É justo que o museu mais aguardado no mundo da arte contemporânea esteja a mais de uma hora de distância da frenética cena artística de Nova York. Muitos dos artistas cujos trabalhos foram exibidos em maio passado no Dia: Beacon, como o novo museu é chamado, colocam espaço entre si e um mundo artístico que eles viam como comprometido e excessivamente comercial. “Esses artistas foram inspirados mais pela paisagem americana e pelo espírito americano do que pela cena artística do SoHo”, diz o colecionador Leonard Riggio, presidente da Fundação Dia Art, que criou o museu. “A ideia de estar a uma hora de distância de Nova York é mais importante do que estar perto disso.”
Dia: Beacon tem 240.000 pés quadrados de espaço de exposição, que é mais do que o de Guggenheim, Whitney e Museu de Arte Moderna de Nova York combinados. Exibe uma concentração de obras monumentais (muitas raramente ou nunca vistas em público) por artistas da terra, artistas minimalistas, artistas conceituais e artistas de instalações. No Dia: Beacon, diz o artista Robert Irwin, que ajudou a transformar a fábrica de impressão de caixas Nabisco de 1929 em Beacon, Nova York, em uma vitrine radiante de arte, “o espectador é responsável por colocar em movimento seu próprio significado”.
A maioria dos grandes projetos em exibição no Dia: as imensas galerias da Beacon preenchem uma sala ou mais. A escultura de John Chamberlain, Privet, por exemplo, é um cercado de 18 metros de altura e 3 metros de altura feito com pedaços de cromo e aço pintado. E a Série Igualitária de Walter De Maria (12 pares de círculos e quadrados achatados de aço inoxidável que ficam no chão como máquinas gigantescas para uma enorme máquina) se estende por duas galerias totalizando 22.000 pés quadrados.a maioria dessas obras não pode ser vista totalidade de qualquer lugar; você deve entrar, andar e, em alguns casos, dentro deles, como em uma paisagem. A arte “difícil” torna-se acessível, diz o pensamento, quando a resposta do espectador é visceral. E concentrado.
"O que torna este museu muito especial é seu foco em um número relativamente pequeno de artistas que são mostrados em grande profundidade em circunstâncias tão perfeitas quanto qualquer espaço que eu tenha visto", diz James N. Wood, diretor e presidente do Art Institute. de Chicago. "É totalmente comprometido em dar uma arte que não seja necessariamente insinuante em um ambiente onde tenha a melhor chance de falar por si só."
Muitos dos cerca de 20 artistas representados no Beacon - um grupo extremamente influente que inclui Louise Bourgeois, Dan Flavin, Walter DeMaria, Michael Heizer, Donald Judd, Sol LeWitt, Agnes Martin, Robert Ryman, Richard Serra e Andy Warhol - começaram suas carreiras intenção de desafiar algumas suposições básicas sobre arte. Por que uma escultura tem que ficar em um pedestal e ocupar o espaço? Por que uma pintura tem que ser algo em que você estava na frente e olhou? Por que isso tem que parar nas bordas? A arte tem que ser um objeto?
Sem a resposta do espectador, eles sentiram que sua arte estava incompleta. “As coisas funcionam nos relacionamentos. Tudo é interativo ”, diz o artista Robert Irwin, que começou na década de 1950 como pintor abstrato e que, juntamente com o diretor da Dia Art Foundation, Michael Govan, foi responsável por criar um plano mestre para a renovação da fábrica e o design espaços. Ele diz que se aproximou de Dia: Beacon como artista e não arquiteto. Em vez de usar uma prancheta ou modelos, ele concebeu seu plano, que está listado como uma das obras de arte da coleção Dia, andando de um lado para o outro, dentro e fora do complexo. Ele pensou no museu como uma “sequência de eventos, de imagens”, e ele estava atento à ordem na qual os visitantes entrariam e progrediriam através de seus espaços.
Na entrada de Dia: Beacon, Irwin plantou espinheiros, que florescem na primavera e são carregados de bagas vermelhas e laranjas no inverno. Eles crescerão até 25 pés, aproximadamente a altura dos quatro edifícios conectados de teto plano - incluindo um galpão de trens - que já abrigou a fábrica.
Uma das poucas coisas que Irwin acrescentou à estrutura existente é uma entrada pequena, baixa e forrada de tijolos. Passe por ele e “boom!”, Diz Irwin, os tetos sobem e a luz transborda pelas claraboias e pelos bumerangues de dentes de serra virados para o norte do piso de bordo. Você pode ver o comprimento das galerias gêmeas à frente, 300 pés, para industrializar as portas de correr. Através dessas portas abertas, outras galerias se estendem por mais de 60 metros em direção a janelas viradas para o sul e iluminadas pelo sol. "Esse momento de entrar é realmente o poder do edifício", diz Irwin.
O vasto espaço engoliu os 4.500 visitantes que se aglomeraram no dia da inauguração. Nas primeiras seis semanas, 33.000 pessoas visitaram o museu. “As pessoas me perguntam o que torna esse lugar diferente”, diz o diretor do Dia, Michael Govan, 40 anos. “Há pouquíssimos lugares com concentração de obras, até mesmo por esses artistas, tão abrangentes e ambientais. Os edifícios, de certa forma, são grandes o suficiente para permitir que todos os artistas tenham seu próprio mundo e o visitante tenha a fantástica experiência de ir de um mundo a outro ”.
A escultura de 142 metros de comprimento de Michael Heizer, norte, leste, sul, oeste, por exemplo, rouba o espetáculo para muitos visitantes e ilustra de forma mais dramática a idéia da interação entre o espectador e a arte. O trabalho, que Heizer chama de "escultura negativa", consiste em quatro formas geométricas enormes afundadas a 20 pés do chão da galeria. Parado à beira destas escavações, você pode sentir uma pitada de vertigem, mesmo quando seu medo de cair compete com um impulso de se jogar.
Andy Warhol é representado com 72 de suas pinturas Shadows, uma série de 102 representações da mesma sombra difícil de decifrar em um canto do estúdio de Warhol. Projetadas para serem penduradas juntas de ponta a ponta, como um mural, cada serigrafia granulada é tratada de forma diferente - impressa em um fundo preto ou metálico e lavada em um espectro de cores vaporosas, do verde Day-Glo ao vermelho coral. Warhol produziu a série em menos de dois meses, entre dezembro de 1978 e janeiro de 1979, mostrou partes dela em uma galeria de arte e depois usou-a como cenário para uma sessão de moda para a edição de abril de 1979 de sua revista, a Interview .
Além dos Warhols, o mundo que a artista alemã Hanne Darboven construiu - chamado Kulturgeschichte ( História Cultural ), de 1880 a 1983, consiste de 1.590 fotos emolduradas, capas de revistas, recortes de jornais, anotações, papéis pessoais e citações, tudo pendurado no chão. para o teto em um grande e esmagador ataque de informações. O efeito não é diferente de andar por um livro de história.
No extremo sul do museu, um trabalho raramente visto pelo falecido artista Fred Sandback recria parte de sua série Construções verticais de 1977. Sandback usou fio colorido para delinear um enorme retângulo vertical. Há outro assim como a poucos metros de distância. O espaço que eles descrevem parece tão real quanto uma parede de vidro. Você parece estar do lado de fora olhando para dentro, mas se você pisa sobre o fio para o outro lado, você se encontra mais uma vez do lado de fora da ilusão.
Além do fio de Sandback está a instalação sem título de Donald Judd de 1976 de 15 caixas de compensado. Judd, um artista, filósofo e crítico que morreu em 1994 aos 65 anos, queria tirar a escultura de seus fundamentos. Ele usava materiais industriais - compensado, metal triturado, acrílico - e tinha suas esculturas feitas por fabricantes. De longe, suas caixas não pintadas, quase no peito, que ficam diretamente no chão da galeria, com espaço para passear entre elas, parecem idênticas. Mas de perto você pode ver que cada uma das caixas é um pouco diferente, conjugando um vocabulário de formas abertas, fechadas, emendadas e divididas. "É um mito que o trabalho difícil é difícil", afirmou Judd. Sua idéia de que o contexto em que uma escultura ou pintura é vista é tão importante quanto o próprio trabalho - e essencial para compreendê-lo - se tornaria o credo do Dia: Beacon.
"Olhando para os trabalhos de Judd, você começa a pensar em possibilidades ilimitadas", diz Riggio (que com sua esposa, Louise, contribuiu com mais da metade dos US $ 66 milhões necessários para realizar o museu). “Você não sente apenas o brilhantismo do próprio artista, mas também sente o potencial do espírito humano, que inclui o seu próprio. Você vê o que uma grande mente pode fazer, então é mais do que sobre a arte ”.
"Obviamente, o modelo para o que estamos fazendo é em Marfa", diz Riggio, referindo-se ao museu que Judd fundou em 1979 em um forte abandonado no país do oeste do Texas. Judd odiava museus convencionais e comparou galerias permanentes, onde obras de vários artistas diferentes são agrupados em uma única sala, para "calouro inglês para sempre". Judd veio com outra maneira: exibir artistas individuais em edifícios adaptados para complementar sua arte.
A ideia de Judd de converter prédios industriais em galerias pode ser vista hoje nos espaços naturais do Contemporary Temporary de Los Angeles e no MASS MoCAin North Adams, Massachusetts. Mas o espírito rabugento e visionário de Judd encontra sua expressão mais completa no Dia: Beacon. “Os artistas representados no Dia, especialmente Judd, são realmente os fundadores da estética deste lugar”, diz Govan. "Eu vejo este museu como uma série de pavilhões de artista único sob um telhado diáfano de luz".
Em 1977, Judd conheceu o comerciante de arte alemão Heiner Friedrich, um homem com um zelo quase religioso para mudar o mundo através da arte. Em 1974, Friedrich e sua futura esposa, Philippa de Menil, a filha mais nova de Dominique e John de Menil, da fortuna do petróleo da Schlumberger, criaram a Fundação Dia Art. (Dia, a palavra grega para “through”, pretende expressar o papel da fundação como canal para projetos extraordinários.) Na década seguinte, Friedrich e Philippa doaram milhões de dólares para financiar obras de artistas que admiravam. Típico daqueles que o casal financiou foi o Campo Relâmpago de 1977 de Walter De Maria - 400 postes de aço inoxidável instalados em uma rede de uma milha por um quilômetro no deserto do Novo México.
Em 1979, Dia começou a comprar o forte abandonado do Texas e seus arredores em Marfa para Judd, que, segundo Riggio, "transformou um quartel do exército no que eu acho ser facilmente o melhor museu de um único artista do mundo". Então, no início dos anos 80, o domínio de Friedrich começou a desmoronar. Houve um excesso de óleo. Os estoques de petróleo caíram e Dia ficou sem dinheiro. Friedrich renunciou ao conselho e um novo conselho instituiu uma reorganização. A nova missão de Dia não incluiu o financiamento de projetos artísticos gigantescos.
O contrato de Judd deu-lhe a propriedade de Marfa, a arte que continha e um acordo legal de US $ 450.000. Ele reconstituiu sua empresa no Texas como a Fundação Chinati, nomeado para as montanhas circundantes, e contratou artistas como Claes Oldenburg e Ilya Kabakov para criar novos trabalhos. Algum outro Dia art foi vendido, permitindo que um novo diretor, Charles Wright, abrisse o DiaCenter for the Arts em 1987, na seção Chelsea de Manhattan, onde a fundação continua montando exposições de um único artista.
Em 1988, Michael Govan, então com apenas 25 anos e vice-diretor do Museu Guggenheim de Nova York, visitou Judd em Marfa, uma experiência que ele chama de “transformadora”. Depois disso, Govan diz: “Eu entendi completamente porque Judd abandonou o trabalho com outras instituições. seu próprio. Outros museus estavam preocupados com a receita de admissões, marketing, grandes shows e edifícios que as pessoas reconheceriam. E de repente eu vejo Judd com esta situação simples, esta instalação permanente, cuidando de todos os detalhes da maneira mais simples. E o sentimento era algo em que você poderia estar totalmente imerso e perdido. ”Dois anos depois, Govan aceitou a direção do Dia Escalado. "Eu sabia que era o único lugar que detinha mais princípios de Judd do que em qualquer outro lugar", diz ele, "se havia dinheiro para executá-los ou não". De fato, havia um déficit de US $ 1, 6 milhão. Mas o acordo de Govan com os membros do conselho do Dia era que eles considerariam um lar permanente para a coleta se ele pudesse estabilizar as finanças. Em 1998, o orçamento foi equilibrado por três anos. Esse também foi o ano em que Dia mostrou Torqued Ellipses, um novo trabalho do escultor Richard Serra.
As três esculturas monumentais - formações imponentes, cada uma com 40 a 60 toneladas de chapas de aço de 2, 5 cm de espessura - dominavam a galeria do Chelsea e agora (juntamente com a mais recente do grupo de 2000, uma espiral torcida) dominam seu espaço. Dia: Beacon. À medida que você circula cada gigante, você tem consciência dos espaços sinuosos entre as esculturas e as formas em si. Mas quando você se move dentro das aberturas dos monólitos, tudo muda. Por mais que você se sinta intimidado, uma vez lá, você se sente calmo.
Leonard Riggio, fundador e presidente da Barnes and Noble, mal ouvira falar de Dia quando foi ver o espetáculo da Serra. "Foi mágico para mim", lembra ele. A pedido de Govan, ele gastou quase US $ 2 milhões para comprar Torqued Ellipses for Dia, dando início a seu programa de coleta inativo. Naquela época, Govan e a curadora Lynne Cooke, que também vieram para Dia em 1990, começaram a procurar espaço para um museu permanente. Um dia, voando a cerca de 100 km ao norte de Nova York, em um Cessna 172 alugado - Govan obteve sua licença de piloto em 1996 - eles viram uma placa desbotada da fábrica de Nabisco nas margens do rio Hudson. De volta a Nova York, Govan traçou o prédio até a International Paper Corporation e foi de carro para vê-lo em um dia úmido de primavera.
"Então eu entro no prédio e é espetacular ", lembra ele. “Eu disse: 'Eles considerariam alguma vez dar isso a um museu?' Eles disseram: 'Absolutamente não. Isso está à venda. No final, no entanto, a International Paper doou a fábrica e a terra para o museu, e Govan levantou o dinheiro para a renovação através de contribuições públicas e privadas. O projeto (uma colaboração de três vias entre Irwin, Govan e a empresa de arquitetura de Nova York, OpenOffice) começou em 1999. Ao mesmo tempo, Govan e o curador Cooke estavam construindo a coleção.
Em 1994, Govan ficou sabendo que o colecionador Charles Saatchi queria vender um grupo raro de pinturas da artista mexicana Agnes Martin, do Novo México. “Pareceu-me que essa obra de arte era muito parecida com o que Dia havia colecionado”, lembrou ele. “Foi um grande épico - realmente um grande trabalho.” Mas Govan chegou tarde demais; as pinturas já haviam sido vendidas para o Whitney. "Então eu perguntei se ela consideraria fazer outra série", diz Govan. Martin não respondeu. “Então, em 1999, recebi uma ligação dizendo que Agnes está trabalhando nas pinturas do Dia, e elas são realmente importantes para ela. Eu disse: 'O quê?' ”Sem contar a Govan, Martin, agora com 91 anos e ainda pintando, aceitou o desafio e prosseguiu com o projeto.
Hoje seu Amor Inocente ocupa uma galeria inteira no Dia: Beacon. As pinturas tocam variações de faixas cintilantes de cor. Seu contentamento consiste em seis faixas verticais de amarelo pálido; Perfect Happiness é uma série de lavagens verticais que traduzem pouco mais do que um brilho na retina. As pinturas refletem a qualidade da luz do deserto, fazendo a galeria parecer tão espaçosa quanto as vistas do Novo México.
As Elipses Torqueadas de Serra têm o efeito oposto. Eles dominam o longo galpão de trens da fábrica, no qual estão entalhados. Serra escolheu o espaço ele mesmo. "Você quase nunca consegue fazer isso em um museu", diz ele. “Eu não acho que haja outro museu no mundo como este. Se você não consegue encontrar alguém para olhar entre Warhol, Judd, Flavin, Martin e Ryman, não é culpa da arte. ”
