De uma descrição da impressão agora, em 2017, parece perfeitamente tradicional. Gravura em preto e branco no papel, uma forma de arte que existe há 500 anos. Um retrato de uma mulher. No fundo, provavelmente algum tipo de interior doméstico. Um título simples, American Girl .
Mas em 1974, quando a artista Emma Amos criou a American Girl, agora nas coleções do Smithsonian American Art Museum, o país estava agitado com movimentos de protesto social - pela libertação das mulheres, pelo Black Power, pelos direitos LGBT, pelos direitos indígenas americanos. Grupos outrora silenciados exigiam ser vistos e ouvidos. Os artistas apoiaram esses protestos não apenas marchando e escrevendo, mas através das artes visuais. Artistas negros discutiram se médiuns ou estilos específicos promoveram a justiça racial.
Romare Bearden, por exemplo, trabalhou durante anos em colagem, em parte como forma de dar destaque às imagens de pessoas negras de verdade. Debate bradou sobre se era aceitável ser um pintor abstrato, ou se o trabalho dos artistas negros "precisava ser de algum modo sobre a experiência negra", provavelmente retratando os negros, diz Alex Mann, curador de gravuras e desenhos do museu. . Alguns artistas da época procuraram inspiração em África e procuraram criar arte para e sobre os povos africanos em todo o mundo. Outros fizeram trabalhos que eram abertamente políticos ou radicais, variando de escultura na forma de um coquetel molotov dirigido a tia Jemima a estampas e cartazes pedindo por ação.
American Girl é um trabalho mais quieto e mais pessoal do que a maioria de seu tempo. Ainda assim, existem inúmeras maneiras para um artista fazer uma declaração social. A própria Amos iria fazer um trabalho mais abertamente político. Mann diz: "Às vezes você fala em frases curtas e às vezes usa poesia."
Amos estava em sintonia com o movimento pelos direitos civis e o florescente movimento de mulheres. Nascida em 1938, ela cresceu na cidade natal de Martin Luther King Jr., segregou Atlanta, onde “ela não teria sido bem-vinda no museu”, diz Mary Ryan, co-proprietária da Ryan Lee Gallery em Nova York, que representa Amós hoje. (A própria artista não está mais disponível para entrevistas, mas algumas de suas obras da década de 1980 até a de 2010 estão em exibição na galeria até meados de dezembro.) Pouco depois de Amos se mudar para Nova York no início dos anos 60, um grupo de proeminentes artistas negros formaram um coletivo chamado Spiral, para discutir as melhores formas de seu trabalho apoiar a causa da justiça racial. Eles convidaram Amos para se juntar a eles, como o membro mais jovem do grupo, e apenas mulher.
A historiadora de arte feminista Linda Nochlin, que morreu no mês passado, escreveu um artigo inovador em 1971, “Por que não houve grandes artistas mulheres?”, Sobre as barreiras sociais que as mulheres enfrentavam para se tornarem artistas. Como mulher negra, Amós enfrentou esses obstáculos e muito mais. Ela tentou encontrar emprego ensinando arte em Nova York, mas foi recusada repetidamente porque, diz Mann, ela era "jovem, mulher, negra". Ela sabia que os artistas brancos e especialmente os artistas brancos não estavam enfrentando os mesmos desafios. ”Ela se esforçou para fazer sua voz ser ouvida, descobrindo que as galerias raramente exibiam pinturas de artistas negros. Sem um lugar para mostrar seu trabalho, ela ficou tentada a abandonar a pintura, dizendo a um entrevistador: 'Estou frustrado pelo fato de que ficarei com mais pinturas. . . Eu estou fazendo eles sem motivo. Ninguém jamais os viu. '”
Em 1974, quando ela fez American Girl, Amos começou a se separar do grupo Spiral, questionando “se os artistas negros mais velhos que a apoiaram estavam levando-a a sério e oferecendo-lhe plena oportunidade”, diz Mann. Alguns anos depois, Amos juntou-se ao herege coletivo de arte feminista e, mais tarde, ela se tornou uma das ativistas anônimas do mundo da arte, as Guerrilla Girls.
American Girl faz parte de um portfólio chamado “Impressions: Our World, Vol. 1 ”, que faz uma declaração em si. Composta por gravuras de sete artistas negros, homens e mulheres, foi produzida no Workshop de Gravura, dirigido pelo artista afro-americano Robert Blackburn. Era significativo que um grupo de artistas negros organizasse o projeto eles mesmos. Muitos na época haviam protestado contra os fracassos dos museus em incluir o trabalho de afro-americanos, e os artistas negros buscavam "uma voz na definição do contexto em que [seu] trabalho era mostrado", diz Evelyn Hankins, curadora sênior do Instituto. Museu Hirshhorn do Smithsonian e Jardim de Esculturas. Todas as impressões do portfólio são em preto e branco, o mesmo esquema de cores escolhido pela Spiral, devido à sua conotação racial, para a exposição do grupo na década de 1960.
Como Emma Amos (acima em 2011) diria: “Para mim, uma artista negra, para entrar no estúdio, é um ato político.” (Becket Logan) As escolhas de Amos também parecem reveladoras. Na época, retratar qualquer figura negra e especialmente uma mulher negra - uma figura quase invisível no histórico cânone europeu-americano - podia ser vista como comentário social. Como se para fazê-la totalmente visível, Amós descreve a mulher aparentemente nua; Ryan diz que Amos “sempre se interessou pela beleza do corpo negro”. A riqueza variável de tinta preta no cabelo, corpo e rosto da mulher refletem as escolhas também. “Toda vez que penso em cor é uma declaração política”, disse Amos uma vez. Como artistas, “estamos sempre falando de cores, mas cores também são cores de pele e o próprio termo 'colorido' - tudo significa outra coisa para mim. Você tem que escolher, como artista negro, que cor fazer suas figuras. . . caramelo, marrom ou realmente preto. ”Os tons profundos acentuam os olhos pálidos e cautelosos da mulher e a linha branca que a separa de seu entorno. Para Hankins, ela parece “separada ou isolada do mundo, talvez questionando seu lugar no mundo”.
O tema da obra de Amós pode parecer pessoal, até mesmo íntimo, mas em 1974 frases como “O pessoal é político” e “Preto é lindo” foram os gritos de mobilização dos movimentos de protesto. Teria sido difícil ver um trabalho como este sem ler alguma mensagem. Kelli Morgan, curadora da Academia de Belas-Artes da Pensilvânia, que estudou as últimas obras de Amos, considera a American Girl como “uma representação de uma mulher negra como a base da sociedade americana”. Ela acrescenta: “Como historiador, eu li como uma declaração sociopolítica ”. Como a própria Amos diria alguns anos depois, “ Para mim, uma artista negra, para entrar no estúdio, é um ato político ”.
E depois tem o título do trabalho, American Girl . O que significa chamar essa mulher de menina? Em 1974, a libertação das mulheres estava no ar, e as feministas argumentaram que a palavra "menina" era humilhante. Quanto aos “americanos”, os artistas negros haviam desconstruído o seu significado há algum tempo. Respondendo à violência do final dos anos 60, Faith Ringgold havia pintado uma bandeira com as palavras “Die N *****” escondidas em suas estrelas e listras. Em 1964, Lois Mailou Jones abordou relações raciais com a Challenge-America, uma colagem que retrata heróis negros, presidentes dos EUA, recortes de notícias e a palavra “América” circulando por eles como um fio. Em Amos's American Girl, Morgan vê ecos de uma bandeira americana no padrão de listras verticais e manchas brancas em um chão escuro.
Então, e agora, diz Hankins, trabalhos como esses levantam “a questão do que significa ser americano”.
Ela acrescenta: "É uma questão que parece estar lutando muito".
American Girl atualmente não está à vista. A exposição da galeria Ryan Lee "Emma Amos: Black Bodies" estará disponível até 16 de dezembro de 2017 em 515 West 26th Street, Nova York, Nova York.
