COMO TIC CANNON E SEUS CONTEMPORÂNEOS MUDARAM A ARTE NATIVA AMERICANA | NO SMITHSONIAN | SMITHSONIAN - ARTIGOS, ARTES E CULTURA, ARTE E ARTISTAS, NA SMITHSONIAN, EXPOSIÇÕES

Para jovens artistas longe de casa, o Instituto de Artes Indígenas Americanas (IAIA), em Santa Fe, Novo México, em meados da década de 1960, deve ter sido uma cena inebriante. Eles vieram de todos os Estados Unidos, muitos ainda na adolescência, de pequenas cidades, cidades e reservas. Um deles, Alfred Young Man, um Cree que chegou de uma reserva em Montana, lembrou-se mais tarde dos alunos falando 87 línguas diferentes. Foi "uma das Nações Unidas dos índios", escreveu ele.

A escola colocou lojas ricas de materiais de arte à disposição dos adolescentes e os soltou. Eles tocaram Rock 'n' Roll e Bob Dylan tarde da noite nos estúdios de arte. Eles se reuniram em um dormitório feminino para comer frybread caseiro. Eles pintaram e esculpiram, tocaram música e dançaram. Eles estudaram séculos de arte européia, americana e asiática, e debateram direitos civis e pop art. Seus instrutores, nativos e não-nativos, os encorajaram a abraçar e compartilhar suas origens culturais variadas.

A obra que surgiu desse ambiente foi inovadora, diz Karen Kramer, curadora do “Canhão TC: Na Borda da América”, um programa dedicado a um desses artistas, que agora está no Museu Nacional do Centro Heye do Índio Americano. Na cidade de Nova York. Cannon, pintor e escritor, juntamente com colegas como os pintores Young Man, Linda Lomahaftewa e Earl Biss, a ceramista Karita Coffey e o escultor Doug Hyde, foram os primeiros a expressar um forte ponto de vista dos nativos americanos através das idéias e métodos. de arte contemporânea de ponta. Juntos, Kramer diz, "eles mudaram a aparência da arte nativa americana".

No início do século 20, até mesmo os defensores da arte nativa americana pensavam que ela deveria ser protegida de influências artísticas externas, como forma de preservá-la. O trabalho foi dominado por desenhos e aquarelas representativos, representando rituais tradicionais, caça a cervos e coisas do gênero. No final da década de 1950, estudiosos e artistas indígenas americanos se reuniram na Universidade do Arizona para discutir como revitalizar a arte. Eles propuseram algo que na época parecia radical: dar a algumas de suas estrelas em ascensão o mesmo tipo de educação artística disponível para estudantes de arte não-nativos. A proposta do grupo levantou o que chamou de “pergunta intrigante” - se os estudantes nativos se beneficiariam da associação com conceitos, formas de arte e técnicas não-indígenas. Felizmente para TC Cannon e sua coorte, a proposta foi adiante e, finalmente, em 1962, o Departamento Federal de Assuntos Indígenas inaugurou a IAIA.

Logo no início, os estudantes da IAIA “decidiram que não seriam o tipo de artistas que os seus antepassados eram”, diz Mike Lord, que, apesar de não ser aluno, era amigo íntimo de Cannon e outros. Eles chamaram o trabalho da geração anterior de “arte Bambi”, diz ele. Como Cannon disse mais tarde: "Estou cansado de pinturas de veados semelhantes a Bambi reproduzidas repetidas vezes - e estou cansado de pinturas de desenhos animados de meu povo". Lord diz que os alunos receberam um orgulho "quase em sua cara". fazendo coisas que não tinham sido feitas antes.

Kramer atribui a força da escola à estima que constantemente nutria pela cultura nativa - uma cultura que o governo dos EUA passara décadas tentando esmagar. Parte desse “trauma cultural”, diz Kramer, foi chocantemente recente: muitos pais de estudantes da IAIA teriam frequentado internatos obrigatórios administrados pelo governo que proibiam suas línguas, roupas, práticas religiosas, penteados e até mesmo nomes. Seus avós podem ter sido retirados à força de suas terras. "Se você cresceu [sendo] feito sentir vergonha do [seu] background cultural e pressionado para assimilar", diz ela, então chegar a uma escola que incentiva "colocar sua herança cultural na frente e ter orgulho disso é um pivô realmente grande ”.

Os instrutores da IAIA eram artistas talentosos e ativos no mundo da arte contemporânea da época. Um deles havia estudado com o artista figurativo da Bay Area, Wayne Thiebaud, outro com o influente abstracionista Hans Hofmann, em Nova York. “Essa confluência da qualidade dos instrutores, a energia e o compartilhamento de estudantes que foram encorajados, a energia política em torno dos anos 1960 e 1970 [e] o movimento pelos direitos civis”, diz Kramer, todos combinados para fazer da IAIA um lugar altamente Fermento produtivo.

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Canhão TC: na borda da América

TC Cannon é um dos artistas americanos nativos mais influentes e inventivos do século XX. No trabalho durante os anos 1960 e 1970 social e politicamente turbulentos, Cannon criou um vocabulário visual de assinatura influenciado por sua herança Kiowa e Caddo, e artistas como Vincent van Gogh, Henri Matisse e Robert Rauschenberg.

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TC Cannon, que morreu em um acidente de carro em 1978 aos 31 anos, era um talento multimídia. A exposição em Nova York combina dezenas de suas pinturas, desenhos e gravuras, juntamente com seus poemas e letras de músicas impressas nas paredes. (Foi inaugurado no ano passado no Peabody Essex Museum em Salem, Massachusetts, onde Kramer é curador de arte e cultura nativa americana e oceânica.) O show também inclui uma gravação de Cannon cantando uma de suas próprias músicas inspiradas em Dylan, bem como cartas e artefatos, como as duas Estrelas de Bronze que ele ganhou na Guerra do Vietnã, onde passou quase um ano na 101ª Divisão Aerotransportada.

Cannon tinha ascendência Caddo e Kiowa e cresceu no sudeste rural de Oklahoma. Chegou à IAIA em 1964, ano em que completou 18 anos. Ele aproveitou a oportunidade para estudar os mestres europeus, especialmente para Matisse e Van Gogh, junto com os americanos contemporâneos Jasper Johns e Robert Rauschenberg.

"Estou cansado de pinturas de veados semelhantes a Bambi reproduzidas repetidas vezes - e estou cansado de pinturas de desenhos animados de meu povo", disse T.C. Canhão, acima de ca. 1965

"Estou cansado de pinturas de cervos como Bambi reproduzidas repetidas vezes - e estou cansado de pinturas de desenhos animados do meu povo", disse TC Cannon, acima de ca. 1965. (Cortesia dos Arquivos do Institute of American Indian Arts)

Sua pintura Mama and Papa , que ele pintou quando ainda era estudante, mostra a influência de Rauschenberg, diz Kramer, com suas imagens e textos em camadas. Ele apresenta um casal mais velho usando uma combinação de vestido Navajo tradicional e óculos escuros da moda, equilibrado entre a história e a modernidade.

Quase todas as grandes pinturas de Cannon são retratos, muitas vezes em tons elétricos de laranja, roxo e azul brilhante. Muitos retratam vividamente os nativos americanos como indivíduos vivos, às vezes falhos. Suas figuras têm barrigas de barril, quadris largos ou expressões céticas, e uma delas se abaixa em uma cadeira dobrável. Mas eles ainda estão aqui, eles parecem dizer, sobrevivendo e até mesmo florescendo - não estereótipos decorativos, mas pessoas se dando bem no mundo moderno.

Em um retrato sem título de George Custer feito de feltro, a palavra “Ugh?” Se ergue de sua cabeça em uma bolha de pensamento de desenho animado. (Coleção de Frank Harris. © 2019 Estate de TC Cannon. Foto por NMAI Photo Services.)

Cannon fez várias imagens menores descrevendo George Custer, o comandante do Exército dos EUA, cuja "última posição" foi uma vitória retumbante para as forças nativas americanas que lutavam contra um movimento para expulsá-las de suas terras. Em um retrato sem título de Custer feito de feltro, a palavra "Ugh?" Se ergue de sua cabeça em um balão de pensamento, como Cannon parece perguntar secamente como esse cara já emergiu como um herói americano.

"O que foi fundamental sobre TC foi como ele se apropriou de certos momentos [e] personagens da história americana, mas de uma perspectiva indígena", diz Kramer. "Ele estava fazendo isso com um humor irônico, e ele estava emprestando a linguagem visual dos opressores e usando-a como uma plataforma para explorar a identidade nativa [e] a história nativa".

Entre seu "talento natural em pintar pessoas" e suas cores brilhantes, Kramer diz que suas imagens atraem os espectadores. "Como seres humanos, somos atraídos por outros seres humanos na tela." O retrato, ela diz, era "um ferramenta realmente útil ”para Cannon ao focar nos assuntos desconfortáveis que ele queria trazer à tona. "Tantas questões com as quais ele estava lutando nas décadas de 1960 e 1970" - liberdade de religião, identidade étnica, apropriação cultural - "ainda são tão relevantes".

“TC Cannon: At the Edge of America”, com curadoria de Karen Kramer, está à vista no Museu Nacional do Índio Americano, George Gustav Heye Center, em One Bowling Green, Nova York, Nova York, até 16 de setembro.