Com movimentos deliberados e pacientes, Linn Meyers passa horas transmutando suas linhas desenhadas individualmente em um de seus desenhos ou instalações pulsantes. Enquanto ela planeja roadmaps expansivos para suas peças antes do tempo, ela também se deixa aberta para os solavancos que inevitavelmente surgirão durante seu processo, deixando esses novos movimentos guiar suas explorações abstratas para novos lugares.
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Como o nome do desenho de parede recente em grande escala de meyers, “Let's Get Lost”, atesta, a instalação, que estreou no outono no Bowdoin College Museum of Art, é o abraço intencional de seguir mais uma bifurcação inesperada na estrada.
Desta vez, suas linhas distintas não respondem apenas à arquitetura do espaço, mas também foram encarregadas de algo novo: estabelecer os parâmetros físicos que extraem os sons invisíveis incorporados em “Listening Glass”. Uma instalação complementar que estreou em conjunto com "Let's Get Lost", "Escuta de vidro" foi criado por Rebecca Bray, um artista e designer de experiência (cujos créditos anteriores incluem chefe de design de experiência no Museu Nacional Smithsonian de História Natural); Jimmy Bigbee Garver, um designer de som e compositor; e Josh Knowles, um desenvolvedor de aplicativos, em parceria com meyers.
Se essas foram muitas palavras para digerir, o resultado, uma experiência de arte participativa semelhante à sinestesia, é - por definição - fácil de entender. Essencialmente, “Listening Glass” permite que você toque “Let's Get Lost” como um instrumento. Visitantes armados com telefones celulares baixam um aplicativo criado por Knowles para descobrir as notas musicais audíveis na obra de meyers. Ao manter seus telefones na instalação, o aplicativo pode descobrir sons enquanto eles exploram o desenho em larga escala dos meyers, que tocam em sintonia com os sons já vibrantes dos alto-falantes montados na galeria.
“Let's Get Lost” e “Listening Glass” (quaisquer conotações de Alice no País das Maravilhas não foram intencionais) surgiram de uma comunicação não planejada entre os trabalhos anteriores dos artistas. Em maio de 2016, meyers revelou seu maior trabalho até hoje, “Our View From Here”, um desenho ambicioso de 400 pés de comprimento que serpenteava pelo corredor do segundo andar em forma de rosquinha do Smithsonian's Hirshhorn Museum and Sculpture. Enquanto a peça estava à vista, Bray e Garver independentemente idolatravam o “Dispositivo de Framing”, um trabalho de áudio interativo, que tira sugestões de uma colaboração anterior de arte sonora e performativa dos artistas chamada “Silosphere”. Em “Silosphere”, os participantes colocaram suas cabeças dentro de dispositivos semelhantes a globo equipados com uma tela e alto-falantes, para criar uma experiência contida com a única conexão com o mundo exterior proveniente da alimentação de vídeo canalizada de uma câmera de vídeo externa. Baseando-se nisso em "Dispositivo de enquadramento", uma peça que reformula o guia de áudio da galeria de arte, os participantes receberam máscaras e fones de ouvido sem fio, que foram sintonizados em duas opções diferentes de canal - um tour de áudio do museu e um monólogo interior de um visitante autoconsciente - para incentivar os participantes a rever a paisagem de uma galeria de arte.
“Pode ser bastante limitante, da maneira como esperamos - ou esperamos - experimentar a arte em um cenário institucional ou curatorial típico”, diz Bray. Em suas colaborações, ela e Garver estão interessados em criar arte participativa que “pede algo do espectador e os convida, de uma forma que muda o relacionamento”.
“Framing Device” se juntou para o “Sound Scene”, um festival anual em comemoração à audição, que por acaso foi apresentado por Hirshhorn pela primeira vez em 2016, quando “Our View From Here” estava em exibição. Por causa disso, o trabalho de meyers tornou-se parte da turnê de áudio “Framing Device”, algo que ela mesma desconhecia até que ela veio ao evento e ouviu a peça sozinha.
“Ela veio até nós depois e disse, uau, isso é tão interessante. Eu nunca vi meu próprio trabalho dessa maneira ”, lembra Bray.
Os artistas começaram a tomar café juntos para falar sobre as ideias que eles estavam explorando e como eles poderiam trabalhar juntos. meyers funciona sem modelos ou fitas para desenhar as milhares de linhas fluidas que se juntam para criar suas peças finais. Seu processo inconfundível obriga você a olhar para a arte e pensar em por que ela toma as formas que ela faz. Mas ela estava interessada em como Bray e Garver poderiam fazer alguém desacelerar e se envolver ainda mais profundamente com suas falas. “Let's Get Lost” e “Listening Glass” foi o resultado desse desafio.
Ver este post no InstagramAlunos e visitantes que exploram “Let's Get Lost” e “Listening Glass” na abertura da noite passada. Esta fantástica exposição estará aberta todo o ano! B # bcmaletsgetlost #bcmalisteningglass
Uma postagem compartilhada pelo Museu Bowdoin College de Arte (@bowdoinmuseum) em 28 de setembro de 2018 às 5:30 pm PDT
“O que o projeto se tornou foi uma evolução que se assemelhou às nossas conversas”, explica meyers. Em algumas de suas primeiras conversas, os artistas brincaram com a tentativa de realidade virtual e realidade aumentada, mas afastaram-se dessa ideia por preocupação de que a tecnologia pudesse sobrepujar a arte. Eles queriam criar uma experiência de arte interativa em que a tecnologia servia a arte, e não o contrário. Eles trouxeram Knowles, que Bray conhece há muitos anos na tecnologia interativa e no espaço de arte, para ajudar a traduzir sua ideia de trabalho, entrelaçando a arte de meyers com os sons de Garver.
Não ficou imediatamente claro como fazer isso. “Eu vou fazer músicas que soem como seus desenhos ou desenhar algo que soa como sua música?” Diz Garver. "Nós dois mudamos muito."
Cada um dos quatro tinha pouca sobreposição entre suas qualificações, o que os forçou a ter que ser realmente deliberado a cada passo do processo de ideação. “Como cada um dos nossos pedaços dessa coisa estava profundamente conectado com as peças de todos os outros, não havia alguém saindo para uma sala e fazendo sua parte e a apresentando a todos”, diz Bray. Em vez disso, eles tiveram que falar continuamente através de seus diferentes meios e desvendar os compromissos e oportunidades de cada decisão criativa.
“É muito difícil falar sobre isso, e tivemos que criar quase a nossa própria linguagem, que foi interessante por si só”, diz meyers. O que ajudou, ela diz, foi que todos sabiam que estavam chegando ao trabalho com um conjunto compartilhado de valores e uma visão compartilhada. Em um certo ponto, Bray chegou a escrevê-las. A ideia para a qual eles estavam trabalhando, diz meyers, era "criar uma peça que envolvesse o público de uma maneira que o público concluísse o trabalho".
Havia muita coisa para negociar: havia a arquitetura do espaço, a arte de meyers, os sons de Garver (ambos feitos no telefone e os sons que eles decidiam que queriam tocar continuamente no quarto), a tecnologia, como trazê-la através do movimento, e claro, o público. "Fizemos um monte de documentos, diagramas e planilhas para ajudar o outro a entender", diz Garver.
A experiência do público foi o que eles mais circularam de volta em suas conversas. Uma das maiores negociações no espaço interativo da arte, diz Bray, é criar algo que tenha poucas barreiras de entrada - “generoso” é um termo que ela usa muito - mas também é capaz de transformar a maneira como algo é visto.
“Como aproximamos as pessoas da arte? Não apenas fisicamente, mas para desacelerar e considerar as próprias linhas; as peças da arte, assim como o todo? ”, ela diz sobre o desafio que estavam enfrentando.
Eles queriam fazer do espaço uma conversa entre artista e espectador. Em um retiro durante o verão, meyers desenhou quatro desenhos preparatórios nas paredes da sala de estar de Bray e Garver. Eles então convidaram pessoas para brincar com o aplicativo e interagir com os desenhos da parede.
Isso levou a mais ajustes. Por exemplo, o software teve problemas para distinguir a cor carnuda que meyers estava usando para preencher suas “sombras de um vazio” com o piso de madeira da sala e o acabamento da janela. Para garantir que o som permanecesse particular ao elemento para o qual estava sendo apontado, meyers acrescentou uma linha azul a cada quadrante para que o dispositivo pudesse distinguir melhor a arte do ambiente.
Os sons em si, que podem ser trazidos através do movimento e localização, incluem um som parecido com um piano, um som depenado, uma voz e um sino. "Eles são muito tipo de baunilha", diz Garver. “A beleza é a coisa interessante que acontece quando as pessoas o pegam e usam.”
Garver continuou a desmontar as composições a cada iteração do projeto. O que ele percebeu foi que, quanto mais complexo e composto o som, mais difícil era compreender as ações que o estavam gerando. “Eu estava apenas tentando facilitar o movimento do instrumento e não fazer música. Isso era novo para ele. "Eu nunca fiz nada parecido antes", diz ele. "Até hoje", ele diz, ele se pergunta sobre o trabalho. "Isso soa como essas linhas?"
A jornada pela galeria pode parecer como nadar pelo oceano. “É uma experiência impressionante, porque há uma enorme quantidade de sons mais baixos que você está na frente e ao redor, mas à medida que você se move pelo espaço, você produz sons pequenos”, diz Garver. É assim que o filho de 7 anos de Bray e Garver descreve a experiência imersiva: “como um peixe flutuando através das ondas”.
O aplicativo da Knowles, que está disponível para download no iTunes (e pode ser jogado fora da galeria também), não é compatível com os sons que ele está programado para tocar. O software pode ser adaptado e os artistas já falaram com Bowdoin sobre a possibilidade de os alunos comporem novos sons para a instalação e coreografarem uma performance na galeria. A ideia é que artistas com telefones estrategicamente colocados em seus corpos possam tocar uma composição musical na sala com seus movimentos.
Quando as instalações estrearam pela primeira vez em setembro, Bray assistiu as pessoas usarem seus telefones não para mensagens de texto, mas como uma varinha que os guiava através da história da galeria. “Nós realmente vimos pessoas tomando seu tempo e seguindo uma linha ou seguindo o tipo de curva que o linn estava desenhando”, diz ela.
Este não é o primeiro empreendimento colaborativo de meyers. "Eu amo trabalhar sozinha", diz ela, em referência ao seu trabalho no estúdio. “Eu amo a atividade solitária disso, e eu nunca iria querer dar essa parte para cima.” Mas ao longo de sua carreira, ela foi atraída para construir ideias com outros artistas. "Leva você a um território menos confortável e menos familiar", diz ela. "Você pode fazer isso sozinho, mas é mais difícil."
Seu próximo empreendimento colaborativo é trabalhar com artistas como Tim Doud e Caitlin Teal Price, que trabalham em Washington DC, para abrir um estúdio acessível chamado STABLE. Programado para ser inaugurado em fevereiro de 2019, os 10.000 pés quadrados de espaço de estúdios localizados no extremo leste de Eckington têm como objetivo conectar melhor os artistas e fomentar uma comunidade entre eles no distrito. A ideia, diz meyers, é tornar a DC “mais amigável para os artistas e um lugar onde os artistas querem ficar”.
Apropriadamente, enquanto “Listening Glass” pode ser tocado sozinho, há algo mais rico que acontece quando aqueles na galeria se reúnem para criar composições. Se todos os visitantes em um determinado momento fizerem o mesmo gesto ao mesmo tempo com seus telefones, eles poderão desbloquear um efeito sonoro especial.
"Let's Get Lost" e "Listening Glass" são exibidos em conjunto no Bowdoin College Museum of Art até 29 de setembro de 2019.
