A partitura da composição indeterminada de John Cage, “Fontana Mix” (imagem: BBC Radio 3)
Com o desenvolvimento da notação musical, a música foi libertada dos delicados elos das tradições orais e auditivas. Uma estrutura subjacente padronizada significava que tudo, desde o canto gregoriano até “Johnny B Goode”, poderia ser preservado e proliferado com relativa facilidade. No entanto, começando nos anos após a Segunda Guerra Mundial, alguns músicos e compositores mais progressistas começaram a pensar que a equipe de música poderia ser mais restritiva do que libertadora e começaram a experimentar novas formas mais expressivas de notação de música gráfica.
O compositor americano John Cage explorou a possibilidade de uso e indeterminação em suas composições musicais com o objetivo de apagar sua própria subjetividade de sua música, a mão dos artistas, por assim dizer. Para comunicar suas “composições” indeterminadas, para usar o termo livremente, Cage desenvolveu métodos elaborados de notação gráfica envolvendo uma série de transparências. Ele usou este método pela primeira vez na pontuação de 1958 para “Variações I”, que consistia de seis quadrados transparentes - um com 27 pontos representando som e cinco com cinco linhas, representando qualquer valor musical atribuído. A composição foi derivada colocando os quadrados em cima uns dos outros em qualquer combinação. Cage continuaria a desenvolver e expandir este método ao longo das décadas de 50 e 60, como pode ser visto na imagem superior que descreve a partitura mais elaborada de “Fontana Mix”. A notação de Cage consiste em quatro fitas cassete multicanal, dez transparências com minúsculas pontos, uma transparência com uma linha reta e dez folhas de papel nas quais linhas rabiscadas coloridas eram desenhadas, e uma "pauta" em forma de papel quadriculado. As transparências eram usadas para derivar coordenadas que eram usadas para determinar qual fita era usada, bem como os valores do som da fita: comprimento (em polegadas), volume, timbre e assim por diante. De acordo com o Guia de Música Clássica All Music, Cage descreveu a partitura como “uma câmera da qual qualquer pessoa pode tirar uma foto”.
A partitura de “Pendulum Music” de Steve Reich (imagem: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
A partitura de “Pendulum Music” de Steve Reich (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) A partitura de Steve Reich para “Pendulum Music” é um conjunto de instruções simples e escritas que descrevem como a peça é encenada e executada. A gravação acima foi feita por Sonic Youth para seu álbum de 1999, SYR4: Goodbye 20th Century. Partes da partitura manuscrita são um pouco difíceis de ler, então aqui está uma transcrição:
“2, 3, 4 ou mais microfones são suspensos no teto por seus cabos, de forma que todos fiquem à mesma distância do chão e fiquem livres para balançar com um movimento pendular. O cabo de cada microfone é conectado a um amplificador conectado a um alto-falante. Cada microfone paira alguns centímetros diretamente acima ou ao lado do alto-falante.
O desempenho começa com os artistas pegando cada microfone, puxando-o para trás como um balanço e, em uníssono, liberando todos eles juntos. Os artistas, então, cuidadosamente apontam cada amplificador até o ponto em que a realimentação ocorre quando um microfone oscila diretamente sobre ou ao lado do alto-falante. Assim, uma série de impulsos de retroalimentação são encabeçados, os quais serão unidos ou não, dependendo das relações de fase que mudam gradualmente dos diferentes pêndulos do microfone.
Artistas se sentam para assistir e ouvir o processo junto com o público.
A peça termina algum tempo depois de todos os microfones terem parado e estarem transmitindo um tom contínuo por artistas que retiraram os cabos de força dos amplificadores ”.
A notação gráfica de Brian Eno para Music for Airports (Publicado na parte de trás da capa do álbum) Em 1978, o músico Brian Eno criou o álbum seminal Ambient 1: Music for Airports . Eno cunhou o termo “ambient” para descrever esta paisagem sonora atmosférica e distingui-la da “música de elevador” enlatada pioneira de Muzak. Ao fazê-lo, ele criou não apenas um álbum, mas todo um gênero de música. Eno foi inspirado por compositores como Cage e Reich, mas não teve formação musical formal. Quando perguntado por uma entrevista por que ele nunca aprendeu a ler música, Eno, que preferiu compor diretamente na fita, respondeu:
“Não seria muito útil para mim. Houve uma ou duas ocasiões em que fiquei preso em algum lugar sem meu gravador e tive uma idéia, tentei memorizá-lo, e como uma boa ideia quase sempre depende de alguma nuance desconhecida, é, portanto, automaticamente difícil de lembrar. Então, nessas raras ocasiões, pensei: 'Deus, se eu pudesse escrever isso'. Mas, na verdade, muito do que eu faço tem a ver com a textura do som, e você não pode notá-lo de qualquer maneira… Isso porque a notação musical surgiu em um momento em que as texturas do som eram limitadas. Se você disse violinos e woodwind que definiram a textura do som, se eu digo sintetizador e guitarra isso não significa nada - você está falando sobre 28.000 variáveis. ”
Em vez de notação tradicional, Eno criou os gráficos vistos acima, que parecem estar mais preocupados em comunicar uma impressão visual da música e não são realmente destinados a ser usados como um guia para tocar a música.
Uma página da partitura para “Polymorphia” de Krzysztof Penderecki (Ex Tempore) "Polymorphia", de Krzysztof Penderecki, foi encomendado pela Radio Radio Alemã do Norte em 1961. Como o nome sugere, a peça de fato assume várias formas e muda drasticamente de seção para seção. Com “Polymorphia”, Penderecki estava procurando por novas possibilidades sonoras e, se essas possibilidades incluíssem “aterrorizante house music assombrada”, ele absolutamente acertou em cheio. A composição é destinada a 48 instrumentos de corda e enfatiza timbre ao invés de pitch, e a colisão de corpos geradores de som feitos de metal, madeira ou couro - o que o estudioso de música Danuta Mirka chama de “materiais primários” do compositor. A notação foi inspirada, em parte, por eletroencefalogramas - medidas visuais da atividade cerebral. Ele evita medidas tradicionais em favor de uma partitura dividida em seções de comprimento variável e, em algumas seções, outras divisões verticais para marcar cada segundo, com um “espaço total de pitch” descrevendo o tom relativo de cada instrumento.
Página 183 da partitura para "Treatise" de Corenlius Cardew (Spiral Cage) O “Treatise” do compositor inglês Cornelius Cardew foi escrito de 1963 a 1967. Consiste em 193 páginas de notação gráfica que empregam números, formas e símbolos ambíguos que Carew pretendia que fossem interpretados pelo intérprete. Ele sugere que os artistas concordem com suas próprias regras antes do desempenho, mas não fornece outras instruções explícitas para interpretar a peça. No manual “Treatise”, Cardew oferece conselhos adicionais, enigmáticos, como “Lembre-se que o espaço não corresponde literalmente ao tempo” e “Há uma grande diferença entre: a) fazer o que você gosta e ao mesmo tempo ler as notações, eb) ler as notações e tentar traduzi-las em ação. É claro que você pode deixar a partitura trabalhar em material previamente dado, mas você deve fazer com que ela funcione ativamente. ”A única constante em todo o“ Tratado ”é a“ linha da vida ”no centro da partitura. Não tem valor intrínseco, mas é frequentemente usado por artistas como uma referência de referência para pitch ou algum outro valor musical. Em última análise, "Tratado" é notação como forma de arte. Como Carew diz: “A notação é mais importante que o som. Não a exatidão e o sucesso com que uma notação indica um som; mas a musicalidade da notação em sua notação ”.
Notação de xadrez sobreposta à imagem de uma partida de xadrez musical entre Marcel Duchamp e John Cage (Parsons) No fechamento, a meia notação. Eu só considero isso como metade porque usa um sistema de notação tradicional, mas não um sistema de notação musical . Em 1968, John Cage jogou uma partida de xadrez contra Marcel DuChamp como parte da performance colaborativa Reunion (pdf), que também contava com música eletrônica de David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor e Lowell Cross. Dado o seu interesse pelo acaso, não é surpresa que Cage tenha concebido o trabalho, mas foi composto pelos músicos acima mencionados. A placa em si foi projetada por foto-resistores cruzados e ocultos, microfones de contato e conexões para geradores de som. Durante a partida, o movimento das peças ativou luzes e música eletrônica, transformando o ambiente de exibição de acordo com o movimento das peças no tabuleiro. A arte do xadrez transformou-se em música e luz, uma espécie de sinestesia estratégica. É uma ideia fascinante. Como seria a Defesa Siciliana? Ou o Gambito de uma Rainha?
Os exemplos acima representam tanto a notação para música experimental quanto a notação experimental para música. Mas são apenas alguns dos muitos modos de notação gráfica e experimental que foram explorados pelos artistas nos últimos 60 anos. Enquanto alguns artistas acham as restrições inspiradoras - mesmo que essas restrições sejam aparentemente tão ilimitadas quanto a notação musical -, outras pessoas acham que o progresso só pode ser feito quebrando os modos aceitos de produção e comunicação. E, embora os resultados não sejam sempre agradáveis, eles são inegavelmente interessantes e representam um esforço sincero para levar uma forma de arte a um território inexplorado. Vanguarda no verdadeiro sentido da palavra.
