A morte da pintura foi prevista pela primeira vez em meados do século XIX, quando o advento da fotografia parecia tirar a realidade da mão do pintor. "Se a fotografia é permitido para substituir arte em algumas das suas funções", escreveu o poeta francês e crítico de arte Charles Baudelaire, em 1859, "que em breve suplantar ou corrompê-lo completamente." Artistas vêm tentando chegar a um acordo com as implicações da fotografia desde então.
Impressionistas como Monet e Renoir, rejeitando as imagens estáticas e mecânicas de fotografias, bem como a pintura acadêmica obsoleta de seu tempo, começaram a pintar suas próprias impressões de como o olho percebe a luz e a atmosfera na natureza. Alguns de seus contemporâneos, incluindo Degas e Toulouse-Lautrec, adotaram uma abordagem diferente. Eles começaram a usar fotografias para inspiração - cortando suas imagens como a câmera poderia, por exemplo, e introduzindo distorções de perspectiva baseadas nas lentes da câmera.
Então, cem anos atrás, Matisse e Picasso fizeram as pinturas radicais que definiriam uma nova era da arte moderna. Matisse desfigurou a figura com seu corpulento Nu Azul em 1907, pintando a partir de uma fotografia para libertar sua imaginação e quebrar hábitos formados a partir da vida. Picasso também usou fotografias para pintar seu 1907 Les Demoiselles d'Avignon, com cada figura parecendo uma exposição múltipla, visto de diferentes ângulos no momento-a mesmo passo decisivo em Cubismo.
No decorrer do século XX, pintores como Wassily Kandinsky e Jackson Pollock abandonaram completamente o conceito de arte como representação, produzindo telas que não continham objetos reconhecíveis. Em seus trabalhos "abstratos", a tinta em si tornou-se o assunto. Na década de 1960, artistas conceituais - inspirados por Marcel Duchamp e outros dadaístas da década de 1920 - adotaram a visão de que a arte deveria mirar a mente, não o olho, produzindo pinturas nas quais a ideia por trás do trabalho fosse mais importante do que o trabalho em si. . Com algumas exceções óbvias - Pop Art, Photo Realism e artistas como David Hockney - a arte figurativa ou figurativa foi considerada uma coisa do passado no final do século XX. Mas nos últimos anos, vários pintores contemporâneos começaram a voltar às raízes da arte moderna para encontrar novos modos de expressão. Eles estão misturando a figura humana e outras formas reconhecíveis com elementos de abstração e narrativa ambígua de maneiras nunca vistas antes.
"A excitação em torno da minha profissão neste momento é tremenda", diz Joachim Pissarro, curador de pintura e desenho no Museu de Arte Moderna de Nova York. "Trinta anos atrás, havia toda essa conversa sobre o fim da pintura. Hoje ninguém se importa com isso." Para a geração mais jovem, diz ele, "a polarização entre abstração e representação que existia na última metade do século 20 é apenas sem sentido. O que estamos vendo agora é muito interessante. E totalmente nova."
Espalhados do Brooklyn a Trinidad e Leipzig, na Alemanha, os artistas representados nestas páginas estão renovando "uma crença na pintura", diz Laura Hoptman, curadora sênior do New Museum of Contemporary Art de Nova York.
Peter Doig
"Quando as pessoas começaram a se interessar pelo meu trabalho no final dos anos 80, a pintura estava completamente fora da agenda", diz Peter Doig, um escocês de 49 anos que mora em Trinidad. "O que as galerias consideravam vanguarda era todo conceitual - pintura sobre pintura, arte que dizia algo sobre a forma como é feita. Trabalhei deliberadamente contra isso. Para mim, uma vez que você é pintor, você é constantemente obrigado a olhar para o mundo como um assunto em potencial para a pintura. E isso vai desde ver algo na rua, ver algo em um filme, em uma revista, tudo realmente. "
O estúdio de Doig, em uma destilaria de rum renovada na capital de Trinidad, Port of Spain, está cheio de grandes telas que retratam paisagens semelhantes a junglelike, rios manchados de tinta e figuras ambíguas. Quando ele saiu de Londres para passar para Trinidad em 2003, muitos de seus amigos chamaram de "fazer um Gauguin, " depois que o artista francês Paul Gauguin, que se mudou para o Taiti em 1891 para se tornar um com a natureza. O estilo de Doig às vezes é comparado ao de Gauguin, mas sua abordagem à pintura é bem diferente. Seu método depende de um tipo de processamento de informações que geralmente começa com uma fotografia, diz ele, porque pintar a partir de fotografias o distancia do que é real ou verdadeiro. "Por que uma pintura tem que ser verdadeira?" ele pergunta.
Doig fez várias pinturas de um antigo cartão postal que ele comprou em uma loja de sucata de Londres que retrata uma cena do rio na Índia. "Quando eu pinto diretamente da natureza", ele diz, "fico muito envolvido em tentar acertar. Usar a fotografia, ou um cartão postal, me permite pegar o que quero e deixar o resto de fora. Fiz uma foto do minúsculo guru no cartão postal, e tirei outra foto disso, e explodi-o de modo que se transformou em uma mancha borrada, e eu pintei daquilo, e ele se tornou uma espécie de homem barbudo, algo misterioso e negro. Não sei se ele é uma figura religiosa ou um fanático, mas há algo de espiritual nele. "
Ele aponta para uma tela de 9 por 12 pés de uma figura esboçada subindo em uma palmeira, abraçando o tronco e olhando para fora de um vazio abstrato de pinceladas, gotas e rachaduras. "Essas gotas e rachaduras são os tipos de coisas bonitas na pintura que são únicas", diz ele. "Você arrisca e eles são dados a você, mas eu os odeio se tornar um maneirismo ou truque." Foi a figura, no entanto, que mais impressionou a diretora do SITE Santa Fe, Laura Heon, quando a pintura foi exibida na bienal do museu em 2006. "Em certo sentido, é um retorno ao humanismo", diz ela. "Há algo muito generoso em fazer uma foto de um ser humano."
Uma grande retrospectiva do trabalho de Doig será aberta na Tate Modern em Londres em fevereiro.
Dana Schutz
Nas pinturas de Dana Schutz, o falso e o real são difíceis de distinguir. "Eu sei que minhas imagens são construídas, mas acredito nelas quando estou pintando", diz ela em seu estúdio em um antigo prédio industrial que virou cooperativa de artistas no Brooklyn. Schutz, 30 anos, gosta de criar figuras e colocá-las em cenários diferentes em uma série de pinturas, onde elas parecem ter uma vida própria. Uma dessas séries é de figuras que ela chama de "comedores de si mesmos" - uma forma despojada de pessoas que sobrevivem alimentando-se de partes do próprio corpo e depois se reconstruindo. As pinturas, com suas imagens fantásticas e o que ela chama de "cores extrovertidas" - rosas e vermelhos, roxos elétricos e verdes da selva - foram elogiadas como um novo expressionismo, e é fácil interpretá-las em termos de males sociais - de modelos anoréxicos ao consumismo voraz - ou mesmo como vislumbres da psique do artista. Mas Schutz discorda.
"Eu não sou uma expressionista", ela protesta. "Essas pinturas não são sobre eu expressar como me sinto." Os comedores de comida, ela diz, "são uma solução pictórica; você pode separá-los e juntá-los novamente. É como se eles tivessem se tornado materiais".
Mas Schutz diz que suas pinturas às vezes são inspiradas pelo que ela vê na Internet ou está pensando na época. "Eu quero que essas pinturas comecem em algum lugar da imaginação do público, onde as pessoas sintam que poderiam conhecer essa história, como cirurgia plástica ou consumo de produção, ou as formas como fazemos histórias alternativas para nós mesmos", diz ela. "Cada vez mais sinto que a coisa mais radical que a arte pode fazer é dar a alguém uma experiência que, de algum modo, não lhe é familiar."
Para Schutz, não há linha dura entre pintura abstrata e figurativa. "Eu não penso neles como algo separado." Em uma nova pintura de um homem e uma mulher dirigindo, as figuras no carro parecem quase plásticas, como se estivessem derretendo em uma paisagem quente do Havaí. "A maneira que eu estou pensando sobre eles", ela diz, "é que no futuro, se você estivesse olhando para nós, que características permaneceriam, de uma forma levemente distorcida ou generalizada?
"Talvez nós estamos refigurando a figura", ela continua. "Fazer pinturas sobre pintura parece loucura. Tudo o que se fala sobre a pintura. Acho que os artistas agora querem fazer sentido e ter um efeito. É muito diferente do século 20".
Uma exposição da obra de Schutz abre em novembro na Contemporary Fine Arts Gallery, em Berlim, na Alemanha.
Neo Rauch
Em Leipzig, o artista alemão de 47 anos Neo Rauch está influenciando uma geração de pintores pós-Guerra Fria com pinturas ambíguas que misturam realismo com fantasia, o comum com o bizarro. Com base nos estilos gráficos dos quadrinhos do bloco oriental e da arte comercial, o realismo social da Alemanha Oriental comunista, suas próprias imagens dos sonhos e elementos de sua paisagem urbana, Rauch pinta o tipo de figuras que você pode encontrar em cartazes de propaganda. cenas que, diz ele, são "confusamente plausíveis" - por vezes familiares e estranhas.
Rauch descreve suas pinturas como alegorias com uma iconografia pessoal que permanece privada. Ele disse recentemente a um entrevistador do Metropolitan Museum of Art, de Nova York, que suas decisões como pintor podem desafiar a razão - mesmo a sua. Mas o que ele inclui em uma pintura tem sua própria realidade, diz ele, porque "apesar de todo o desejo de interpretação, a pintura deve manter o privilégio de colocar o que não pode ser verbalizado em uma estrutura óbvia". Rauch descreve seu processo de fazer uma pintura como uma luta para equilibrar o que é reconhecível com o que é inexplicável. "Para mim, ele disse, " pintura significa a continuação de um sonho com outros meios. "
Uma exposição do trabalho de Rauch está atualmente em exibição no Metropolitan Museum of Art, em Nova York (até 14 de outubro).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, como Dana Schutz, também doutorado na Universidade de Columbia, montou seu estúdio em um loft industrial no Brooklyn. Suas pinturas, inspiradas na pintura da história francesa do final do século XIX, combinam elementos figurativos com técnicas derivadas do grafite e do Expressionismo Abstrato.
"Quando adolescente, crescendo no centro da cidade de Filadélfia, eu era um escritor de grafite primeiro", diz ele. "Eu entrei em todo tipo de problema, fui preso, mas sempre tive um pé na aula de arte." Eventualmente, o pai de um amigo levou-o para algumas galerias de arte em Nova York. "Essa é realmente a única maneira de eu saber que o mundo da arte existiu", diz ele.
Furnas, de 34 anos, pinta suas telas no chão, como fez Jackson Pollock. Mas em vez de pingar tinta a óleo à la Pollock, ele cria poças de tinta à base de água que ele empilha uma sobre a outra para criar uma forma. Para uma série sobre a Guerra Civil, ele encheu uma seringa com tinta acrílica vermelha que ele esguichou sobre suas telas para representar o sangue. "Os óleos nunca secariam a tempo para a maneira como estou usando tinta", diz ele, "no chão, em poças. Muito disso remonta ao graffiti. Uma das coisas que eu gostava em grafite é que ele deliberadamente Você poderia tirar tampas de spray de um aerossol, por exemplo, um limpador de bancada, por exemplo, e colocá-lo em uma lata de spray de tinta e obter um efeito completamente diferente do bico ... Eu nunca me incomodei com Eu tenho uma enorme coleção de tampas de spray, do jeito que imagino que alguns pintores de óleo têm pincéis. No meu trabalho, há uma mistura intencional do que está na loja de ferragens e o que há na loja de arte. "
Na escola de arte de Columbia, Furnas se viu revoltado contra uma geração mais velha de professores que, segundo ele, "artistas conceituais e pós-modernos, quase nenhum pintor". Ele viu a pintura como um ato de auto-expressão que estava fora de moda. Ele também queria que seu trabalho fosse acessível aos espectadores sem a necessidade de que os acadêmicos o interpretassem. "Eu não queria essas pessoas de terno preto falando sobre o meu trabalho", diz ele. "Eu não queria um intermediário." Ele decidiu "voltar às sementes do modernismo", diz ele, "para Courbet e Géricault e Manet, para a pintura da história francesa do final do século 19. Eu pude investigar novamente o gênero e chegar a ele de uma maneira diferente. Então eu me tornei esse tipo de comprador modernista de lojas de artigos de segunda mão! "
Uma exposição do trabalho de Furnas está agendada para a primavera na galeria Stuart Shave / Modern Art, em Londres.
Katherine Lee
Em um antigo quartel do exército feito em estúdios de artistas no Colégio de Santa Fé, Katherine Lee, de 22 anos, questiona-se como sua geração de fios vai encarar a arte. "Nós lemos tantas mensagens visuais instantâneas hoje em dia", ela diz, "como comerciais - leia e entenda - e quero que uma pintura seja interessante por mais tempo do que um intervalo comercial. Acho que há um medo da narrativa, e vem da ideia de "conseguir". As pessoas estão tão acostumadas a anunciar que querem que o que vêem em uma pintura seja pré-pensado por outra pessoa. Mas a publicidade faz um trabalho tão bom que talvez você precise encontrar uma nova estratégia. "
Uma misteriosa paisagem quase negra com uma luz distante é fixada na parede do estúdio de Lee. Tem a atmosfera temperamental e a profundidade de uma paisagem do século XIX, mas Lee a pintou de várias fotografias usando uma mistura de grafite, óleos e latas de tinta spray. A folhagem escura sugere uma selva ou floresta, e há algo que parece um guarda-chuva vermelho no meio de tudo isso. Mas não há pessoas. É difícil saber alguma coisa sobre a cena, que é exatamente o que ela quer. "Aquele guarda-chuva na floresta sugere que algo está acontecendo", diz ela. "Eu gosto da idéia de que tudo funciona como conteúdo potencial. Eu realmente não penso sobre o que significa quando estou fazendo, porque eu sei que isso vai fazer o seu próprio significado."
Quando ela pinta figuras humanas, como em uma imagem de óleo e grafite de um casal romântico que ela chama de Untitled Love, Lee quer que a pintura interesse tanto o espectador quanto a imagem. "Não é exatamente pintura figurativa", diz ela, "porque não é realmente sobre essas pessoas. Quando eu comecei a pintura, era apenas sobre a figura, mas logo pareceu muito plana. Eu fiquei muito frustrado e meio destruído. a maior parte da pintura, e depois ficou muito melhor, peguei uma escova e apenas distorci violentamente tudo. Ao abstrair tudo de tal forma, a pintura se torna aberta, ela ganha muito conteúdo potencial ao invés de explicitamente se explicar. "
As pinturas de Katherine Lee estarão à vista em uma exposição de tese na Galeria de Belas Artes do Colégio de Santa Fé em maio.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 anos, recém-formada pela Escola de Artes da Universidade de Colúmbia, é uma pintora cuja obra está acrescentando à nova empolgação com a pintura contemporânea que combina abstração e representação. Em seu estúdio Brooklyn, telas são cobertos com grandes pinceladas abstratas que lembram de Kooning, mas eles incorporam o tipo de figuras um pintor, como Matisse poderia ter imaginado. Neel diz que sua própria sensibilidade é moldada pelo fluxo de imagens ao seu redor, da propaganda e da televisão aos filmes, vídeos e Internet. "Somos consumidores de imagens quase desde o dia em que nascemos", diz ela, e acha que a arte agora precisa lidar com esse ambiente.
Neta da pintora figurativa do século XX, Alice Neel, Elizabeth costuma navegar na Internet em busca de imagens antes de começar uma pintura. Ela não projeta fotografias em uma tela, mas faz esboços das imagens que deseja usar. Às vezes, ela diz, os aspectos puramente formais de fazer uma pintura - a escala de suas pinceladas, por exemplo - podem mudar seu interesse pela imagem e mandá-la de volta à Internet para novas imagens e idéias. "Eu acho que a pintura pode ter uma dualidade maravilhosa; pode ser sobre si mesma e pode ser sobre o mundo", diz ela, "e é uma boa passagem em uma pintura quando isso acontece."
O colecionador britânico Charles Saatchi comprou várias pinturas de Neel e está incluindo alguns deles em sua série em curso de exposições, "O Triunfo da pintura", na sua galeria de Londres. Neel terá uma exposição individual no Deitch Projects, em Nova York, na primavera de 2008. Seu trabalho pode ser visto no site da Deitch Projects.
O escritor e pintor Paul Trachtman vive no Novo México. Seu artigo sobre os dadaístas foi publicado no Smithsonian de maio de 2006 .
