O celeiro negro da pintura Lua cheia de janeiro de George Ault é uma estrutura simples, limitada por linhas simples. No entanto, seus ossos angulares dão uma presença dominante. O celeiro está atento, suas paredes plantadas na neve iluminada pelo luar e seu pico em direção a um céu azul profundo. É ousado e musculoso, e como diz o professor de história da arte da Universidade de Yale, Alexander Nemerov, um celeiro com um "B" maiúsculo, o celeiro de todos os celeiros.
Um artista americano pouco conhecido, George Ault teve a habilidade em sua pintura de tomar locais específicos em Woodstock, Nova York, onde viveu de 1937 até sua morte em 1948, e fazê-los parecer universais. Nemerov diz que lugares como o celeiro de Rick, que Ault passou em passeios com sua esposa, Louise, e Russell's Corners, um cruzamento solitário apenas fora da cidade, realizou algum "poder místico" para o artista. Ele fixou-se neles - pintando Russell's Corners cinco vezes na década de 1940, em diferentes estações e horários do dia - como se contivessem alguma verdade universal que seria revelada se ele e os espectadores de suas pinturas meditassem sobre eles por tempo suficiente.
Depois de estudar meticulosamente suas cenas, Ault se retirava para um estúdio limpo para pintar. Como mostra seu autorretrato de 1946, The Artist at Work, ele trabalhou com o cotovelo de seu braço de pintura descansando no copo de sua outra mão, que se equilibrava em suas pernas cruzadas. Ele era metódico e meticuloso, muitas vezes considerado parte do movimento do Precisionismo pós-Primeira Guerra Mundial. Com a mão firme, podia ter certeza de que todos os aviões, tábuas e fios de telefone eram assim. "Há sempre essa sensação de moldar, ordenar, estruturar como se sua vida dependesse disso", diz Nemerov.
Quando você leva em conta a vida tumultuada de Ault, talvez sim. Depois de frequentar a University College School, a Slade School of Fine Art e a St. John's Wood Art School, todos em Londres, no início de 1900, o nativo de Cleveland retornou aos Estados Unidos, onde sofreu uma série de tragédias pessoais. Em 1915, um de seus irmãos cometeu suicídio. Em 1920, sua mãe morreu em um hospital psiquiátrico. E em 1929, seu pai morreu. O colapso do mercado de ações foi um duro golpe para a fortuna de sua família, e seus dois outros irmãos tiraram suas vidas logo depois. Lamentando suas perdas, o artista deixou Manhattan com Louise, com quem se casou em 1941, para Woodstock, onde viveu até dezembro de 1948, quando também se suicidou, afogando-se em um riacho perto de sua casa. Como Louise disse uma vez, a arte de Ault foi uma tentativa de fazer “ordem no caos”.
Ault não obteve muito reconhecimento durante sua vida, em parte por causa de sua atitude reclusa e hostil em relação a potenciais compradores. Mas Louise trabalhou incansavelmente para promover o trabalho do marido depois de sua morte. Das pinturas de Ault de Woodstock da década de 1940, ela escreveu certa vez: "Eu acreditava que ele havia ido além de si mesmo".
Nemerov, curador convidado da exposição “Para fazer um mundo: George Ault e os anos 1940 da América”, no Smithsonian American Art Museum até o dia 5 de setembro, concorda. Ele vê Ault como tendo pintado cenas claras e calmas em uma tentativa desesperada de controlar o confuso caos não apenas em sua vida pessoal, mas também no mundo em geral, à beira da Segunda Guerra Mundial. Escrita na parede da galeria, na entrada da exposição, está a declaração: "Se o mundo fosse incerto, pelo menos a inclinação de um telhado de celeiro seria uma certeza".
Noite Negra em Russell's Corners, George Ault, 1943. (Academia de Belas-Artes da Pensilvânia, Filadélfia, John Lambert Fund) 
Luz do dia em Russell's Corners, George Ault, 1944. (Coleção de Sam Simon. Imagem © Christie's Images Limited 2002) 
Festus Yayple e seu Boi, George Ault, 1946. (Museu de Arte de Cleveland, Hinman B. Hurlbut Fund) 
Memórias da Costa da França, George Ault, 1944. (Manhattan Art Investments, LP. Foto: David Heald) 
Lua cheia de janeiro, George Ault, 1941. (Rockhill Nelson Trust (por intercâmbio). Foto por Jamison Miller) 
O Artista no Trabalho, George Ault, 1946. (Museu Whitney de Arte Americana, Nova York, Presente da Sra. George Ault. Foto por Geoffrey Clements) 
Ault não obteve muito reconhecimento durante sua vida, em parte por causa de sua atitude reclusa e hostil em relação a potenciais compradores. Sua esposa Louise trabalhou incansavelmente para promover o trabalho de seu marido após sua morte em 1948. (Arquivos de Arte Americana) 
Alexander Nemerov, curador convidado da exposição, "Para fazer um mundo: George Ault e 1940 America", no Museu de Arte Americana Smithsonian, vê Ault como tendo pintado cenas claras e calmas em uma tentativa desesperada de controlar o confuso caos não só em sua vida pessoal, mas também no mundo em geral. (Bruce Guthrie) Para a exposição, a primeira grande retrospectiva do trabalho de Ault em mais de 20 anos, Nemerov, um ex-colega de pré-doutorado e assistente de pesquisa do museu, selecionou quase 20 pinturas de Ault e também de seus contemporâneos, incluindo Edward Hopper, Andrew Wyeth e Charles Sheeler. Juntas, as pinturas oferecem uma visão muito mais frágil e sombria dos anos 1940 do que outros ícones culturais da década, como o pôster We Can Do It, de J. Howard Miller ! (mais conhecida como Rosie, a Rebitadora), a fotografia de Alfred Eisenstaedt no Times Square e a gravação de Bing Crosby de “Acentuar o Positivo”. As pinturas de Ault são tranquilas e subjugadas - uma estrada que se ergue sobre uma colina gramada, uma fazenda branca nas sombras de nuvens cinzentas imponentes e uma visão estéril dos Catskills em novembro. "É quase como se as pinturas dele esperassem que nove entre dez pessoas passassem por elas", diz Nemerov. "Mas, é claro, eles estão contando tudo com essa décima pessoa para notá-los." Para essa décima pessoa, argumenta Nemerov, os trabalhos de Ault carregam emoção apesar de sua falta de figuras humanas e de contar histórias. Nemerov chama a cachoeira no Riacho de Ault nas Montanhas, por exemplo, “uma forma de chorar sem chorar”, acrescentando que “emoção - pintura do coração - deve, para ele, tomar uma forma curiosa e deslocada para ser real, autêntica. "
Em seu prefácio ao catálogo de exposições de Nemerov To Make a World: George Ault e América de 1940, Elizabeth Broun, diretora do Smithsonian American Art Museum, enfatiza como a arte fornece um meio de entender o que as pessoas pensam e sentem em um determinado momento. O caso de Ault durante os anos 1940. "Seus pensamentos e emoções específicas morreram com eles", diz ela, "mas esta exposição e livro mergulham abaixo da superfície de quarenta e sete pinturas para entender as correntes mais profundas abaixo, ajudando-nos a recuperar algumas idéias há muito esquecidas."
Na exposição estão todas as cinco pinturas de Ault de Russell's Corners, incluindo Bright Light no Russell's Corners, o terceiro da série, que faz parte da coleção permanente do American Art Museum. Quatro das cenas são programadas à noite, e tê-las todas na mesma galeria permite ao espectador ver como o céu negro em cada um se torna mais dominante à medida que a série avança. Edifícios, árvores e postes telefônicos são iluminados por um único poste de luz nas primeiras representações, enquanto no último, Noite de agosto em Russell's Corners, que Ault pintou em seu último ano de vida, a escuridão consome quase todos os rostos sombreados de celeiros e um pequeno trecho de estrada, como se Ault estivesse perdendo o controle que ele já teve no mundo.
"Eu não podia culpar as pessoas por pensarem que este é um espetáculo indevidamente obscuro", diz Nemerov. Talvez por essa razão, o historiador da arte se apegue à luz de rua recorrente na série Russell's Corners. "Essa luz representa algo que é sobre entrega, revelação e prazer", diz ele. Ele sugere que a luz poderia ter uma conotação religiosa. Seus raios irradiantes lembram a luz da pintura do século XV de Sassetta, A Jornada dos Magos, uma reprodução que Ault manteve em seu ateliê. Mas, como o artista não era religioso, Nemerov considera a luz um símbolo do êxtase e da alegria de um ato artístico, uma explosão de criatividade. Afinal, fora do tumulto de Ault, veio uma coisa claramente positiva: um impressionante corpo de arte. Muito apropriadamente, Louise usou uma citação do filósofo alemão Friedrich Nietzsche para descrever seu marido. "A menos que haja caos dentro, nenhuma estrela dançarina pode nascer."
Alexander Nemerov analisa a vida dos artistas e como os infortúnios iniciais moldaram sua interpretação dos anos 1940
