WILLEM DE KOONING AINDA OFUSCA | ARTES E CULTURA | SMITHSONIAN - ARTIGOS, ARTES E CULTURA, ARTE E ARTISTAS

Em 1926, Willem de Kooning, um artista comercial de 22 anos e sem dinheiro, de nacionalidade holandesa, ficou em um navio cargueiro com destino à América. Ele não tinha documentos e não falava inglês. Depois que seu navio atracou em Newport News, Virginia, ele seguiu para o norte com alguns amigos holandeses em direção à cidade de Nova York. No começo, ele achou o novo mundo decepcionante. "O que eu vi foi uma espécie de Holanda", ele lembrou na década de 1960. "Planícies. Para que diabos eu queria ir para a América? ”Alguns dias depois, no entanto, quando De Kooning passou por um terminal de balsas e trens em Hoboken, Nova Jersey, ele notou um homem em um balcão servindo café para os viajantes em uma linha de xícaras. "Ele apenas se serviu rapidamente para preenchê-lo, não importa o que fosse derramado, e eu disse: 'Rapaz, isso é a América'".

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O trabalho de Willem de Kooning, mostrado aqui é Zowie de Ruth, de 1957, contava com a constante reinvenção: "Você tem que mudar", o artista costumava dizer, "para permanecer o mesmo". (A Coleção da Família Ovitz, Los Angeles © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova York)

Entre os artistas que surgiram nos anos 50 e 60, de Kooning, mostrado aqui em 1953, desafiou a categorização. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning estudou na Academia de Belas Artes de Roterdã. "O treinamento clássico libera você para fazer isso", ele diria mais tarde sobre seu trabalho abstrato. Na foto é sua natureza morta de 1917, completada aos 13 anos. (Coleção particular / © 2011 Fundação Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nova York)

Em Manhattan, De Kooning, com Arshile Gorky em 1937, foi atraído pelos pintores modernistas. (Oliver Baker, fotógrafo. Rudi Blesh papers, Arquivos de Arte Americana, Smithsonian Institution)

Na década de 1940, de Kooning iniciou uma série de estudos sobre figuras femininas, inspirados em parte por Elaine Fried, com quem se casou em 1943. (John Jonas Gruen / Hulton Archive / Getty Images)

Depois da Segunda Guerra Mundial, o círculo de vanguarda de De Kooning abordou o status de celebridade. Na foto está o grupo, em Life, 1950; de Kooning está na fila de trás, à esquerda. (Nina Leen / Imagens da Vida no Tempo / Getty Images)

Elementos figurais pontuam o espaço ambíguo em Attic, 1949, um de uma série de composições em preto-e-branco de pós-guerra de De Kooning. Mesmo as obras mais abstratas do artista, diz o estudioso Richard Shiff, muitas vezes "começaram com uma referência à figura humana". (Museu Metropolitano de Arte, NY / © 2011 Fundação Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nova York)

Mesmo enquanto o mundo da arte celebrava suas abstrações, De Kooning redirecionou suas energias para a figura feminina, trabalhando durante dois anos em Woman I, 1950-52. "Beleza", disse o artista, "torna-se petulante para mim. Eu gosto do grotesco. É mais alegre". (Museu de Arte Moderna, NY / © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Mulher II, 1951-52, Willem de Kooning. (Museu de Arte Moderna, Nova York. Presente de Blanchette Hooker Rockefeller. © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova York)

De Kooning deixou a cidade em 1963 para Springs, Long Island. É mostrado aqui de Kooning aos 81 anos em seu estúdio em 1985. (© 2011 Fundação Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nova York)

O trabalho tardio de De Kooning foi inspirado no mar. Aqui é mostrado Clamdigger, 1972, que evoca as forrageiras de praia. (© Willem de Kooning Confiança do Tesouro Revocável / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Cujo nome foi escrito em Water, 1975, por De Kooning sugere superfícies oceânicas. (Museu Solomon R. Guggenheim, NY / © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Homem sentado, 1939, Willem de Kooning. (Presente do artista através da Fundação Joseph H. Hirshhorn, 1972 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Rainha de Copas, 1943-1946, Willem de Kooning. (Presente da Fundação Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Entrega especial, 1946, Willem de Kooning. (Presente da Fundação Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Secretário, 1948, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Zurique, 1947, Willem de Kooning. (O Legado Joseph H. Hirshhorn, 1981 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Mulher / Verso: Sem título, 1948, Willem de Kooning. (Presente da Fundação Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Mulher, 1964, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Mulher, 1965, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Sem título III, 1981, Willem de Kooning. (Presente parcial de Joseph H. Hirshhorn, por intercâmbio, e Museu de Compras, 1982 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Estude para "Woman VI", 1952, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Sem título, 1949-1950, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Duas mulheres no país, 1954, Willem de Kooning. (Presente de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

Mulher sentada em um banco, 1972 / fundido em 1976, Willem de Kooning. (O Legado Joseph H. Hirshhorn, 1981 / Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas; © 2011 Fundação Willem de Kooning / Sociedade dos Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque)

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Isso também era de Kooning. Dos pintores que surgiram em Nova York no final dos anos 40 e início dos 50 - Jackson Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman, entre eles -, De Kooning, morto em 1997, continua sendo o mais difícil de capturar: ele é muito vital, inquieto, jazzy, rude e imprevisível para caber em qualquer um copo particular. Ele atravessou muitos dos limites da arte, transbordando abstração e figuração ao longo de um período de 50 anos - expressando uma ampla variedade de humores - sem se preocupar com as convenções do gosto conservador ou radical. De acordo com Irving Sandler, historiador de arte que narrou o desenvolvimento da arte americana do pós-guerra, foi De Kooning quem “pôde continuar a grande tradição da pintura ocidental e desviá-la em uma nova direção, criando um estilo vanguardista que falou ao nosso tempo.

A retrospectiva de De Kooning, que abriu no mês passado no Museu de Arte Moderna (MoMA) - a primeira dedicada ao escopo completo da carreira de sete décadas do artista - apresenta uma visão rica e diferenciada de um grande pintor americano. Para o curador emérito John Elderfield, que organizou o programa, o esforço foi extraordinariamente pessoal: o fascínio da arte de De Kooning ajudou a levar o Elderfield de origem inglesa a se estabelecer na América. Ele argumenta que de Kooning é um pintor de originalidade que inventou um novo tipo de espaço pictórico moderno, um de ambiguidade. De Kooning procurou reter tanto os contornos esculturais como os planos "salientes e tortuosos" da pintura tradicional, sugere Elderfield, e o plano superficial da arte modernista encontrado nas obras cubistas de, por exemplo, Picasso e Braque. De Kooning desenvolveu várias soluções diferentes para essa questão visual, tornando-se um artista que nunca pareceu parar de se mover e explorar. Ele era, em sua própria enigmática frase, um "vislumbre escorregadio".

Durante os anos 50, De Kooning tornou-se o pintor mais influente de sua época. "Ele era artista de um artista", diz Richard Koshalek, diretor do Smithsonian's Hirshhorn Museum, que tem uma das maiores coleções do trabalho de de Kooning. “Ele teve um grande impacto em uma ampla gama de artistas.” Brice Marden, um pintor que foi objeto de uma retrospectiva do MoMA de 2006, concorda: “Você foi criado em De Kooning. Ele era o mestre. Ele era o professor ”. Para muitos, ele também era uma figura romântica com aparência de estrela de cinema e uma arrogância existencial, enquanto bebia na Cedar Tavern em Greenwich Village com Pollock e passava de caso de amor para caso de amor.

Apesar de seu sucesso, De Kooning acabou pagando um preço por sua relutância em seguir as tendências predominantes. Sua arte em constante mudança - especialmente sua representação rouca de mulheres - foi cada vez mais menosprezada pelos críticos e historiadores de arte durante sua vida. Ele não sugeriu que “se encaixasse facilmente naquelas obras que se pensava manter a história modernista familiar de uma abstração cada vez mais refinada”. Os curadores do próprio MoMA tendiam a considerar de Kooning depois de 1950 como um pintor em declínio, como evidenciado pelo museu. própria coleção, que é consideravelmente mais forte em Pollock, Rothko e Newman do que em de Kooning.

A discussão terminou: a retrospectiva atual corrige. A gama de De Kooning agora parece uma força, e seu estilo sedutor - "sedutor" é a palavra apropriada, pois a pincelada é cheia de tato - oferece um deleite pictórico raramente encontrado na arte de nossos dias.

De Kooning cresceu perto do porto na dura e operária Roterdã. Ele raramente viu seu pai, Leendert - seus pais se divorciaram quando ele era pequeno - e sua mãe dominadora, Cornelia, que cuidava de uma sucessão de bares, constantemente mudava a família em busca de moradias mais baratas. Ela regularmente batia nele. O dinheiro era curto. Na idade de 12 anos, ele se tornou um aprendiz em Gidding and Sons, uma elegante empresa de artistas e artesãos no coração da moda de Roterdã, especializada em design e decoração. Ele logo chamou a atenção dos proprietários da empresa, que o incentivaram a ter aulas após o trabalho seis vezes por semana na Academia de Belas Artes da cidade.

Como resultado, de Kooning recebeu uma forte base tanto no design comercial quanto nos princípios clássicos da alta arte. Ele era precoce; a retrospectiva no MoMA inclui a notável Still Life (1917) que ele fez na Academia com a idade de 13 anos. Ele teve que se sustentar, no entanto. Na idade de 16 anos, De Kooning atacou por conta própria, circulando nas fronteiras boêmias de Roterdã e pegando empregos aqui e ali. Ele também começou a fantasiar sobre a América, então considerada por muitos na Europa como uma terra mítica de arranha-céus, estrelas de cinema e dinheiro fácil - mas talvez não de arte. Quando ele guardou o cargueiro, de Kooning mais tarde lembrou, ele não achava que houvesse artistas sérios na América.

Em seus primeiros anos na América, inicialmente em Hoboken, Nova Jersey e depois em Nova York, ele viveu muito como em Roterdã, encontrando trabalho como artista comercial e ocasionalmente pintando em seu tempo livre. Ele descobriu que havia, de fato, artistas sérios nos Estados Unidos, muitos dos quais também tinham empregos comerciais para sobreviver. Começou a passar o tempo nas cafeterias favoritas em Chelsea e Greenwich Village, falando durante a noite sobre xícaras de café de níquel. Quase todo mundo que ele conhecia era pobre; a venda de uma pintura era rara. Nesse ambiente, o compromisso permanente de certos artistas - acima de tudo, a dedicação de Arshile Gorky à tradição da pintura modernista - teve um impacto pronunciado em De Kooning.

Gorky, um imigrante nascido na Armênia, não tinha paciência para aqueles que não se comprometiam sem reservas com a arte. Tampouco tinha tempo para aqueles que considerava provinciais ou menores em suas ambições, como aqueles que romantizavam a América rural ou atacavam a injustiça social. (“Proletariat art”, disse Gorky, “é arte pobre para os pobres”.) Na opinião de Gorky, se você estivesse falando sério, estudou o trabalho de mestres modernistas como Picasso, Matisse e Miró, e aspirava a ser igual ou melhor realização. Os contemporâneos descreveram o estúdio de Gorky na Union Square como uma espécie de templo para a arte. “A grande empolgação da 36 Union Square”, disse Ethel Schwabacher, aluna e amiga de Gorky, “residia no sentimento que evocava de trabalho realizado ali, trabalho em andamento, dia e noite, através de longos anos de paixão, disciplina e dedicação. esforço."

O exemplo de Gorky, junto com a criação do Federal Art Project, que pagou aos artistas um salário digno durante a Depressão, finalmente levou De Kooning a comprometer-se a ser um artista em tempo integral. Nos anos 30, Gorky e De Kooning tornaram-se inseparáveis; suas discussões contínuas sobre arte ajudaram cada um a se transformar em um grande pintor. De Kooning, lutando para criar um novo tipo de arte figurativa, frequentemente pintava retratos melancólicos de homens e, com menos frequência, mulheres. Ele trabalhou e retrabalhou as imagens, tentando conciliar seu treinamento clássico com suas convicções modernistas. Ele poderia permitir que uma foto saísse de seu estúdio se um amigo a comprasse, já que ele estava cronicamente sem dinheiro, mas descartou a maioria de suas telas em desgosto.

No final dos anos 30, de Kooning conheceu uma jovem estudante de arte chamada Elaine Fried. Eles se casariam em 1943. Fried não era apenas bonita, sua vivacidade correspondia à reserva de Kooning. Nunca se preocupe com os luxos, ela gostava de dizer, as necessidades vão cuidar de si mesmos. Uma de suas amigas, a artista Hedda Sterne, descreveu-a como uma "atrevida". "Ela acreditava em gestos sem arrependimento e se deleitava com sua própria espontaneidade e exuberância", disse Sterne. "Eu me diverti muito ", lembrou mais tarde Elaine. “Quero dizer, muito divertido.” Ela também considerou de Kooning um grande artista - bem antes de se tornar um - o que pode ter reforçado sua confiança.

Uma nova sensação da figura feminina, sem dúvida inspirada por Elaine, começou a percorrer a arte de De Kooning. A cor se iluminou. Fronteiras caíram. Ele não parecia mais constrangido por seu treinamento clássico: as mulheres nas pinturas agora ameaçavam sair e se separar; distinguir figura do chão tornou-se, em alguns lugares, difícil. O artista estava começando a dominar seu espaço ambíguo. Parecia natural que de Kooning, que instintivamente preferia o movimento à quietude e não achasse que a verdade da figura estivesse apenas em sua aparência superficial, começaria a mudar ao longo de um continuum do representacional ao abstrato. No entanto, até mesmo seus quadros mais abstratos, como observou o estudioso de Kooning Richard Shiff, "ou começaram com uma referência à figura humana ou incorporaram elementos figurativos ao longo do caminho".

O movimento de De Kooning no final dos anos 40 em direção a uma representação menos realista da figura pode ter sido motivado, em parte, pela chegada à cidade no início da década de vários artistas célebres de Paris, notavelmente André Breton e seu círculo de artistas. Surrealistas, todos os refugiados da guerra. De Kooning geralmente não era um fã do surrealismo, mas a ênfase do movimento na mente inconsciente, nos sonhos e na vida interior teria reforçado sua própria impaciência com uma representação puramente realista do mundo. Os surrealistas e seu patrono, a socialite Peggy Guggenheim, causaram grande impacto em Nova York. Sua presença muito inspirou ambição em artistas americanos.

Ainda assim, de Kooning permaneceu à margem. O Federal Art Project não existia mais e havia pouco ou nenhum mercado para a arte moderna americana. Foi nesse período sombrio que De Kooning começou sua grande série de abstrações em preto e branco. Ele e seu amigo próximo, o pintor Franz Kline, incapaz de arcar com pigmentos caros, saíram um dia e compraram tinta doméstica esmaltada a preto e branco barata e (segundo a lenda) com abandono do diabo-maio-cuidado começaram a produzir grandes obras. Não foi, claro, tão simples. De Kooning havia trabalhado por muitos anos para alcançar esse momento; e, de certo modo, o momento agora o encontrou. O horror da Segunda Guerra Mundial - e os relatos do Holocausto vindo da Europa - criaram uma nova percepção entre de Kooning e alguns artistas americanos de uma grande escala, embora sombria, metafísica. (Eles também tinham diante de seus olhos, no MoMA, a poderosa e monocromática Guernica de Picasso de 1937, sua resposta ao bombardeio fascista da cidade espanhola.) Em contraste com seus contemporâneos europeus, os americanos não viviam entre as ruínas da guerra, e veio de uma cultura que celebrava uma infinitude Whitmanesca. De Kooning, cuja cidade de nascimento fora esmagada durante a guerra, era européia e americana, bem posicionada para fazer pinturas de grandeza sombria. Em 1948, quando tinha quase 44 anos, exibiu seus chamados “negros e brancos” na pequena e pouco visitada Galeria Egan. Foi o seu primeiro show solo. Poucas fotos foram vendidas, mas foram amplamente notadas e admiradas por artistas e críticos.

Foi também no final da década de 1940 que Jackson Pollock começou a fazer suas lendárias abstrações “gotejantes”, que pintou no chão de seu estúdio, tecendo novelos rítmicos de tinta sobre a tela. As pinturas de Pollock, também principalmente negras e brancas, tinham um caráter muito diferente do de De Kooning. Embora geralmente abstratas, os desenhos nodosos de De Kooning permaneciam cheios de partes e gestos humanos vislumbrados; Pollock transmitiu uma sensação transcendente de libertação do mundo. Os títulos dos dois maiores quadros da série em preto-e-branco de de Kooning, Attic and Excavation, sugerem que o artista não pretende esquecer o que o mundo enterra ou deixa de lado. (De Kooning, sem dúvida, apreciava as implicações cambiantes dos títulos. O ático, por exemplo, pode se referir a um sótão real, sugerir as alturas do céu ou relembrar a Grécia antiga.) Cada pintura é repleta de incidentes figurativos - uma virada de ombro aqui. um inchaço do quadril, mas um corpo particular pode ser discernido em nenhum dos dois. "Mesmo as formas abstratas", disse de Kooning, "devem ter uma semelhança".

De Kooning completou Excavation, sua última e maior foto da série, em 1950. O diretor do MoMA, Alfred Barr, então selecionou a pintura, juntamente com obras de Pollock, Gorky e John Marin, para representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza. - Uma honra de sinal para todos os quatro modernistas americanos. Jornalistas começaram a tomar conhecimento. Pollock foi o tema de uma foto publicada na revista Life em 1949. A luz da celebridade começava a se concentrar no que havia sido um canto obscuro da cultura americana. A Sidney Janis Gallery, especializada em mestres europeus, começou agora a apresentar De Kooning e outros artistas americanos como dignos sucessores de Picasso ou Mondrian. Críticos, curadores e comerciantes de arte começaram a argumentar que, no que dizia respeito à arte, Nova York era a nova Paris.

No início dos anos 50, De Kooning era um pintor de crescente renome com um estilo abstrato blue-chip. A maioria de seus contemporâneos acreditava que ele continuaria a produzir pinturas nesse estilo. Mas em uma das ações mais contrárias e independentes da história da arte americana, ele abandonou suas abstrações em preto e branco para focar principalmente, mais uma vez, na figura feminina. Ele lutou por uma única tela por quase dois anos, seus amigos cada vez mais preocupados com seu bem-estar, enquanto ele continuamente revisava e raspava a imagem. Ele finalmente colocou a pintura de lado em desespero. Somente a intervenção do influente historiador de arte Meyer Schapiro, que pediu para vê-lo durante uma visita ao estúdio, persuadiu De Kooning a atacar a tela mais uma vez - e concluir que ele havia terminado a Mulher I (1950-52). Então, em rápida sucessão, ele completou várias outras pinturas de mulher .

De Kooning descreveu a Mulher I como uma deusa sorridente - "mais ou menos como os ídolos da Mesopotâmia", ele disse, "sempre em pé, olhando para o céu com esse sorriso, como se estivessem surpresos com as forças da natureza ... não sobre problemas que eles tiveram um com o outro. ”Suas deusas eram complicadas: ao mesmo tempo assustadoras e hilárias, antigas e contemporâneas. Alguns críticos os compararam a bimbos de Hollywood; outros achavam que o trabalho de um misógino. O escultor Isamu Noguchi, um amigo de Kooning, reconheceu sua ambivalência: "Eu me pergunto se ele realmente odeia mulheres", disse ele. "Talvez ele os ame demais". Grande parte da complicação vem da mistura volátil da vulgaridade e de um refinamento na pincelada de de Kooning. "Beleza", disse De Kooning uma vez, "torna-se petulante para mim. Eu gosto do grotesco. É mais alegre.

Não surpreende que De Kooning duvidasse que sua exibição de trabalhos recentes em 1953 fosse bem-sucedida, e o crítico de arte mais importante da época, Clement Greenberg, achou que De Kooning estava errado com a série Woman . Para surpresa de De Kooning, no entanto, o show foi um sucesso, não apenas entre muitos artistas, mas entre um público cada vez mais ansioso por abraçar a pintura americana.

De Kooning de repente encontrou-se uma estrela - a primeira celebridade, sem dúvida, no moderno mundo da arte americana. O único pintor no início dos anos 50 de estatura comparável ou maior foi Jackson Pollock. Mas Pollock, então caindo no alcoolismo avançado, vivia principalmente em Springs (uma aldeia perto de East Hampton em Long Island) e raramente era visto em Manhattan. O centro das atenções, portanto, se concentrou em De Kooning, que se tornou o centro de uma cena animada. Muitos o consideravam irresistível, com seu olhar de marinheiro holandês, inglês idiossincrático e sotaque encantador. Ele amava gíria americana. Ele chamaria uma foto de "ótimo" ou um amigo "uma batata quente".

Nesse mundo de estufa, De Kooning tinha muitos casos amorosos emaranhados, assim como Elaine. (Eles se separaram na década de 1950, mas nunca se divorciaram.) O caso de De Kooning com Joan Ward, artista comercial, levou ao nascimento, em 1956, de sua única filha, Lisa, a quem ele sempre se dedicava - embora nunca se tornasse muito de um pai do dia-a-dia. Ele também teve um longo caso com Ruth Kligman, que havia sido namorada de Pollock e que sobreviveu ao acidente de carro em 1956 que matou Pollock. Kligman era tanto uma artista aspirante que desejava ser a musa de um pintor importante e uma jovem sensual que evocava estrelas como Elizabeth Taylor e Sophia Loren. "Ela realmente colocou chumbo no meu lápis", disse De Kooning.

Seguindo a série Woman, De Kooning desenvolveu uma série de abstrações (a mais conhecida é a segunda-feira de Páscoa ) que capturam a sensação de vida agitada e agitada da cidade de Nova York em meados do século. No final dos anos 50, ele simplificou sua pincelada. Agora, largas faixas largas de tinta começaram a varrer a tela. Ele estava gastando cada vez mais tempo em Springs, onde muitos de seus amigos tinham lugares de verão. As imagens do final dos anos 50 aludem frequentemente à luz e à cor do campo, contendo, é claro, elementos figurativos. Ruth's Zowie (1957) tem uma espécie de declarativo élan e confiança. (Kligman forneceu o título quando entrou no estúdio de Kooning e, vendo a foto, exclamou "Zowie!") O próprio De Kooning nunca aprendeu a dirigir um carro, mas adorava viajar pelas novas e amplas rodovias americanas. Em 1959, o mundo da arte envolveu a abertura da galeria do que às vezes é chamado de sua série de rodovias: grandes paisagens corajosas.

De Kooning nunca foi totalmente confortável como uma celebridade. Ele sempre permaneceu, em parte, um menino pobre de Rotterdam. (Quando ele foi apresentado à Sra. John D. Rockefeller III, que acabara de comprar a Mulher II, ele fez uma birra e disse: "Você parece um milhão de dólares!") Como muitos de seus contemporâneos, ele começou a beber muito. . No auge de seu sucesso no final da década de 1950, de Kooning era um bebedor compulsivo, às vezes desaparecendo por mais de uma semana de cada vez.

Nos anos 50, muitos jovens artistas haviam imitado De Kooning; os críticos os chamavam de pintores de “segunda geração” - isto é, seguidores de pioneiros como De Kooning. Nos anos 60, entretanto, o mundo da arte estava mudando rapidamente à medida que artistas pop e minimalistas, como Andy Warhol e Donald Judd, traziam uma ironia legal e conhecedora da arte que era estranha à exuberante sensibilidade de De Kooning. Esses jovens artistas não queriam ser “segunda geração”, e começaram a desconsiderar o trabalho do pintor mais antigo como muito bagunçado, pessoal, europeu ou, como de Kooning poderia dizer, chapéu velho.

Em 1963, quando De Kooning se aproximou da idade de 60 anos, ele deixou Nova York para Springs com Joan Ward e sua filha. Sua vida em Long Island foi difícil. Ele foi dado a melancolia, e ele se ressentiu de ser tratado como um pintor deixado para trás pela história. Ele ainda ia em dobradores periódicos, que às vezes terminavam com sua admissão no Hospital Southampton. Mas sua arte continuou a se desenvolver de maneiras novas e extraordinárias.

De Kooning mergulhou na zona rural de Long Island. Ele construiu um estúdio grande e excêntrico que ele comparou a um navio, e ele se tornou uma figura familiar em volta de Springs, andando de bicicleta pelas estradas arenosas. Seu trabalho figurativo dos anos 60 era freqüentemente perturbador; seu gosto pela caricatura e o grotesco, aparente em Mulher I, também foi encontrado em trabalhos tão carregados de sexo como The Visit (1966-67), uma imagem molhada e suculenta de uma mulher sorridente de rã deitada de costas. Em seus quadros mais abstratos, o corpo feminino e a paisagem cada vez mais pareciam se fundir na tinta solta e aquosa.

De Kooning também começou a fazer esculturas figurativas extraordinariamente táteis: Clamdigger (1972) parecia retirado do limo primordial. As pinturas que se seguiram, como ... Cujo Nome foi Escrito em Água (1975), não foram menos táteis, mas não tiveram a mesma turvação. Erupções extáticas de água, luz, reflexo, pintura e sensação corporal - talvez um reflexo, em parte, da paixão de De Kooning pelo último grande amor de sua vida, Emilie Kilgore - as pinturas parecem-se com nada mais na arte americana. E ainda, no final dos anos 70, De Kooning abruptamente, e tipicamente, terminou a série. As fotos, ele disse, vinham com muita facilidade.

Foi também no final dos anos 70 que De Kooning começou a exibir sinais de demência. Sua esposa, Elaine, que voltou a sua vida neste momento, começou a monitorá-lo com cuidado. Cada vez mais, à medida que os anos 80 avançavam, ele dependeria de assistentes para mover suas telas e expor suas tintas. Alguns críticos depreciaram as pinturas cada vez mais sobressalentes desse período. Elderfield, no entanto, trata o estilo tardio com respeito. No melhor dos últimos trabalhos, De Kooning parece estar seguindo sua mão, a pincelada inimitável liberta de qualquer carga e ainda viva como sempre. “Então há um tempo na vida”, ele disse em 1960, enquanto se cansava da cidade de Nova York, “quando você simplesmente dá um passeio: e você caminha em sua própria paisagem”.

De Kooning morreu em 19 de março de 1997, em seu estúdio em Long Island, aos 92 anos de idade. Ele percorreu uma distância enorme durante sua longa vida, movendo-se entre a Europa e a América, antigo mestre e modernista, cidade e país. A arte de De Kooning, disse o pintor Robert Dash, "sempre parece estar dizendo adeus". O próprio De Kooning gostava de dizer: "Você tem que mudar para continuar o mesmo".

Mark Stevens é o co-autor, com sua esposa Annalyn Swan, do ganhador do prêmio Pulitzer de Kooning: An American Master .