquanto estamos na costa da Jordânia / Nossos amigos estão passando por cima / E logo antes da Costa Brilhante / Nós quase descobrimos."
DW: Como esses hinos tocam seu desempenho?
A música que irei cantar é baseada na lembrança de Whitman de entrar no hospital Armory tarde da noite e ouvir um grupo de enfermeiras cantando para os soldados. Ele descreve as músicas como “hinos declamatórios” e “velhas canções pitorescas” e lista algumas das letras de “The Shining Shore”, que estou aprendendo agora. Ele descreve a visão de "homens deitados no hospital em seus catres (alguns gravemente feridos - alguns deles nunca mais surgiram daí), os próprios catres com seus panos de cortinas brancas e as sombras" que projetavam. Como eles inclinaram a cabeça para ouvir.
Ele diz que alguns dos homens que não foram tão longe cantaram junto com as enfermeiras. Fiquei surpreso quando li essa passagem sobre cantar nos hospitais, mas depois me lembrei de todos os relatos que eu tinha lido sobre as famílias do século 19 cantando em casa para recreação e cantando ao redor da cama de um ente doente ou morrendo e isso me lembrou como a música difundida (ou “música caseira” como Whitman intitulou sua entrada sobre as enfermeiras cantoras) foi no século XIX. As pessoas cantavam para todas as ocasiões.
E como mencionei anteriormente, o canto forneceu um meio para as pessoas expressarem emoções intensas - intensas demais para a sociedade educada - como tristeza e perda. Eu sou um grande crente no poder de cura de uma música triste. Quando um lamento é cantado, o cantor convida os ouvintes a entrar em contato com sua própria dor. O desempenho de um lamento ou hino triste cria um espaço para as pessoas chorarem ou viverem suas emoções em público de uma forma que é profundamente curativa, pois permite que os ouvintes vivam seus próprios dramas pessoais em uma multidão de indivíduos que estão processando cada um. sua própria dor ou experimentando outras emoções profundas.
DW: Você evoluiu uma série de peças que se baseiam na história americana, que, como historiador americano, devo elogiar. O que te atrai para o passado?
Meu trabalho envolve um diálogo entre o passado e o presente. Acho profunda ressonância com o artesanato e as músicas folclóricas que as pessoas usaram nos séculos XVIII e XIX para enfrentar e expressar sentimentos de perda e saudade. Eu me aproprio dessas formas históricas de arte em minhas performances e instalações como forma de articular minhas próprias perdas e anseios e explorar a presença e a ausência. Eu olho para o passado para refletir sobre o presente, mas eu certamente não sou o único artista americano olhando para a nossa história como uma fonte de inspiração.
DW: Eu tenho a impressão de que os artistas contemporâneos não são tão interessados na história americana como fonte ou inspiração - estou errado?
Meu trabalho pode ser contextualizado dentro de um grupo de artistas contemporâneos que se envolvem com história e folclore para explorar narrativas pessoais e refletir sobre o clima sócio-político atual, artistas como Dario Robleto, Allison Smith e Duke Riley. Esses artistas apropriam-se de artesanato folclórico para transmitir sua narrativa pessoal, incluindo trabalhos de cabeleireiro do século XIX e trajes de scrimshaw e arte da tatuagem (Riley) de soldados de trincheira (Robleto) e de reencenadores da Guerra Civil (Smith).
Houve algumas exposições recentes de artistas contemporâneos que se envolveram com a história, incluindo “A Velha e Estranha América: Temas Populares na Arte Contemporânea” no Contemporary Arts Museum Houston (2008) e “Ahistory Occasion: Artists Making History” no MASSMoca (2006) que mostram a amplitude dessa tendência.
DW: Você é uma feminista comprometida, poderia falar sobre sua recuperação das vozes das mulheres como um aspecto de nossa compreensão histórica em evolução.
Sempre me interessei em recuperar as vozes das mulheres em meu trabalho - seja olhando os estereótipos femininos na ópera, na literatura e na mitologia, como fiz em meus primeiros trabalhos, ou explorando a história das mulheres como guardiãs da memória em meus trabalhos mais recentes. Ser feminista é essencial para minha prática artística.
Meu trabalho é uma espécie de resposta performativa à história social das mulheres, em toda sua riqueza, complexidade e invisibilidade. Há um livro muito bom que li recentemente chamado Mulheres e a Cultura Material da Morte que trata de recuperar o trabalho quase invisível que as mulheres fizeram ao longo dos séculos para comemorar seus entes queridos e manter viva a memória de famílias, comunidades e do país. Drew Gilpin Faust também aborda o papel fundamental que as mulheres desempenharam na cura da nação após a Guerra Civil em seu livro.
Sou inspirado como artista por essas formas de artesanato, mas também acho importante que as pessoas as conheçam como práticas materiais que ajudaram a sociedade a enfrentar e viver com a morte e a perda. A sociedade contemporânea não possui esses rituais. Nós negamos a morte e o envelhecimento. Como resultado, estamos completamente fora de contato com nossa própria impermanência, que causa todo tipo de problemas, como ganância, crimes de ódio, destruição do meio ambiente, etc.
Espero que meu trabalho lembre as pessoas sobre a impermanência e pensem sobre suas próprias vidas e como elas podem adaptar alguns desses rituais para enfrentar e viver com a perda que está ao redor deles.
DW: Fale um pouco sobre sua evolução artística ou trajetória e como você foi originalmente treinado.
Eu costumo me referir a mim mesmo como um artista interdisciplinar. Faço instalações e objetos que ativo no desempenho para transmitir narrativa. Nos últimos 10 anos, o meu trabalho concentrou-se muito em intervenções específicas de locais em museus e jardins históricos, onde recorro ao local e às suas histórias para explorar como estes locais públicos se ligam a histórias privadas e estados emocionais.
Minha prática artística se desenvolveu através de uma trajetória bem pouco convencional. Comecei a trabalhar como jornalista. Eu era jornalista e escritor de revistas. Eu também cantei com conjuntos barrocos profissionais - tocando em igrejas e salas de concerto. Em meados dos anos 90, cruzei caminhos com uma cena de arte performática esquisita e altamente politizada na Filadélfia, tocando em cabarés e casas noturnas.
Enquanto eu cantava minhas árias barrocas nesse ambiente de drag queens e ativistas da AIDS, descobri o poderoso potencial dos trajes para transmitir a narrativa. Nutridas por drag queens benevolentes neste ambiente super teatral, desenvolvi peças performáticas que se baseavam no artifício da ópera barroca e nos personagens mitológicos que os povoavam para explorar o gênero, a identidade e o poder e minhas próprias narrativas pessoais.
Eu me baseei no meu background de jornalismo para fazer a pesada pesquisa e escrever monólogos que falei para o público. Eu fiz um artigo sobre sereias, sirenes e harpias - metade das mulheres / metade dos animais que não se encaixam na terra, mar ou ar - e meu relacionamento com eles. Eu explorei a Louca na Ópera. Fiz outro grande trabalho olhando para o trabalho épico da mitologia Penélope de tecer e desembaraçar para explorar a dor da espera e aceitação, aproveitando a morte da minha mãe. Esses shows frequentemente incluíam projeções de vídeo (eu cantei dueto de sirene de Henry Purcell comigo em vídeo), sets elaborados e às vezes outros cantores e dançarinos.
DW: Como uma pessoa interessada em criar arte, como você evoluiu para uma artista performática?
Depois de anos de trabalho nos cinemas, comecei a me sentir realmente limitado pelo achatamento do proscênio teatral e pela distância da plateia sentada passivamente no teatro escuro. Naquela época, fui convidado pelo Museu e Biblioteca de Rosenbach, na Filadélfia, para fazer uma peça em resposta à sua coleção de livros raros e artes decorativas.
Fiquei fascinado por como os irmãos Rosenbach usaram suas coleções para se reinventar: eles cresceram como filhos de comerciantes judeus de classe média que faliram, mas quando os irmãos acumularam uma fortuna vendendo livros raros na década de 1920, eles assumiram o estilo de vida luxuoso. de cavalheiros ingleses do país. Meu desempenho levou a plateia a uma excursão pelo museu, concentrando-se em objetos que fingiam ser outra coisa - espelhos de chinoiserie, mobília do Império, fólios de Shakespeare forjados - para examinar como usamos nossos objetos para nos redefinir.
Fazer o show de Rosenbach me fez perceber que eu não estava tão interessada em criar “mágica de palco” para transportar o público para algum outro lugar. O que eu realmente queria fazer era literalmente levá-los através de sites e descobrir suas histórias ocultas através de uma espécie de turnê de música.
Desde então, levei audiências através de um jardim botânico do século XVIII, um cemitério vitoriano (ambos em Philly), em um pequeno barco descendo um rio pelo centro de Melbourne, na Austrália, e indo para as rotas marítimas e -home teatro projetado por Leon Bakst na década de 1920 no porão de uma mansão em Baltimore. Ao longo de todas essas peças, meu principal interesse era despertar o público para a experiência de estar no local - o cheiro e o sabor de ervas na horta, o vento nas árvores e as andorinhas alimentando-se de insetos no cemitério, o gigantescos navios-contêineres que ofuscaram nosso pequeno barco no rio e o ângulo do sol poente no crepúsculo. Comecei a falar cada vez menos nas minhas performances e deixei o site e meus objetos falarem mais.
Cantar sempre foi fundamental para minha prática artística. É provavelmente o modo de expressão mais essencial para mim. Eu sinto que isso me permite comunicar com um público muito mais profundamente do que falar. Permite um tipo diferente de contato emocional. Como um membro da platéia, fico tão emocionado quando sinto a vibração da voz de uma cantora - especialmente de perto - em meu próprio corpo. Eu sei o quão poderoso isso pode ser. Cantar também me permite explorar e ativar a acústica desses espaços e evocar as memórias das pessoas que viveram e trabalharam lá. É quase como se eu estivesse conjurando seus espíritos através da música.
Quando me mudei para a Austrália em 2008, tive a incrível oportunidade e liberdade de experimentar meu trabalho, experimentar coisas novas e abandonar outras pessoas. Eu parei de cantar música barroca naquele momento porque eu queria passar mais tempo fazendo os objetos e fantasias e menos tempo mantendo minha voz em forma. Você tem que ser como um atleta profissional para cantar essa música - vocalizando várias horas por dia de 5 a 6 dias por semana. Quando comecei a trabalhar na Austrália sobre a cultura do luto vitoriano, reconectei-me à música folclórica dos Apalaches e continuo a encontrar melodias assombrosas e letras tão bem adaptadas para expressar desejo e perda. Também estou realmente interessado em saber como os imigrantes anglo-irlandeses trouxeram essas canções para a América como lembranças das casas que deixaram para trás. Sou fascinado por como as pessoas usam canções folclóricas para se ligarem a pessoas e lugares que perderam e para expressar sentimentos que não são capazes ou não podem expressar na sociedade educada.
Estou interessado em levar o público em uma jornada física através do tempo e do espaço, muitas vezes, literalmente, percorrendo-o através de um site. Mas eu também quero levá-los em uma jornada emocional através da música e imagens visuais que eu criei - para incentivá-los a pensar sobre suas próprias vidas e suas próprias perdas.
DW: Como última pergunta, o que você espera alcançar na criação e execução desta peça?
Eu acho que espero conseguir várias coisas com a performance: eu gostaria de criar uma experiência para o público que os desperte para o site do Grande Salão - para a incrível acústica, a grande arquitetura e a história “oculta” de seu público. usar como um hospital temporário durante os soldados da Guerra Civil, onde soldados morreram.
Eu gostaria que o público pensasse sobre o volume de perdas durante a Guerra Civil há 150 anos e talvez como isso se relaciona com as atuais perdas que vivenciamos nos conflitos em curso na região do Golfo e na escalada da violência racial, ocorrendo em todo o país. agora mesmo.
E, finalmente, gostaria de convidar o público a pensar sobre suas próprias vidas e suas próprias perdas e ter a oportunidade de compartilhar um momento coletivo de tristeza e renovação. Provavelmente, isso é pedir muito de um público, mas é nisso que estou trabalhando quando desenvolvo o projeto.
Em 18 de setembro de 2015, a National Portrait Gallery abrirá a exposição “Dark Fields of the Republic”. Alexander Gardner Photographs, 1859-72. ”Martha McDonald vai estrear seu trabalho como parte de uma série de arte performática, “ Identify ”, que será inaugurada este ano na National Portrait Gallery em 17 de outubro de 2015, às 13h.
