O trabalho de Diane Arbus foi incluído em apenas um punhado de exposições de museus antes de ela morrer, por sua própria mão, aos 48 anos de idade em 1971. No entanto, ela já ganhara renome com uma série de imagens inesquecíveis - um "gigante judeu" sobre seus pais de óculos, um casal de idosos sentado nu em uma cabana de acampamento de nudismo, um garoto fazendo caretas segurando uma granada de brinquedo - que parecem refletir nossos medos mais profundos e desejos mais particulares.
A primeira grande retrospectiva do trabalho de Arbus foi realizada em 1972, um ano após sua morte, no Museu de Arte Moderna (MOMA), em Nova York, onde viveu a maior parte de sua vida. O show atraiu multidões e elogios para a humanidade e beleza formal de seu trabalho. Mas alguns acharam suas imagens perturbadoras, até mesmo repulsivas: a crítica Susan Sontag, por exemplo, chamou seus retratos de “monstros variados e casos de linha de fronteira”. . . . anti-humanista. ”O trabalho de Arbus, escreveu Sontag, “ mostra pessoas que são patéticas, lamentáveis e repulsivas, mas que não despertam sentimentos de compaixão ”.
Hoje Arbus, que uma vez disse que suas fotos procuravam capturar "o espaço entre quem é alguém e quem eles pensam que são", tornou-se um dos fotógrafos mais conhecidos da América e um dos mais controversos. Mas suas conquistas como artista foram ofuscadas pelo seu suicídio e pela estranheza perturbadora que brota de suas fotos. Famosa como uma “fotógrafa de aberrações”, ela foi considerada uma espécie de aberração.
Agora, uma nova geração de espectadores e críticos está debatendo o significado e o significado das imagens perturbadoras e inquietantes de Arbus, graças a “Diane Arbus Revelations”, uma exposição de quase 200 fotos em exibição no Museu de Arte do Condado de Los Angeles até maio. 31. A primeira retrospectiva de Arbus desde o show de 1972 do MOMA, “Revelations”, a coloca no centro da fotografia americana do século XX.
"Colocar Arbus no papel de uma figura trágica que se identificou com as aberrações é banalizar sua realização", diz Sandra S. Phillips, curadora sênior de fotografia do Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), onde a mostra se originou. “Ela era uma grande fotógrafa humanista que estava na vanguarda do que se tornou reconhecido como um novo tipo de arte fotográfica.”
A exposição já provocou fortes reações críticas. O crítico de arte de San Francisco Chronicle, Kenneth Baker, elogiou o trabalho de Arbus por sua inteligência e compaixão, e Arthur Lubow, escrevendo na New York Times Magazine, chamou-a de "uma das artistas americanas mais poderosas do século XX". como culpado e mórbido. "Arbus é um desses boêmios desonestos", escreveu Jed Perl, da The New Republic, "que celebram excentricidades de outras pessoas e estão, ao mesmo tempo, engrandecendo sua própria visão narcisista pessimista do mundo."
As opiniões provavelmente se tornarão ainda mais profundas à medida que a série se movimentar pelo país - ao lado do Museu de Belas Artes de Houston (27 de junho a 29 de agosto) e depois no Metropolitan Museum of Art em Nova York (de 1º de março a 29 de maio)., 2005). Locais adicionais incluem o Museu Folkwang em Essen, Alemanha, o Victoria and AlbertMuseum em Londres e o WalkerArtCenter em Minneapolis.
Jeff Rosenheim, curador-associado de fotografia do Metropolitan, acredita que as fotos de Arbus continuam sendo provocativas porque levantam questões perturbadoras sobre a relação entre fotógrafo, assunto e público. “O trabalho dela implica você e a ética da visão em si”, diz ele. “Nossa licença para ter essa experiência de ver outra pessoa é mudada e desafiada, apoiada e enriquecida. Acredito firmemente que esta pode ser a mais importante exposição de fotografia de um único artista que nosso museu fará ”.
Até recentemente, o mistério rodeava muitos dos detalhes da vida e obra de Arbus. Durante décadas, a sua propriedade recusou-se a cooperar com qualquer esforço para escrever uma biografia de Arbus e permitiu ao público ver apenas uma pequena parte do seu trabalho. Tudo isso mudou com a nova exposição, que foi desenvolvida com a colaboração da fazenda e de seu administrador, Doon Arbus, o mais velho das duas filhas de Arbus. O show inclui não apenas as fotos mais famosas de Arbus, mas também fotografias antigas e trabalhos amadurecidos que nunca foram exibidos antes. Além disso, exibições de seus livros, câmeras, cartas e cadernos de trabalho transmitem uma sensação poderosa da personalidade do fotógrafo - caprichosa, inteligente e infinitamente curiosa.
"Esta é uma nova visão da Arbus, através de suas próprias palavras", diz a curadora independente Elisabeth Sussman, que organizou a retrospectiva com Phillips da SFMOMA. "Ela era extremamente inteligente, espirituosa e incrivelmente perspicaz, e as fotografias são apenas uma parte disso."
O catálogo da exposição, Diane Arbus Revelations (Random House), oferece não só a mais completa seleção de imagens de Arbus, mas também uma fascinante cronologia ilustrada de 104 páginas da vida de Arbus, repleta de trechos de suas cartas e outros escritos. A cronologia, reunida por Sussman e Doon Arbus, é efetivamente a primeira biografia autorizada do fotógrafo e a primeira a poder recorrer aos seus trabalhos.
Arbus nasceu Diane Nemerov em 1923. Sua mãe, Gertrude, escolheu o nome de sua filha, pronunciando "Dee-Ann". O talento era abundante na família Nemerov, um rico clã de Nova York que dirigia a Russek, uma elegante loja de departamentos da Quinta Avenida. O irmão mais velho de Diane era Howard Nemerov, um poeta vencedor do prêmio Pulitzer que foi nomeado poeta americano em 1988. Sua irmã mais nova, Renée Sparkia, tornou-se escultora e designer. Depois de se aposentar de Russek, seu pai, David Nemerov, lançou uma segunda carreira de sucesso como pintor.
Os dons artísticos e literários de Diane eram evidentes desde o início. Seu pai a encorajou a se tornar pintora e estudou arte no ensino médio. Aos 14 anos, ela se apaixonou por Allan Arbus, o sobrinho de 19 anos de um dos parceiros de negócios de seu pai. Seus pais desaprovaram sua paixão, mas o romance floresceu em segredo. Logo Diane perdeu o interesse em pintar e em ir para a faculdade, dizendo que sua única ambição era se tornar a esposa de Allan. "Eu odiava pintar e desisti logo depois do ensino médio porque sempre me diziam como eu era sensacional", disse ela muitos anos depois. "Eu tive a sensação de que, se eu fosse tão bom nisso, não valeria a pena."
Diane e Allan se casaram assim que completou 18 anos, em 1941, com a aceitação relutante de sua família. O casal buscou um interesse comum pela fotografia, transformando o banheiro de seu apartamento em Manhattan em uma câmara escura de meio período. David Nemerov deu-lhes trabalho fotografando fotografias de moda para as propagandas de Russek.
Durante a Segunda Guerra Mundial, Allan serviu como fotógrafo militar. Uma das primeiras fotografias do programa “Revelations” é um autorretrato de 1945 que Diane fez para Allan enquanto ele estava no Exército. Embora grávida de Doon, que nasceria no final daquele ano, na foto ela ainda é esbelta e muito bonita, com olhos escuros e um ar melancólico e sobrenatural.
Depois da guerra, a carreira dos Arbuses como fotógrafos comerciais decolou, e logo eles estavam trabalhando para as principais revistas femininas e agências de publicidade. Normalmente, Allan fazia as fotos enquanto Diane inventava idéias e adereços inteligentes. Diane também cuidou de Doon e sua segunda filha, Amy, nascida em 1954. (Doon, agora com 59 anos, tornou-se escritora, trabalhou em vários projetos de revista com sua mãe e publicou mais tarde dois livros com o fotógrafo Richard Avedon. passos e tornou-se fotógrafo.)
Uma fotografia que Allan e Diane fizeram para a revista Vogue de um pai e filho lendo um jornal foi incluída no popular programa “The Family of Man” do Museu de Arte Moderna em 1955. Mas ambos se sentiram frustrados com as limitações e tensões da moda. trabalhos. Diane queria ser uma artista, não apenas uma estilista, enquanto Allan sonhava em se tornar um ator. Seu descontentamento crescente colocou pressão sobre o casamento deles. O mesmo aconteceu com os episódios depressivos que Diane sofreu, semelhantes ao desespero que paralisou periodicamente sua mãe. Em 1956, Diane deixou o negócio do casal para fazer fotografias sozinha. Allan continuou a trabalhar sob o nome de Diane & Allan Arbus, tendo aulas de teatro e iniciando uma carreira no teatro.
Embora revistas como Life, Look e Saturday Evening Post criassem um mercado em expansão para a fotografia, havia pouco interesse em fotos cujo único propósito era ser uma obra de arte, em vez de documentar realidades sociais ou vender produtos. No entanto, Robert Frank, William Klein e outros refugiados do mundo da moda estavam seguindo sua própria visão do que a fotografia poderia ser, e uma abordagem favorita era a fotografia de rua, que descobriu beleza e significado inesperados em pessoas e lugares comuns.
Várias das primeiras fotografias de Diane Arbus na exposição atual a mostram experimentando sua própria versão de fotografia de rua. Mas ela ainda não havia encontrado o assunto. Um ponto de virada veio quando ela fez uma aula com a fotógrafa Lisette Model, nascida em Viena, na NewSchool de Nova York.
"Ela veio até mim e disse: 'Eu não posso fotografar'", disse Model mais tarde a Doon Arbus. “E eu disse: 'Por que não?' E ela disse: "Porque o que eu quero fotografar, não posso fotografar". Modelo disse Diane para ir para casa e descobrir o que ela realmente queria tirar fotos. “E na próxima sessão ela veio até mim e disse: 'Quero fotografar o que é mal'. E foi isso ”, disse Model.
“Eu acho que o que ela quis dizer não era que era mal, mas que era proibido, que sempre tinha sido muito perigoso, assustador demais ou feio demais para qualquer outra pessoa ver”, escreveu Doon em uma reminiscência publicada logo depois dela. a morte da mãe. "Ela estava determinada a revelar o que os outros haviam aprendido a dar as costas".
Fascinada pela tomada de riscos, Diane abraçou por muito tempo as atitudes de vida no centro da vida da cidade de Nova York sobre dinheiro, status social e liberdade sexual. Agora ela perseguia o mesmo tipo de emoção em suas fotografias. “Eu sempre achei que a fotografia era uma coisa impertinente para fazer - essa era uma das minhas coisas favoritas sobre isso, e quando fiz isso pela primeira vez, me senti muito perversa”, lembrou ela mais tarde. O modelo frequentemente tirava fotografias das partes mais esfarrapadas da cidade, incluindo Coney Island e o Museu Hubert, um espetáculo à parte na Times Square. Arbus foi ainda mais longe, explorando museus de cera, salões de dança e flophouses. "Minha coisa favorita", Arbus é citado frequentemente como dizendo, "é ir onde eu nunca estive."
Temos um vislumbre de sua sensibilidade onívora nas exibições de materiais pessoais na exposição. Existem livros de arte bem delineados (em Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) e textos tanto ponderosos (ensaios filosóficos de Schopenhauer) quanto hip (poema épico de Allen Ginsberg, Howl ) ao lado de listas de idéias para projetos (“sessão, ciganos, tatuagem, abertura da ópera nos bastidores ”), coleções de recortes de jornais (“ Woman Tortured by Agonizing ITCH ”) e lembranças de personagens estranhos (o“ Human Blimp ”de 942 libras). A criação de um de seus quadros de avisos combina suas próprias fotografias (de uma aberração de circo de três olhos e sua esposa, de uma menina bonita e sua mãe) com cartões postais, instantâneos, fotos de tablóides (uma múmia desembrulhada, J. Edgar Hoover) e um painel arrancado de um aviso em quadrinhos “Orphan Annie”, “As melhores coisas levadas ao excesso estão erradas”.
Em 1959 os Arbuses se separaram e Diane mudou-se para uma pequena casa de carruagens em Greenwich Village com suas duas filhas. Sua nova situação e sua determinação de ser independente criaram pressão sobre ela para gerar mais renda. Felizmente, novas oportunidades estavam se abrindo. Algumas revistas estavam começando a publicar uma marca de jornalismo mais pessoal e inovadora, que precisava de um novo tipo de fotografia conscientemente artístico para complementá-lo. No outono de 1959, Diane obteve seu primeiro trabalho na revista, um ensaio fotográfico sobre a cidade de Nova York para a revista Esquire que incluía retratos de um excêntrico do Skid Row, um artista de espetáculo conhecido como Jungle Creep, uma jovem socialite e um cadáver anônimo.
As imagens, no entanto, não têm a aparência de foco nítido que geralmente associamos à Arbus. Na década de 1950 e início dos anos 60, ela usava uma câmera de 35 milímetros e iluminação natural, e seu trabalho daquele período mostrou a influência de Model, Robert Frank e outros profissionais da fotografia de rua. Como eles, ela favorecia superfícies turvas e texturas granuladas, muito distantes da aparência arrumada das principais fotografias comerciais.
Então, por volta de 1962, ela mudou para uma câmera de formato 2 1/4, o que lhe permitiu criar imagens mais nítidas com detalhes brilhantes. Descrevendo essa mudança anos depois, ela lembrou que se cansara das texturas granulosas e queria “ver a diferença entre carne e material, as densidades de diferentes tipos de coisas: ar, água e brilho”. Ela acrescentou: “Comecei a fique terrivelmente empolgado com clareza. ”
Essa mudança não era meramente uma questão de tamanho da câmera ou de opções de iluminação (ela posteriormente adicionou um flash estroboscópico). Mais e mais, Arbus fez seu relacionamento intenso com as pessoas que ela fotografou o assunto de seu trabalho - sua curiosidade sobre os detalhes de suas vidas, sua vontade de compartilhar seus segredos e o desconforto emocionante que sentiu durante esses encontros. "Ela poderia hipnotizar as pessoas, eu juro", disse o colega fotógrafo Joel Meyerowitz, segundo a biografia não autorizada de Arbus, de Patricia Bosworth, em 1984. “Ela começava a conversar com eles e eles ficariam tão fascinados com ela quanto com eles.” Esse senso de mutualidade é uma das coisas mais impressionantes e originais sobre as fotografias de Arbus, dando-lhes uma lucidez e foco que são tanto psicológico como fotográfico.
Um leitor do tratado de Freud, Nietzsche e James Frazer sobre religião e mitologia, Arbus viu os artistas de circo, excêntricos, anões e travestis que ela fotografou como personagens fascinantes da vida real e como figuras míticas. Através deles, ela encontrou seu caminho para ainda mais pessoas e lugares, longe de seu próprio passado. “Eu aprendi a passar pela porta, de fora para dentro”, ela escreveu em um pedido de bolsa em 1965. “Um meio leva a outro. Eu quero ser capaz de seguir.
Sua inteligência e beleza elfin provaram ativos valiosos. E sua excitada apreciação de quem a considerava extraordinária permitiu que ela entrasse no boudoir de um imitador, no quarto de hotel de um anão e em inúmeros outros lugares que teriam sido fechados para um fotógrafo menos persistente e menos atraente. Depois de obter permissão para tirar fotos, ela pode passar horas, até dias, filmando seus assuntos de novo e de novo e de novo.
Seus assuntos muitas vezes se tornaram colaboradores no processo de criação, às vezes ao longo de muitos anos. Por exemplo, o anão mexicano que ela fotografou em um quarto de hotel em 1960 ainda aparecia em suas fotografias dez anos depois. E ela primeiro fotografou Eddie Carmel, a quem chamou de gigante judia, com seus pais em 1960, dez anos antes de finalmente capturar o retrato que procurava.
Quando Arbus foi a São Francisco em 1967, o fotógrafo Edmund Shea apresentou-a a algumas "garotas hippies" que trabalhavam como dançarinas de topless. Ele não ficou surpreso que Arbus foi capaz de convencê-los a posar para ela. “Algumas pessoas gostam de pensar nela como cínica. Isso é um equívoco total ”, diz ele. “Ela estava muito emocionalmente aberta. Ela era muito intensa e direta, e as pessoas relacionadas a isso. ”A própria Arbus tinha sentimentos mistos sobre sua capacidade de extrair seus assuntos. “Tipo de duas caras” é como ela uma vez se descreveu: “Eu me ouço dizendo: 'Que legal'. . . . Eu não quero dizer que eu gostaria de parecer assim. Não quero dizer que gostaria que meus filhos se parecessem com isso. Não quero dizer em minha vida particular que quero te beijar. Mas quero dizer que é incrivelmente, inegavelmente, alguma coisa.
Durante vários anos, as fotos distintas da Arbus se mostraram populares entre os editores de revistas. Na sequência daquele primeiro ensaio fotográfico da Esquire, ela publicou mais de 250 fotos no Harper's Bazaar, na Sunday Times Magazine de Londres e em mais de uma dúzia de outras revistas, e gerou centenas de fotos adicionais que foram atribuídas, mas que não foram publicadas. Ela também fez um pequeno número de comissões privadas, uma das quais forma a base de uma pequena exposição de Arbus que também está viajando pelo país este ano e no próximo. Intitulada “Diane Arbus: Family Albums”, a série teve origem no Museu de Arte Mount Holyoke College, em Massachusetts, e apresenta alguns dos retratos de celebridades da Arbus, juntamente com as folhas de contato completas de uma recém-descoberta sessão de fotos com uma família Manhattan. A corrida do show inclui paradas em Maine, Oregon e Kansas.
Embora Arbus considerasse grande parte de sua fotografia como um mero pagamento de contas, ela muitas vezes convenceu editores de revistas a ajudar a financiar e obter acesso para seus projetos artísticos. Algumas de suas fotografias mais pessoais e mais conhecidas - o retrato de 1970 do rei e da rainha da dança de um idoso, por exemplo - apareceram pela primeira vez em revistas de grande circulação. Ao mesmo tempo, o mundo das artes plásticas começou a reconhecer que os quadros de Arbus eram mais do que um jornalismo de revista inteligente. Em 1967, 32 de suas fotografias foram escolhidas pelo MOMA para sua exposição “New Documents”. O show também incluiu o trabalho de dois outros jovens fotógrafos importantes, Lee Friedlander e Garry Winogrand, mas Arbus atraiu a maior parte da atenção. A revista New York classificou seu trabalho como “brutal, ousado e revelador” e a Newsweek atribuiu a ela “a visão generosa e cristalina de um poeta”. Mas o crítico do New York Times, Jacob Deschin, escreveu que seu trabalho “às vezes. . . fronteiras próximas ao gosto ruim ”, e outros espectadores acharam suas fotos enfurecedoras.
“Eu me lembro de ir para 'Novos Documentos' quando estava na faculdade e ver um homem cuspir no trabalho dela”, diz Phillips, da SFMOMA. “As pessoas não tinham visto uma imagem inequívoca de um homem em bobes com unhas compridas fumando um cigarro, e na época parecia um confronto. Agora, a essa distância no tempo, parece elegíaca e empática, em vez de ameaçadora. Arbus achou difícil lidar com a atenção. "O show foi esplêndido, mas muitas chamadas, cartas e pessoas pensando que eu sou um especialista ou incrivelmente amável", escreveu ela a um amigo. “Eu preciso ser desamparada e anônima para ser verdadeiramente feliz.” Ela disse a um entrevistador da Newsweek, “Eu sempre achei que esperaria até os noventa anos para ter um show. . . Eu queria esperar até ter tudo pronto.
Perversamente, sua fama crescente coincidiu com uma queda nas atribuições, em parte por causa da mudança de moda, em parte porque as celebridades podem ter sido cauteloso sobre ser fotografado por uma mulher que estava se tornando renomada (nas palavras de um crítico) como “o feiticeiro”. Para complicar ainda mais as coisas, Allan, a quem ela permaneceu por perto, mudou-se para a Califórnia em 1969 para buscar uma carreira de ator em tempo integral. Ele finalmente conseguiu o trabalho em dezenas de filmes e, a partir de 1973, teve um papel de longa data na popular série de TV “M * A * S * H” como o psiquiatra Dr. Sidney Freedman.
Na esperança de trazer alguma renda, Diane lançou planos para vender uma edição limitada de dez de suas fotografias, envoltas em uma caixa de plástico transparente que dobraria como um quadro, por US $ 1 mil por set. O projeto, no entanto, estava à frente de seu tempo, e apenas quatro conjuntos foram vendidos durante sua vida: um para o artista Jasper Johns e os outros três para amigos próximos. "Ela estava tentando empacotar a fotografia como uma forma de arte antes de ser realmente aceita como tal", diz Phillips. Recentemente, um dos conjuntos comandou US $ 380.000 em leilão.
Mas se o dinheiro lhe escapasse, o reconhecimento não. Os museus incluíam seu trabalho em espetáculos e editores pediram, em vão, para sair com um livro de suas imagens. Em 1971, foi escolhida para representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza de 1972 - o primeiro fotógrafo americano a ser tão honrado neste prestigiado evento artístico. Mas ela parece ter considerado essa evidência de sucesso como uma distração de seu desejo de continuar adicionando ao seu catálogo fotográfico - ela chamou de sua coleção de borboletas - de pessoas estranhas e intrigantes. A proposta de bolsa de 1971 (que não foi aceita) descreveu o desejo de fotografar “A diferença. As de nascimento, acidente, escolha, crença, predileção, inércia. ”O desafio, escreveu ela, era“ não ignorá-las, não amontoá-las todas juntas, mas observá-las, prestar atenção, prestar atenção ”.
Um projeto que particularmente a envolveu foi uma série de fotografias, iniciadas em 1969, de residentes em instituições estatais para os severamente retardados. Buscando um novo visual, ela se esforçou para usar a luz natural, em combinação com o flash estroboscópico ou por si só, “tentando tornar minhas fotos nítidas borradas, mas não tanto”, escreveu a seu ex-marido naquele mês de agosto. No final do ano, ela estava obtendo resultados que a animavam. "Eu tirei as fotos mais maravilhosas", ela relatou em outra carta para Allan, chamando-as de "líricas, bonitas e bonitas". Essas imagens marcaram uma nova direção, com sua iluminação suave e composição mais casual - "como instantâneos, mas melhores" Diane escreveu. Nunca mostrada durante sua vida, elas se destacam entre suas fotografias mais emocionantes e poderosas. Mas nem o reconhecimento que ela estava recebendo nem o trabalho em si podiam evitar os períodos de depressão, provavelmente exacerbados por vários surtos de hepatite, que a atormentavam. Em 1968 ela descreveu seu humor sombrio para um amigo como “químico, estou convencido. Energia, algum tipo especial de energia, só vaza e me falta a confiança de atravessar a rua. ”No verão de 1971, ela foi novamente dominada pelo“ blues ”. Dessa vez, eles se mostraram fatais. Em 26 de julho, ela tomou uma grande quantidade de barbitúricos e cortou seus pulsos. Um amigo descobriu seu corpo na banheira de seu apartamento no WestVillage dois dias depois.
A morte de Arbus e o show de 1972 que se seguiu a tornaram famosa de um jeito que ela nunca esteve quando estava viva. Mas alguns críticos encontraram em sua evidência suicida que suas fotos refletiam mais patologia do que arte. De fato, o drama de sua vida às vezes ameaça eclipsar a reputação de seu trabalho. No entanto, por mais que sua arte e vida possam ter ficado confusas, o impacto das fotografias de Arbus e sua capacidade de fundir o mítico com o intensamente pessoal é mais forte do que nunca.
Ao dar ao público a chance de encontrar um número sem precedentes de suas fotos, a exposição “Revelations” demonstra que ela era uma artista de primeira linha e pioneira em quebrar as paredes que separam a fotografia da pintura e o resto do chamado belas-Artes.
O programa também pergunta se a intimidade inquietante que ainda é às vezes vista como uma fraqueza não é uma fonte de poder artístico nos quadros de Arbus. Em seu ensaio de catálogo, Phillips observa o alto valor que o mundo da arte da década de 1960 colocou no trabalho que era "assertivo, até mesmo arrogante e desconfiado de conteúdo", especialmente conteúdo que cheirava a emoção ou narrativa. Por esse padrão, o trabalho de Arbus poderia ser facilmente descartado como muito pessoal, muito neurótico. No século 21, no entanto, com identidade pessoal e questões centrais narrativas para artistas, a Arbus emergiu como uma inovadora ousada.
“Eu nunca fui movido por nenhum outro artista como fui pela Arbus”, diz Rosenheim, do MetropolitanMuseum. “Suas fotos têm esse poder que é a correlação exata da relação íntima que ela deve ter tido com seus sujeitos. Eles afetam para sempre a maneira como você olha para o mundo. ”Se Arbus está fotografando um homem tatuado, uma drag queen ou um bebê choramingando, quanto mais olhamos para suas fotos, mais sentimos que estão olhando para nós.
