Ellsworth Kelly, considerado um dos grandes artistas americanos do século 20 por seu trabalho pioneiro em pintura e escultura minimalista, morreu no domingo em sua casa em Spencertown, Nova York, aos 92 anos de idade. Reconhecido por seu uso vívido de blocos geométricos e cores intensas, Kelly construiu ao longo de sete décadas uma reputação de abstração colorida e trabalhos que exploraram a essência de seus assuntos.
Suas primeiras obras de arte foram criadas a serviço dos Estados Unidos, como parte de uma unidade especial de camuflagem na França durante a Segunda Guerra Mundial. Kelly e seus colegas artistas-soldados foram encarregados de enganar os alemães - usando borracha e madeira para construir tanques e caminhões falsos - em pensar que as multidões de tropas aliadas no campo de batalha eram muito maiores que a realidade. Enquanto isso parece um treinamento precoce não convencional para um artista, provou ser adequado para Kelly.
"Ele foi capaz de entender que havia essas realidades que, para a maioria de nós, são camufladas", diz Virginia Mecklenburg, curadora-chefe do Smithsonian American Art Museum. “Ele evocava essas realidades - uma sensação distinta de gravidade, ou a física do peso e do momento que raramente pensamos em termos tangíveis. Ele foi capaz de transmitir isso.
Após seu serviço, Kelly se matriculou na Escola do Museu de Belas Artes de Boston e retornou a Paris em 1948, absorvendo uma série de influências, incluindo Picasso e Matisse, arte asiática e igrejas românicas. Ele voltou para os Estados Unidos e apresentou sua primeira exposição individual em 1956. Três anos depois, o trabalho de Kelly foi incluído na exposição de 16 americanos do Museu de Arte Moderna (MoMA). Seus trabalhos abstratos geométricos, juntamente com os de outros pintores americanos, incluindo Ad Reinhardt e Brice Marden, foram apelidados de “pintura de ponta” pelo historiador de arte Jules Langsner em 1959.
Ao longo da década de 1960, ele esculpiu seu próprio nicho separado dos mundos da arte de Nova York e Paris. Mecklenburg diz que o que ela considera notável em seu trabalho foi a maneira como ele reduziu a arquitetura, as imagens e outros elementos visuais que ele viu no mundo e na arte, transformando-os em abstrações diretas e viscerais. Usando cores básicas - azul, verde, branco, preto - e telas únicas (mais tarde, movendo-se em várias telas e esculturas), ele criou frases que eram “menos descritivas do que evocativas”, como ela diz.
“Eles demoram para olhar, mas quando você recua, percebe que está olhando para algo que viu repetidas vezes”, diz Mecklenburg, dando o exemplo da pintura de 1961 “Blue on White” em exposição na revista americana. Museu de Arte, que ela diz evoca uma folha se desenrolando. "De repente, você começa a entender que, se dissociar as ideias narrativas, quão forte é o impulso visual em cada ser humano."
Ellsworth Kelly, "Azul sobre Branco", 1969 (Museu de Arte Americana Smithsonian) Ele apareceu na Bienal de Veneza em 1966 (e iria se apresentar em mais três nos anos seguintes), teve sua primeira retrospectiva americana no MoMA em 1973 e sua primeira grande retrospectiva européia no Stedelijk Museum em Amsterdam, seis anos depois.
“Ellsworth Kelly fez a transição da abstração geométrica do pós-guerra para o movimento minimalista que começou no início dos anos 1970”, diz Valerie Fletcher, curadora sênior do Hirshhorn Museum e Sculpture Garden, que possui 22 obras de Kelly, incluindo “White Relief over Dark Blue” ”De 2002, em exibição no terceiro andar do museu, e uma escultura sem título de 1986 exibida no jardim. "Se você olhar para as pinturas dele em comparação com as outras em sua geração, elas são muito mais simples".
Algumas dessas obras assumem uma qualidade "totêmica", como descreve Mecklenburg, apontando para "Memorial", sua escultura de parede de quatro painéis brancos no Museu Memorial do Holocausto dos Estados Unidos. “Como você fala sobre algo dessa magnitude?” Ela pergunta. "Há um milhão de palavras ou nenhuma palavra e ele não escolheu palavras."
Sua abordagem simples e geométrica teve um impacto na próxima geração de minimalistas - Frank Stella, Donald Judd e outros - com trabalhos que exploraram a essência das idéias ou emoções de formas tangíveis e táteis.
"Ele teve um enorme impacto no mundo da arte, mas o trabalho fala de forma visceral para quem olha para ele", acrescenta Mecklenburg. “Eu tenho que dizer que há uma sensação de alegria e um senso de energia para muito do seu trabalho. Você meio que volta para o centro quando olha para ele.
