Em 2 de dezembro de 2016, uma festa de dança em um depósito em Oakland, Califórnia, conhecido como Ghost Ship, pegou fogo e matou pelo menos 36 pessoas. Foi o desastre de fogo mais mortífero da história da cidade.
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Até hoje, a causa do incêndio não é conhecida. Ainda assim, as primeiras reações da imprensa vieram em uma longa lista de representações "contadas". O layout do Ghost Ship foi descrito como um firetrap, uma armadilha da morte e um labirinto desordenado. A comunidade tem sido chamada de compound, commune e outros rótulos que supõem que esse desastre certamente esteja esperando para acontecer. Isso era inevitável.
Os museus, especialmente na área da baía, expressaram sua simpatia pelo evento, e o SFMOMA abriu suas portas gratuitamente alguns dias depois para os afetados “refletirem, lamentarem e curarem”.
Outros no campo do museu têm trabalhado no sentido de colmatar o fosso entre instituições e espaços de base. Nos dias que se seguiram ao incidente do Navio Fantasma, Kimberly Drew, gerente de mídia social do Metropolitan Museum of Art, encaminhou seus colegas para um documento de crowdsourcing, semeado pela ativista Susan Surface, que foi repleto de sugestões para locais comunitários sobre como reduzir riscos. Lauren Zelaya, curadora do Museu do Brooklyn, apontou para o popular programa First Saturdays do museu como um esforço intencional para os fabricantes locais testarem seus projetos sob a segurança e orientação de um local institucional.
Mas enquanto estes são gestos importantes para qualquer grande tragédia, museus e instituições de arte têm permanecido distantes deste incidente. Isso perpetua a suposição de que espaços como o Navio Fantasma são marginais - e até mesmo irrelevantes - para o mundo da arte formal.
De fato, a realidade é exatamente o oposto.
Armazéns e bricolage (DIY) surgiram na década de 1960, quando a industrialização americana diminuiu, deixando grandes fábricas vazias, sem uso e acessíveis. Os bairros que hoje são conhecidos como refúgios para museus, teatros e galerias - como o SoHo de Nova York, o centro de Los Angeles e o Mission District de São Francisco - começaram como espaços de reunião acessíveis para os artistas e seus patronos. Longe de contrastar com os prestigiados, imponentes e talvez até mesmo antiquados ambientes de museus, os locais de bricolage são responsáveis por estéticas outrora evitadas, como tijolos aparentes e acessórios de metal que se tornam significantes populares do “espaço criativo”.
Equipes de emergência estão na frente do local de um incêndio em um depósito na segunda-feira, 5 de dezembro de 2016, em Oakland, Califórnia, que matou 36 pessoas. (Marcio Jose Sanchez / AP) Recentemente, os museus reinventaram alguns de seus programas para alcançar novos dados demográficos e inspiraram-se agressivamente nos próprios espaços criados como alternativas. Não é raro encontrar um programa de museu na forma de um show pop-up, pulga de arte ou festa de bloco.
O PS1 de Long Island City funcionou durante 30 anos com o reconhecimento de que as instituições não tinham a vontade e a infra-estrutura para apoiar adequadamente artistas locais e emergentes, até que foi adquirida pelo Museu de Arte Moderna em 2000 e rebatizada como MoMA PS1. O Centro Asiático-Pacífico-Pacífico da Smithsonian apresentou recentemente o modelo de laboratório de cultura, certamente um sinal de como os espaços de bricolage e de base atendem com exclusividade as comunidades criativas.
Museus e espaços de bricolage compartilharam uma história longa e complexa, e é vital que os museus não interpretem a tragédia recente no Ghost Ship como uma inevitável falta de artistas amadores e curadores, mas um reflexo da relutância das instituições em compartilhar adequadamente recursos e informações. com suas contrapartes criativas. Alguns programas de museus hoje podem parecer e se parecer com os espaços DIY que os inspiraram, mas isso deve ser visto como uma oportunidade.
Aqui estão seis maneiras pelas quais museus, galerias e instituições culturais podem alavancar seus conhecimentos e recursos para beneficiar espaços DIY:
Compartilhe documentos de segurança e acessibilidade
Os museus podem ajudar emprestando perícia em segurança, compartilhando pessoal e protocolo, e oferecendo para tornar públicos seus manuais e procedimentos de segurança e acessibilidade para servir como modelos. Algumas instituições podem argumentar contra a possibilidade de tornar seus documentos acessíveis, porque esses documentos são longos e complicados, especialmente para pessoas de fora. É verdade que a pilha de códigos de segurança, licenças, avaliações e treinamentos pode parecer ter precedência sobre a criatividade. Mas a orientação mínima por meio de terminologia básica, acrônimos e pontos-chave pode ser um longo caminho.
O ambiente perigoso de alguns espaços de bricolage normalmente não é devido a uma falta de vontade de tornar os espaços seguros, mas sim de falta de capacidade ou consciência. Enquanto as instituições de arte se beneficiam de ter equipes que equilibram a perícia criativa e administrativa, muitos projetos de DIY são empreendimentos orientados pela visão, onde os produtores aprendem enquanto vão. Esta metodologia de tentativa e erro é frequentemente eficaz e inofensiva, mas aprendemos que as consequências também podem ser terríveis.
Educar os operadores de bricolage sobre as melhores práticas
Realizar workshops e compartilhar métodos para garantir a segurança pública, mesmo no caso de capacidade e recursos limitados.
Mesmo os artistas com formação artística formal podem não estar familiarizados com os procedimentos padrão relativos à saída (rotas de saída de emergência), taxa de queima (inflamabilidade dos materiais) e regulamentos da ADA (acessibilidade). Os museus podem oferecer tutoriais (muito parecidos com os seminários de distribuição da Wikipédia e conceder seminários) ou postar webinars ou vídeos curtos com dicas.
Colabore com os criadores
Os museus podem servir melhor essas comunidades, contatando e colaborando com os artistas. As pessoas que se encarregaram de criar projetos, independentemente de conhecimentos e recursos limitados, são o poder dos projetos de base. Eles estão acostumados a aprender por informações de peças e observar os outros.
Proporcionar encorajamento na forma de posições de voluntariado, trabalho contratado e até oportunidades de contratação só pode fortalecer os museus e a comunidade de artes circunvizinha de forma mutuamente benéfica. Ao desenvolver laços com esses produtores, os museus se beneficiam dos conjuntos de habilidades - adaptabilidade, pensamento crítico e alcance local - que fazem produções de sucesso em DIY.
Participar de eventos
Profissionais de museus podem ser vozes poderosas de engajamento em programas de base, mas começam com a experiência pessoal. Muitas das suposições sobre os perigos de eventos como no Ghost Ship vêm de pessoas que nunca participaram. Embora a cobertura da imprensa sobre a tragédia do Navio Fantasma possa levar alguém a fazer um paralelo com uma festa de depósito em um campo minado, a verdade é que a maioria das produções faz considerações básicas de segurança, mesmo que não através de um protocolo formal.
Os profissionais de museus podem oferecer dicas à medida que observam eventos, compartilhando conhecimentos que podem melhorar a segurança e a acessibilidade nesses locais.
Pagar artistas
Há muito a ser dito sobre as condições sociais que levam artistas e fabricantes a recorrerem a infra-estrutura instável e a descartar protocolos de segurança, mas grande parte dela pode ser atribuída à capacidade econômica. Como profissionais de outras áreas, os artistas trabalham para maximizar seus recursos, ainda que limitados.
A maioria dos museus tem algum nível de alcance local em suas missões, mas frequentemente artistas locais e colaboradores são solicitados a oferecer seus serviços gratuitamente, ou por preços muito baixos. Os artistas são solicitados a renunciar ou descontar seus honorários ao colaborar com pequenas organizações sem fins lucrativos, apenas para serem solicitados a fazer o mesmo quando trabalham com instituições de grande orçamento - sob a suposição de que os artistas se beneficiarão de compensação imaterial ou "exposição".
Pagar salários justos aos artistas não apenas permite que eles continuem vivendo e trabalhando em cidades cada vez mais caras, mas também permite que eles ampliem seus projetos de forma criativa e logística. Os museus devem reconsiderar suas taxas de remuneração para os artistas, com o entendimento de que isso não apenas contribui para as necessidades básicas, como aluguel e alimentação, mas também para locais de qualidade, material de exposição e recursos de segurança.
Um ótimo guia para determinar as taxas razoáveis para os artistas com base no orçamento anual de qualquer organização é a calculadora fornecida pelo WAGE (Working Artists for a Greater Economy).
Seja uma ponte para contatos e recursos
Mesmo que um museu não tenha recursos financeiros para pagar artistas, eles provavelmente têm relacionamentos com organizações governamentais locais e nacionais, parceiros corporativos e instituições que estão ansiosas para trabalhar com artistas. Em alguns casos, os governos locais oferecem subsídios pouco conhecidos, benefícios fiscais ou habitação subsidiada e espaços de trabalho como meio de incentivar as zonas empresariais dos artistas. Como os artistas podem estar mais propensos a procurar museus do que a ajuda de prefeituras, os museus podem alavancar seus relacionamentos para ajudar os artistas em necessidade a encontrar recursos existentes, mas subutilizados.
Como os elementos dos programas de bricolage continuam a inspirar a prática dos museus, é importante que os museus não englobem projetos existentes e emergentes com uma atitude de “podemos lidar com isso daqui”. Em vez disso, uma linha aberta de comunicação e intercâmbio mútuo pode garantir que as operações de base sejam capazes de prosperar em arenas urbanas cada vez mais desafiadoras, enquanto os museus podem acessar a comunidade local de clientes que foram estabelecidos para servir.
