Paul Gauguin não careceu de confiança. “Eu sou um grande artista, e eu sei disso”, ele se gabou em uma carta em 1892 para sua esposa. Ele disse o mesmo aos amigos, seus traficantes e ao público, muitas vezes descrevendo seu trabalho como ainda melhor do que o anterior. À luz da história da arte moderna, sua confiança foi justificada.
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Pintor, escultor, gravurista, ceramista e escritor, Gauguin é hoje um dos gigantes do pós-impressionismo e pioneiro do modernismo. Ele também foi um grande contador de histórias, criando narrativas em todos os meios que ele tocou. Algumas de suas histórias eram verdadeiras, outras quase-fabricações. Mesmo as exuberantes obras de arte do Taiti, pelas quais ele é mais conhecido, refletem um paraíso exótico mais imaginário do que real. As fábulas que Gauguin tecera pretendiam promover a si mesmo e à sua arte, uma intenção que era mais bem-sucedida com o homem do que seu trabalho; ele era bem conhecido durante sua vida, mas suas pinturas vendiam mal.
"Gauguin criou sua própria personalidade e estabeleceu seu próprio mito sobre o tipo de homem que era", diz Nicholas Serota, diretor da Tate de Londres, cuja exposição "Gauguin: Criador do Mito" viajou no mês passado para a Galeria Nacional de Washington. of Art (até 5 de junho). "Gauguin tinha a sensação genuína de que ele tinha grandeza artística", diz Belinda Thomson, curadora da exposição da Tate Modern. "Mas ele também joga jogos, então você não tem certeza se pode levá-lo literalmente."
Das quase 120 obras em exibição em Washington, vários auto-retratos tentadores descrevem Gauguin em vários aspectos: pintor lutando em um estúdio de sótão; vítima perseguida; como Cristo no Jardim das Oliveiras. Um autorretrato de 1889 mostra-o com um halo sagrado e uma cobra diabólica (com maçãs do Jardim do Éden, em boa medida), sugerindo o quão contraditório ele poderia ser.
Certamente o artista teria ficado satisfeito com a atenção renovada; seu objetivo, afinal, era ser famoso. Vestiu-se de maneira bizarra, escreveu críticas de auto-serviço de seu trabalho, cortejou a imprensa e até distribuiu fotografias de si mesmo para seus fãs. Ele estava frequentemente bêbado, beligerante e promíscuo - e possivelmente suicida. Ele se afastou da sociedade de Paris para lugares cada vez mais exóticos - Bretanha, Martinica, Taiti e, finalmente, para as Ilhas Marquesas, na Polinésia Francesa - para escapar de um mundo que sentia estar se modernizando rápido demais.
Suas cores vivas, achatamento de perspectiva, formas simplificadas e descoberta da chamada arte primitiva levaram os estudiosos a acreditar que ele influenciava o fauvismo, o cubismo e o surrealismo. Sua personalidade poderosa também ajudou a estabelecer a convenção do artista como iconoclasta (pense em Andy Warhol ou Julian Schnabel). "Ele se inspirou no simbolismo e na poesia franceses, na filosofia inglesa, na Bíblia e nas lendas dos mares do sul", diz Mary G. Morton, curadora de pinturas francesas na National Gallery. "Ele adotou uma abordagem multicultural em seu trabalho".
Soyez mystérieuses (Seja misterioso) é o título que Gauguin deu a uma escultura em madeira em baixo-relevo de uma banhista feminina. Foi um preceito pelo qual ele viveu. Como se suas pinturas não fossem suficientemente cheias de ambigüidade, ele lhes deu títulos deliberadamente confusos. Alguns estavam na forma de perguntas, como De onde viemos? O que nós somos? Onde estamos indo?, uma cena tropical tão intrigante quanto seu título. Outros foram escritos em taitiano, um idioma que alguns compradores em potencial consideraram decepcionante. Mesmo em seus primeiros quadros, Gauguin inseria um objeto estranho: uma caneca enorme, por exemplo, no retrato encantador de seu filho adormecido, Clóvis. Em A perda da virgindade, o elemento estranho é uma raposa, cuja pata repousa casualmente no peito de uma mulher nua deitada em uma paisagem da Bretanha. (A modelo, uma costureira parisiense, logo teria o filho de Gauguin, uma filha chamada Germaine.)
O próprio artista era provavelmente a raposa da foto, um animal que ele dizia ser o "símbolo indiano da perversidade". Um oitavo do peruano, esse filho de parisienses burgueses frequentemente se referia a si mesmo como parte selvagem. Seu primeiro comerciante, Theo van Gogh (irmão de Vincent), sugeriu que o trabalho de Gauguin era difícil de vender porque ele era "meio Inca, meio europeu, supersticioso como o primeiro e avançado em idéias como algumas das últimas".
Os Mares do Sul deram a Gauguin algumas de suas melhores oportunidades de criação de lendas. Desapontado que muitos rituais tradicionais e deuses já haviam desaparecido da cultura taitiana, ele simplesmente reconstruiu a sua própria. De volta a Paris, ele criou uma de suas esculturas mais enigmáticas: uma grotesca fêmea nua de olhos esbugalhados, pisoteando um lobo ensangüentado a seus pés enquanto agarrava uma criatura menor com as mãos. Gauguin considerou sua obra-prima de cerâmica e queria que fosse colocada em sua tumba. Seu título: Oviri, taitiano para "selvagem".
A vida de Gauguin era interessante o suficiente sem toda a mitificação. Ele nasceu Eugene Henri Paul Gauguin em 7 de junho de 1848, em Paris, para um jornalista político, Clovis Gauguin, e sua esposa, Aline Marie Chazal, filha de uma proeminente feminista. Com as revoluções que varreram a Europa quando Paul tinha apenas um ano de idade, a família procurou a relativa segurança do Peru, onde Clovis pretendia começar um jornal. Mas ele morreu no caminho, deixando Aline, Paul e a irmã de Paul, Marie, para continuar em Lima, onde ficaram com o tio de Aline.
Cinco anos depois, eles voltaram para a França; Gauguin estava de volta aos altos mares quando tinha 17 anos, primeiro na marinha mercante, depois na marinha francesa. "Como você pode ver, minha vida sempre foi muito agitada e irregular", escreveu ele em Avant e Après (Antes e Depois), reflexões autobiográficas que foram publicadas após sua morte. “Em mim, muitas misturas.”
Quando a mãe de Gauguin morreu, em 1867, seu amigo Gustave Arosa, um financista e colecionador de arte, tornou-se seu guardião. Arosa apresentou sua ala aos pintores de Paris, ajudou-o a conseguir um emprego como corretor e fez com que ele conhecesse Mette Gad, a mulher dinamarquesa com quem se casaria em 1873.
Na época, Gauguin estava cercado de pessoas que queriam ser artistas, incluindo o colega de bolsa Émile Schuffenecker, que continuaria amigo mesmo depois que os outros se cansassem das palhaçadas de Gauguin. Eles participaram de exposições de arte, compraram quadros franceses e gravuras japonesas, e se interessaram por óleos. Embora fosse apenas um pintor de domingo, Gauguin teve uma paisagem aceita no importante Salão de Paris de 1876. E seis anos depois, quando perdeu o emprego no crash da bolsa de 1882, Gauguin começou a pintar em tempo integral, embora tivesse uma esposa e quatro filhos para sustentar. "Ninguém lhe deu a ideia de pintar", disse Mette a um dos biógrafos de seu marido muito mais tarde. "Ele pintou porque não podia fazer o contrário."
Para economizar dinheiro, a família, que incluiria cinco crianças, mudou-se para a casa da família de Mette em Copenhague. Gauguin descreveu a si mesmo como "mais do que nunca atormentado por sua arte", e durou apenas meio ano com seus sogros, retornando com o filho Clóvis para Paris em junho de 1885. Clóvis foi colocado sob os cuidados de Maria; Gauguin nunca mais morou com a família.
Uma busca por acomodações cada vez mais baratas levou-o a Brittany em 1886, onde o artista logo escreveu a sua esposa com bravura característica que ele era "respeitado como o melhor pintor" em Pont-Aven, "embora isso não coloque mais dinheiro no meu bolso. ”Os artistas foram atraídos para a aldeia na ponta ocidental da França pela rusticidade de sua paisagem, os habitantes fantasiados que estavam dispostos a posar e as superstições celtas revestidas com rituais católicos que permeavam a vida cotidiana. "Eu amo a Bretanha", escreveu Gauguin. “Eu acho o selvagem e o primitivo aqui. Quando meus tamancos ressoam nesse terreno de granito, ouço o ruído abafado e poderoso que estou procurando na pintura.
Embora fosse um admirador de Claude Monet, colecionador de Paul Cézanne, aluno de Camille Pissarro e amigo de Edgar Degas, Gauguin há muito procurava ir além do impressionismo. Ele queria que sua arte fosse mais intelectual, mais espiritual e menos dependente de impressões rápidas do mundo físico.
Em Pont-Aven, seu trabalho tomou uma direção radicalmente nova. Sua visão do sermão foi a primeira pintura em que ele usou cores vibrantes e formas simples dentro de negrito, contornos pretos, em um estilo chamado cloisonnism lembra de vitrais. O efeito moveu a pintura da realidade natural para um espaço mais espiritual. No Sermão, um galho de árvore em um campo de vermelhão divide a imagem na diagonal, em estilo japonês. Em primeiro plano, um grupo de mulheres bretãs, com seus gorros tradicionais parecendo “capacetes monstruosos” (como Gauguin escreveu para Vincent van Gogh), fechou os olhos em devaneio. No canto superior direito está sua experiência religiosa coletiva: a cena bíblica de Jacó lutando com um anjo de asas de ouro. A resposta de um crítico ao quadro evocativo e alucinatório era ungir Gauguin, o mestre do Simbolismo.
Satisfeito com a tela grande, Gauguin alistou amigos artistas para levá-lo para apresentação em uma igreja de pedra próxima. Mas o padre local recusou a doação como “não-religioso e desinteressante”. Gauguin aproveitou essa afronta como oportunidade de relações públicas, escrevendo cartas indignadas e incentivando seus colaboradores a espalhar a notícia em Paris. Como observou a historiadora de arte Nancy Mowll Mathews, “A Visão do Sermão de Gauguin ganhou mais notoriedade por ser rejeitada do que jamais seria por ter sido educadamente aceita pelo padre e educadamente colocada em um armário”.
Em 1888, como é agora lendário, Vincent van Gogh convidou Gauguin, a quem ele conhecera em Paris, para se juntar a ele em Arles para criar um “Estúdio do Sul”. A princípio Gauguin recusou, argumentando que ele estava doente, endividado. ou envolvido em um potencial empreendimento. Mas Theo van Gogh ofereceu ao perpétuo pobre Gauguin uma razão para aceitar o convite de seu irmão - um salário em troca de uma pintura por mês. A estada de dois meses de Gauguin na Casa Amarela de Arles mostrou-se produtiva - e carregada. “Vincent e eu não concordamos muito, e especialmente não na pintura”, escreveu Gauguin no início de dezembro. Em uma discussão embriagada logo depois, van Gogh se aproximou de Gauguin com uma navalha. Gauguin fugiu e van Gogh virou a navalha para si mesmo, cortando parte da orelha. Mesmo assim, os dois corresponderam até que Van Gogh se matou 18 meses depois.
Depois que Gauguin voltou de Paris para Paris, ele criou uma de suas esculturas mais bizarras, o vaso de autorretrato em forma de cabeça cortada . Talvez uma alusão a João Batista, esta cabeça de cerâmica goteja um esmalte vermelho macabro. A imagem horrível veio da experiência sangrenta com van Gogh? A guilhotina de um assassino condenado que Gauguin havia testemunhado recentemente? Ou foi simplesmente um aceno para o então fascínio atual com o macabro?
A Exposição Universal de 1889, para a qual a Torre Eiffel foi construída, marcou um momento decisivo para Gauguin. Ele assistiu entusiasticamente ao espetáculo Wild West de Buffalo Bill, admirou os moldes de gesso do Templo Budista de Borobudur e viu as pinturas em exibição. Artistas que não foram incluídos nessas exposições patrocinadas pelo Estado tentaram capitalizar a popularidade da feira (28 milhões de pessoas) organizando seus próprios shows fora do perímetro. Mas o não-convidado Gauguin, apoiado em grande parte pelo devotado Schuffenecker, audaciosamente montou um grupo no Volpini's Café no recinto da feira.
Gauguin ficou particularmente impressionado com as exibições etnográficas da exposição, apresentando nativos das colônias francesas na África e no sul do Pacífico. Ele pintou dançarinos javaneses, colecionou fotografias do Camboja e de outro modo estimulou seu desejo por um Elysium tropical. Ele queria, escreveu ele, "livrar-se da influência da civilização ... para mergulhar na natureza virgem, não ver ninguém além de selvagens, para viver sua vida". Ele também estava ciente de que "a novidade é essencial para estimular os estúpidos". comprando público. ”
Provavelmente foi a Exposição que o apontou para o Taiti. Enquanto se preparava para sua viagem no ano seguinte, escreveu a um amigo que “sob um céu sem inverno, em solo maravilhosamente fértil, o taitiano só precisa levantar os braços para recolher sua comida”. A descrição vem quase palavra por palavra de o manual oficial da Exposição.
Chegando na capital da Polinésia Francesa, Papeete, em junho de 1891, Gauguin achou muito menos exótico do que imaginara - ou esperava. "O solo taitiano está se tornando completamente francês", escreveu ele a Mette. “Nossos missionários já haviam introduzido uma boa dose de hipocrisia protestante e acabaram com parte da poesia” da ilha. Os missionários também haviam transformado a moda feminina, sem dúvida para o desalento de Gauguin, do tradicional sarongue e pareu a vestidos de algodão com golas altas e mangas compridas. Ele logo se mudou para a aldeia de Mataiea, onde os habitantes locais, bem como a paisagem tropical, eram mais do seu agrado, porque eram menos ocidentalizados.
Gauguin reconheceu o desaparecimento da antiga ordem taitiana em sua inquietante pintura Arii Matamoe (The Royal End) . A peça central é uma cabeça cortada, que Gauguin descreveu friamente como "bem arranjada em uma almofada branca em um palácio da minha invenção e guardada por mulheres também da minha invenção". A inspiração para a pintura, se não a decapitação, pode ter sido a funeral do rei Pomare V, que Gauguin testemunhou pouco depois de chegar à ilha; Pomare não foi decapitado.
Embora um anticléico veemente, o artista não poderia abalar completamente sua herança católica. Sua respeitosa A Última Ceia contrasta o brilho do halo amarelo de cromo de Cristo com esculturas tribais sóbrias. Na Natividade, uma enfermeira taitiana segura o bebê Jesus, enquanto um anjo de asas verdes fica de guarda e uma Maria exausta descansa.
Em seus cadernos de anotações, assim como em sua imaginação, Gauguin levou as obras que mais lhe interessavam. Entre eles: fotografias de pinturas egípcias de tumbas, obras-primas da Renascença e um catálogo de leilões de 1878 da coleção de sua guardiã Arosa, com obras de Camille Corot, Gustave Courbet e Eugene Delacroix. Como muitos artistas hoje - Jeff Koons, Richard Price e Cindy Sherman, entre eles -, Gauguin se expropriou livremente de todos eles. "Ele não disfarçou seus empréstimos, que foram amplos", diz o curador Thomson. "Essa é outra maneira em que ele é tão moderno."
Na parede de sua cabana de bambu em Mataeia, Gauguin pendurou uma cópia de Olympia, a pintura revolucionária de Édouard Manet de uma prostituta desavergonhadamente nua com uma flor no cabelo. Sempre o criador de travessuras, Gauguin levou sua jovem amante Tehamana a acreditar que era um retrato de sua esposa. Tehamana foi o modelo de várias obras na exposição, incluindo Merahi Metua no Tehamana, Te Nave Nave Fenua e Manao tupapau .
Embora a obra-prima de Manet, que Gauguin copiou, sem dúvida inspirou Manao tupapau, a amante de Gauguin não está de costas como Olímpia, mas no estômago, os olhos olhando por cima do ombro aterrorizados para o tupapau, um espírito de capuz preto perto do pé. da cama.
"Tal como está, o estudo é um pouco indecente", reconheceu Gauguin em Noa Noa, relato de suas viagens pelo Taiti que escreveu após retornar a Paris. “E, no entanto, quero fazer uma imagem casta, que transmita a mentalidade nativa, seu caráter, sua tradição”. Assim, Gauguin criou uma história para a pintura, que pode ou não ser verdadeira. Ele alegou que quando ele voltou para a cabana tarde da noite, as lâmpadas tinham se apagado. Acendendo um fósforo, ele tanto assustou Tehamana que ela o olhou como se ele fosse um estranho. Gauguin forneceu uma causa razoável para seu medo - "os nativos vivem com medo constante de [os tupapau]". Apesar de seus esforços para controlar e moderar a narrativa, a Academia Sueca de Belas Artes achou Manao tupapau indecoroso e removeu de uma exposição Gauguin. em 1898.
Embora os dois anos de Gauguin no Taiti tenham sido produtivos - ele pintou cerca de 80 telas e produziu numerosos desenhos e esculturas de madeira - eles trouxeram pouco dinheiro. Desanimado, ele decidiu voltar para a França, aterrissando em Marselha em agosto de 1893 com apenas quatro francos em seu nome. Mas com a ajuda de amigos e uma pequena herança, ele logo conseguiu montar uma apresentação individual de sua obra taitiana. A recepção crítica foi mista, mas o crítico Octave Mirbeau maravilhou-se com a capacidade única de Gauguin de capturar “a alma dessa raça curiosa, seu passado misterioso e terrível e a estranha volúpia de seu sol”. E Degas, então no auge de seu sucesso e influência, comprei várias pinturas.
Ele transformou seu estúdio Montparnasse em um salão eclético para poetas e artistas. Jogando para o reconhecimento, ele vestiu um sobretudo azul com um astrakhan fez, carregou uma bengala esculpida à mão e realçou sua impressionante imagem com outra jovem amante, a adolescente Ana, a javanesa, e seu macaco de estimação. Ela acompanhou Gauguin a Pont-Aven, onde Gauguin planejava passar o verão de 1894. Mas, em vez de aproveitar o estímulo artístico da Bretanha, Gauguin logo se viu em uma briga com marinheiros bretãs, que cutucavam Anna e seu macaco, que o deixaram. ele com uma perna quebrada. Enquanto ele estava se recuperando, Anna retornou a Paris e saqueou seu apartamento, colocando um fim enfático em seu relacionamento de meses de duração.
As feministas podem ver a ação de Anna como retorno para o longo abuso de mulheres por parte de Gauguin. Afinal, ele abandonou a esposa e os filhos, procurou amantes de menores de idade e viveu uma vida de hedonismo que terminou em insuficiência cardíaca exacerbada pela sífilis. Ainda assim, ele frequentemente expressava tristeza pelo casamento fracassado e sentia falta de seus filhos em particular. E criou muito mais imagens femininas do que os homens, compartilhando com seus contemporâneos simbolistas a idéia do Eterno Feminino, em que as mulheres eram femmes fatales sedutores ou fontes virtuosas de energia espiritual. Suas belas e enigmáticas mulheres taitianas se tornaram ícones da arte moderna.
Depois, há as elaboradas esculturas nas portas que identificam a residência final de Gauguin nas remotas ilhas da Marquesas da Polinésia Francesa, a cerca de 850 milhas a nordeste do Taiti. Ele foi para lá aos 53 anos em setembro de 1901 para encontrar, ele disse, “arredores incivilizados e total solidão” que “reacenderão minha imaginação e levarão meu talento à sua conclusão”. As letras esculpidas da porta da serifa soletram Maison du Jouir ( Casa do Prazer) - efetivamente, um lugar de má reputação. Talvez para insultar o seu vizinho, o bispo católico, o portal apresenta nus femininos e a exortação a “Soyez amoureuses vous serez heureuses” - “ Apaixone-se e será feliz”. A curadora da Tate, Christine Riding, sugere que o trabalho pode não ser como anti-feminista como os costumes de hoje podem indicar. Gauguin pode estar oferecendo às mulheres uma ideia libertadora: por que não deveriam gostar tanto de fazer amor quanto de homens?
Gauguin passou seus últimos dias lutando contra as autoridades coloniais por suposta corrupção, bem como o que ele considerava regulamentos injustificáveis do álcool e da moralidade infantil. Vestido e com os pés descalços, também argumentou - no tribunal - que não deveria pagar impostos. "Para mim, é verdade: sou um selvagem", escreveu ele a Charles Morice, o colaborador de seu livro Noa Noa . “E as pessoas civilizadas suspeitam disso, pois em meus trabalhos não há nada tão surpreendente e desconcertante como esse aspecto 'selvagem apesar de mim mesmo'. É por isso que [meu trabalho] é inimitável ”.
Quando sua saúde se deteriorou, Gauguin pensou em voltar para a Europa. Seu amigo Daniel de Monfreid argumentou contra isso, dizendo que o artista não estava disposto a fazer a viagem e que um retorno a Paris colocaria em risco sua crescente reputação. “Você é o artista extraordinário e lendário que envia das profundezas da Oceania suas obras desconcertantes e inimitáveis, as obras definitivas de um grande homem que desapareceu da face da terra”.
Doente e quase sem um centavo, Gauguin morreu aos 54 anos em 8 de maio de 1903 e foi enterrado nas Marquesas. Uma pequena retrospectiva foi realizada em Paris naquele ano. Uma grande exposição de 227 obras seguidas em 1906, que influenciaram Pablo Picasso e Henri Matisse, entre outros. Gauguin finalmente ficou famoso.
Ann Morrison é ex-editora da Asiaweek e co-editora da edição européia da Time . Ela agora mora em Paris.
Paul Gauguin, em um autorretrato de 1889, insistiu que queria "se livrar da influência da civilização". (Galeria Nacional de Arte, Coleção Chester Dale) 
A amante taitiana de Gauguin, Tehamana, é o modelo de muitos de seus trabalhos no Mar do Sul, incluindo o exuberante Te Nave Nave Fenua (A Terra Encantada), de 1892, no qual uma Eva taitiana alcança uma flor. (Museu de Arte de Ohara) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, pode ser baseado no funeral do rei taitiano Pomare V. (Museu J. Paul Getty, Los Angeles) 
Gauguin chamou a escultura em baixo-relevo de uma banhista feminina, Misterious, 1889, um preceito pelo qual ele viveu sua vida. (Musée D'Orsay / Reunião des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Esta cabeça de cerâmica vidrada, 1889, é um auto-retrato de Gauguin. (Museu Dinamarquês de Arte e Design, Copenhague) 
"Vincent e eu não concordamos muito", escreveu Gauguin, em 1888, sobre o colega de casa de Arles, Van Gogh. (Bridgeman Art Library International) 
Por que Gauguin incluiu uma caneca de madeira no retrato de seu filho, Clovis Asleep, 1884? A resposta pode estar na necessidade do artista de desafiar a convenção ou, mais provavelmente, ele simplesmente gostava de pintá-la: a posse preciosa aparece em vários de seus trabalhos. (Coleção privada) 
Embora um anticléico veemente, Gauguin tecia símbolos de sua educação católica em muitas de suas pinturas. Em Natividade, 1896, uma babá de aparência taitiana segura o bebê Jesus, enquanto um anjo de asas verdes fica de guarda; no fundo, Mary dorme. (Museu do Hermitage do Estado, São Petersburgo) 
"Sou um grande artista e sei disso", escreveu Gauguin, em 1903, em 1892. "É porque sei que sofri tais sofrimentos." (Kunstmuseum / Erich Lessing / Recursos de Arte) 
Gauguin pintou Merahi Metua no Tehamana (Os Ancestrais de Tehamana) no Taiti em 1893. (Instituto de Arte de Chicago, Presente do Sr. e Sra. Charles Deering McCormick) 
Gauguin, ainda vida com ventilador, 1888. (Reunião des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (O Sonho), 1897. (O Samuel Courtauld Trust, a Galeria Courtauld, Londres) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Museu Hammer, Los Angeles, Coleção Armand Hammer, Presente da Fundação Armand Hammer) 
Gauguin, Cristo no Jardim das Oliveiras, 1889. (Museu de Arte Norton, West Palm Beach, Dom de Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, dois filhos, c. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Por que você está com raiva?), 1896. (O Instituto de Arte de Chicago, Sr. e Sra. Martin A. Ryerson Collection) 
Gauguin, Faaturuma Te (The Brooding Woman), 1892. (Museu de Arte de Worcester) 
Gauguin, Retrato do Artista com Ídolo, c. 1893. (Colecção do Museu de Arte McNay, San Antonio, Legado de Marion Koogler McNay) 
Gauguin, o Cristo Amarelo, 1889. (© Galeria de Arte Albright-Knox / Recursos de Arte, NY)
